El año pasado publicamos en
este Blog, una serie de cortometrajes que realizara el autor como campaña para
el día de San Valentín para la cadena de tiendas El Corte Ingles.
Tres temporadas que llevaban
distinto nombre, pero que teniendo como escenario la tienda, el tema siempre
fue el amor. Fueron catorce episodios
de alrededor de cinco minutos cada uno que se grabaron durante los años 2015 a
2017.
Siempre tiene una saga, de
capítulos unitarios de corta duración, que agrupados bajo un titulo llamativo, nos
convoca a espiar. La pandemia no fue
obstáculo para continuar creando y se dio maña para producir en condiciones de
aislamiento sobre temas que nos preocupaban en ese momento o temas universales
que permanentemente rondan nuestras vidas.
Ninguna oportunidad se le
escapa, oriundo de las Islas Canarias, el pronóstico de la erupción del volcán de
La Palma (Dorsal de Cumbre Vieja) acaecído hace pocos meses atrás, lo inspiró
para contar otra metáfora.
Ya hablamos sobre el autor en
los artículos pasados. Les dejo los
links para los que quieran leer un poco más y ver los videos que se subieron
ahí. Tambien los pueden ver desde el canal de YouTube del cineasta o de su
pagina web que voy a dejar al final del artículo.
Pero hacia finales de este
año, Perez Toledo nos sorprende subiendo a su canal de Youtube, la novela de
ocho entregas breves, estrenada en 2019 en la plataforma Facebook Watch. Una batería de toda su poética, transmitida por
siete personajes adorables y el talento del equipo que se encuentra detrás de
cámara y que lo hacen realidad.
La historia transcurre en un
hotel en Madrid donde se celebra una convención para jóvenes con alto cociente
intelectual. Cada personaje arrastrara
hasta ese lugar un tema especial, que se encuentra presente en cada uno de
nosotros, superdotados o no, en distintos momentos de nuestras vidas. En pocos minutos y con un lenguaje
cinematográfico exquisito, va directo a la llaga. Y si bien cada capitulo genera suspenso por
la continuación de la obra, también nos permite o nos obliga a la reflexión
sobre el tema tratado.
Dice la sinopsis: Todos
están a punto de descubrir que el amor... es de todo menos inteligente.
Para los que quieran ver más
videos, se interesen en seguirlo, les dejo la dirección de su página web, donde
encontrarán los links a sus redes sociales y sus trabajos cinematográficos.
Se cumple este año el
cincuentenario del estreno de la película de producción británica protagonizada
por Tracy Hyde, Mark Lester y Jack Wild, que se conoció en Latinoamérica y
Japón con el nombre de Melody pero que en Europa llevo el nombre SWALK.
Seal With A Loving Kiss, (SWALK)
– Sellado con un beso amoroso – este acrónimo se usaba, a manera de una clave
secreta entre los enamorados, en la época de la segunda guerra a la hora de dar
un cierre a las cartas que se intercambiaban y de esa manera evitaban dejar tan
expuestos sus sentimientos a la hora que las misivas eran revisadas por los
servicios secretos.Tiempo después los
escolares ingleses, lo tomaron también para cerrar sus primeras cartas
románticas.
Sin embargo este tentador
título, no evito el fracaso económico de la cinta en el viejo continente y los
Estados Unidos, pero para sorpresa de los productores resultó un fabuloso
éxito, ya con el nombre que nosotros conocemos, en el Japón y en Latinoamérica,
principalmente en Argentina, Chile y México.
Filmada en los vecindarios de
Lambeth y Hammersmith, y en los cementerios de Brompton y Nunhead, la película
dirigida por el indobritánico Waris Hussein y con guion de un joven Alan
Parker, resulta una postal del Londres de principios de los 70.Los interiores, que mantienen el mismo clima
de época, se rodaron en los famosos estudios Twickenham.
Mucho les costó a la
producción, conseguir a la protagonista femenina.Habían audicionado más de cien niñas, cuando
Tracy Hyde fue recomendada por un colega.Lester y Wild, ya habían trabajado juntos en teatro durante el año de
1968 y la dupla estaba asegurada.
La banda de sonido del film,
contiene varias e inolvidables canciones del grupo Bee Gees, algunas compuestas
o regrabadas especialmente para la ocasión, el éxito de Crosby, Stills, Nash
and Young, Teach your children (‘enséñales a tus hijos’) y Barry Howard del
grupo The Aces.Fue lanzado junto con el
estreno de la película en 1971.En Japón
se convirtió en número uno de las listas y en el mundo se vendieron más de
250.000 copias.
Melody es una obra cargada de
romanticismo, en tono de comedia para todo público, sobre el amor puro e
ingenuo en contraste con las banderas del amor libre que se proclamaba en esos
mismos años.Cuenta la historia de tres
niños que van a una misma escuela primaria, un chico de clase media alta,
Daniel Latimer (Mark Lester), con su papa profesional y una mamá dedicada a una
dudosa beneficencia, un chico de clase media baja, Ornshaw (Jack Wild), con una
familia difusa, el se tiene que ocupar del abuelo, pero no aparecen otros
parientes.Ambos se descubren como
mejores amigos.Sin embargo, Daniel se
enamora de Melody Perkins, (Tracy Hyde), una chica de clase media, que vive con
sus padres y su abuela, poniendo en jaque la amistad con Ornshaw. Cuando Melody
se decide a corresponderle, se proponen casarse, no en el futuro sino ahora. Tienen
apenas diez años.
Entonces comienza el planteo
acerca de qué es el amor.Ellos son pura
bondad, pero no exenta de picardía.No
se erotizan, no pasa por ahí su deseo, pero saben lo que significa y juegan a
poner nerviosos a los adultos, que muchas veces no se callan y los hacen
participar en conversaciones francamente abyectas.La película avanza a través de las canciones –
no a la manera del musical – sino casi como un videoclip, logrando sintetizar
momentos y sensaciones que viven los personajes.
Revela una infancia a merced
de adultos que muchas veces no escuchan ni les interesa escuchar ni se
preocupan por los niños, adultos que se comunican solo entre ellos, o que les
cuesta empatizar con la nueva generación, la excepción son algunos momentos que
vive Melody con su familia, lo que acentúa el contraste y lo pone de manifiesto,
sobre todo cuando no logran poder explicarle por que no puede casarse a su
edad, a pesar de sus esfuerzos y toda su ternura. Con un final cargado de irrealidad – porque
la película termina antes de mostrar las consecuencias que el accionar de cada
personaje les acarreará – logra la catarsis y consuma el deseo del publico provocando
sonrisas y carcajadas.
La película no traiciona el
recuerdo que yo tenia cuando la vi por primera vez, hace ahora cincuenta años.
Y mantiene presente el valor de la bondad de espíritu y la felicidad en las
pequeñas cosas, encarnado en sus protagonistas y continúa exponiendo esa violencia
aplicada casi imperceptiblemente por los adultos al mundo de los infantes. Pero
al mismo tiempo sostiene la esperanza de que los niños pueden contra eso.
Compartimos este verano la
película a manera de homenaje
Sus protagonistas hoy
Lamentablemente Jack Wild
falleció en un escenario en Marzo de 2006
Elenco
Melody Perkins, es Tracy Hyde Daniel Latimer, es Mark Lester Ornshaw, amigo de Daniel es Jack Wild
Sra Latimer es Sheila Steafel Sr Latimer es Keith Barron Sr. Perkins es Roy Kinnear Sra Perkins es Kate Williams Abuela de Melody es Hilda Barry
Fensham es Peter Walton Peggy es Kay Skinner O’Leary es William Vanderpuye Muriel es Camille Davies . Dadds es Craig Marriott Burgess es Billy Franks
Sr Fellows, es Tim Wylton Srta Fairfax es June Jago Sr Diks es Ken Jones Rhoda es Lesley Roach Chambers es Colin Barrie Srta Dimkins es June C. Ellis Director de la Escuela es James Cossins
Maureen es Dawn Hope Capitan de la Brigada de Niños es John Gorman George es Robin Hunter Stacey es Ashley Knight Neil Hallett Stephen Mallett
En el televisor las Perkins miran a: Tracy Reed como mujer en el hospital. Leonard Brockwell, el paciente
Entrevista con Alan Parker. Si quiere subtitularla, elija la opción ( haciendo clic en el rectángulo lleno abajo a la derecha de la pantalla del video, luego al lado a la derecha elija la ruedita y seleccione la opción ingles generado automaticamente y elija el idioma en el que desee leer los subtítulos)
Making off de Melody. Si quiere subtitularla, elija la opción ( haciendo clic en el rectángulo lleno abajo a la derecha de la pantalla del video, luego al lado a la derecha elija la ruedita y seleccione la opción ingles generado automaticamente y elija el idioma en el que desee leer los subtítulos)
Banda sonora
Bee Gees
In the morning (‘en la mañana’). Melody fair (‘inocente Melody’), Spicks and specks Give your best (‘da lo mejor de ti’), el sencillo To love somebody (‘amar a alguien’). First of may (‘primero de mayo’) y
Crosby, Stills, Nash and Young. Teach your children (‘enséñales a tus hijos’),
En unartículo anteriorhablamos sobre la importancia de este ballet en el mundo de la
danza y el orgullo que implica ser elegido para bailar esta obra. También que
fue la primera y a la vez la más importante composición de Tchaicovski. Sabemos que desde 1940 las coreografías van
mutando a pesar de que la mayoría de las puestas realiza variaciones tomando
como referencia la hecha por Marius Petipa y Lev Ivanov para su relanzamiento
en San Petersburgo en 1895.
Desde sus inicios, su guion
sufrió alteraciones, principalmente simplificando personajes o sus nombres,
generalmente en aquellos roles secundarios, respetándose a los
protagonistas.Y que a la hora del
final, cada coreógrafo repositor elegía sorprender al público con su
“caprichosa” elección, a veces los protagonistas se salvaban, otras sucumbían
trágicamente.Pero es a partir de 1976
que se comienza a versionar en forma libre el guión, aunque respetando cierta
raíz que hace que la obra no pierda su esencia.
Con el nombre de “Las Ilusiones
como Lago de los Cisnes” John Neumeier creó para el Ballet de Hamburgo una obra
basada en la vida de Luis II de Baviera (25 de agosto de 1845 – 13 de junio de
1886), que al fallecer el padre, Maximiliano II de Baviera, hereda el dicho reino,
y entre sus obligaciones como rey, se ve forzado a contraer un matrimonio el que
rechaza.Así comienza el malestar entre
Luis II y la nobleza que lo circunda, que hace lo posible por derrocarlo.Finalmente muere en una situación extraña,
ahogado junto a su médico, en el lago próximo a uno de los tantos castillos que
mandó construir y en el que estaba recluído en calidad de enfermo psiquiátrico.En algún momento se lo llamó el Rey Cisne
porque se decía que en su persona había regresado el Caballero de Lohengrin, un
Caballero de una leyenda medieval, perteneciente a la orden del Santo Grial,
que portaba un casco que remataba con una pequeña escultura de un cisne.Luis II tenía fascinación por los cisnes.
Otra versión importante es la
que hoy presentamos aquí.
Matthew Bourne estrena en el
Teatro de Sadler´s Wells de Londres en 1995, la primera versión en la que los
cisnes son interpretados por hombres y las coreografías suman influencias de la
danza contemporánea. La obra se interpreta desde hace casi veinticinco años con
un éxito completo de público, habiendo dado la vuelta al mundo, obteniendo más
de treinta importantes premios, siendo visitante de los más prestigiosos
teatros de Europa, Los Angeles, Japón y Australia. Por supuesto también cuenta con grandes
detractores que lo critican por no mantener los estándares a los que están
acostumbrados.
Tomado como eje la historia de
Ondina, una de los mitos en donde se supone que abreva la historia original de
El Lago de los Cisnes – y que Andersen transforma en “La Sirenita” – Bourne
reinterpreta el mito.
Según Alastair Macaulay (gran
critico de danza, trabajó para The Times Literary Supplement y The Financial
Times, como también para el The New York Times), “El foco del ballet se traslada desde el personaje de Ondina hacia
el hombre - el Príncipe. Es el Príncipe el que lucha contra la represión y
anhela la libertad, y quien necesita amor para sentirse seguro”. Además, no es
el mortal quien es infiel con la ninfa. Más bien es el Cisne quien en el Acto
Segundo expresa amor hacia el Príncipe, traicionándolo con el joven von
Rothbart en el Acto Tercero y finalmente volviendo a él en el Acto Cuarto. Sin
embargo, como en el mito de Ondina, el pecado de traición sólo puede expiarse
con la muerte.
Compartimos el video, duración 120 minutos: .
Acto I
En el prólogo el Príncipe, de niño, es despertado por la pesadilla de
un cisne. Su madre entra a reconfortarlo, pero al ponerse nerviosa por la
intimidad de la situación se marcha, mirando por encima de su hombro con
indecisión.
La primera escena comienza con un ejército de ayudas de cámara y
mayordomos ayudando al Príncipe a prepararse para un día de deberes oficiales.
En la segunda escena, pertrechado con su uniforme de gala, El Príncipe
se aburre con el bautizo de un barco, el corte de una cinta y otras tareas
simbólicas. Su madre lo azuza para que mantenga las apariencias, aunque le
presta más atención a los soldados jóvenes y guapos que a él. Hay una transición durante esta escena, que
nos lleva del niño actor que interpreta al joven Príncipe hasta el bailarín
adulto que, con idéntica indumentaria, interpreta al Príncipe ya crecido. A
este Príncipe ya adulto le presentan una chica desgarbada llamada "la
Novia". A pesar de que es von Rothbart, su Secretario Privado, quien
aparentemente fuerza el encuentro, el Príncipe disfruta de la novedad como una
alternativa a su vida llena de obligaciones. La Reina encuentra a la Novia
inapropiada.
En la tercera escena la Reina, uno de los soldados y admirador suyo, el
Secretario Privado, el Príncipe y la Novia aparecen juntos en el palco de un
teatro, desde donde asisten a un ballet que es representado tanto para el
público real como para los personajes. Es una parodia dulzona y camp de un
ballet romántico, en el que una princesa encantada combate a tres goblins y
conquista el amor de un leñador tirolés. Los decorados espectaculares (basados
en los diseños del Castillo de Falkenstein – el cuarto castillo que Luis II no
llegó a reconstruir – de Christian Jank), el vestuario vacuamente ornamentado,
y las actuaciones melodramáticas son una burla dirigida a los ballets
románticos de los que El lago de los cisnes original era un buen ejemplo. La
Novia molesta a la Reina y a von Rothbart, con sus reacciones exageradas a la
danza, incluso dejando caer su bolso desde el palco real.
La cuarta escena nos muestra al Príncipe enfadado, bebiendo delante de
un espejo en sus aposentos, lo que sorprende a su madre. A continuación se
produce un pas de deux casi violento en el que él suplica su atención y su
amor, mientras que ella lo rechaza con determinación.
Este rechazo lleva al Príncipe a las calles y al Bar Swank; una
discoteca al estilo de los 70s, en las escenas quinta y sexta. A partir de este
punto la coreografía se desvía más notablemente del ballet clásico, dominando
los estilos de danza moderna y jazz. El Príncipe busca el amor entre extraños,
que lo rechazan.
En la séptima escena sorprende a von Rothbart, el Secretario Privado,
pagando a la Novia para que desaparezca. Mientras está sentado en la calle al
final de la escena, el Príncipe se imagina a un grupo de cisnes volando hacia
él, pero la visión se desvanece rápidamente. Es el primer indicio del descenso
del Príncipe hacia la locura.
Acto II
Deprimido con la idea de que nunca encontrará el amor, el Príncipe piensa
en el suicidio, pero es salvado por la visión de unos hermosos cisnes en el
lago de un parque público. Este acto es la adaptación más directa del argumento
original de El lago de los cisnes, pero al mismo tiempo contiene los elementos
más polémicos del ballet, debido a los cambios estílisticos y de reparto. Los
bailarines muestran a los cisnes como animales arrogantes y agresivos en lugar
de los cisnes delicados y sentimentales tradicionalmente interpretados por
bailarinas. Se descartan las diademas y los tutús blancos tradicionales;
reemplazados por torsos desnudos, pantalones hasta la rodilla y emplumados, y
maquillaje facial negro y agresivo. Rechazado al principio por el Cisne líder,
al final el Príncipe es aceptado en un abrazo amoroso. Éste siempre ha sido el
deseo del Príncipe, y el acto termina con una felicidad triunfante. Entonces
los cisnes se alejan volando. No queda completamente claro si el Príncipe realmente
ha tenido trato con los cisnes o si éstos son sólo producto de su imaginación.
Acto III
La primera escena comienza con la llegada de las princesas de varias
naciones Europeas y sus escoltas a las puertas de palacio para un gran baile.
La Novia se cuela entre ellos.
La segunda escena tiene lugar en un salón de baile proto-fascista,
donde gigantescos candeleros sostenidos por puños recuerdan a aquellos de La
bella y la bestia de Jean Cocteau. Comienza con la llegada de la Reina y el
Príncipe, pero degenera rápidamente en una bacanal de bebida y provocaciones
lascivas. En ese momento es cuando llega el hijo de von Rothbart, carismático y
sexualmente agresivo, vestido con pantalones de cuero negro: que intensifica
incluso más la tensión sexual al flirtear con toda mujer presente, incluida la
Reina.
Al igual que en El lago de los cisnes original, donde normalmente
(aunque no siempre) la misma bailarina interpreta al cisne blanco (Odette) y al
negro (Odile), en esta versión el mismo bailarín interpreta al cisne blanco y
al joven von Rothbart, vestido de cuero negro. El Príncipe observa algo de su
amado Cisne en el chico, y se ve tan atraído por su bravuconería y su
magnetismo animal como lo repulsa su lujuria. Durante unos números de bailes
con rozamiento y una secuencia de bailes nacionales, se hace evidente que la
Reina se ve poderosamente atraída por el hijo de von Rothbart. Su padre, el
Secretario Privado, lo observa todo con una satisfacción triunfante. Pero el
Príncipe, en un pas de deux también intenta acercarse al joven von Rothbart,
sólo para ser despreciado. El Príncipe se refugia en su propia mente y se
imagina una danza íntima con él, pero la confusión del Príncipe disturba la
fantasía; y los movimientos del hijo cambian rápidamente de eróticos a
violentos. El Príncipe se imagina al resto de los invitados al baile riéndose y
burlándose de él. La Reina y el joven von Rothbart se abrazan y comienzan a
besarse, demostrando que ella lo acepta como amante. Sobrecogido por sus
sentimientos encontrados, el Príncipe saca una pistola y amenaza con disparar a
su madre. En la consiguiente algarada la Novia intenta disuadir al Príncipe,
mientras que el Secretario Privado saca su propia pistola y apunta al Príncipe.
Suenan disparos, la Novia y el Príncipe caen al suelo, pero sólo la Novia ha
resultado herida. Yace inconsciente en el suelo, y se llevan al Príncipe a
rastras; mientras la Reina se arroja en brazos del joven von Rothbart. Le
entrega la pistola que ha cogido del Príncipe a su padre, mientras ambos ríen.
Acto IV
En el último acto de El lago de los cisnes de Matthew Bourne se
considera que el Príncipe ha perdido el juicio y es confinado en un asilo, en
una habitación con una ventana alta y barrotes. Allí es tratado por un doctor y
un equipo de enfermeras que llevan máscaras que recuerdan a la cara de la
Reina, en una escena similar a aquella en la que la Reina lo viste al principio
de la obra. De nuevo, la Reina es incapaz de demostrar amor por su hijo.
El Príncipe se arrastra hacia la cama y parece dormir. Sin embargo,
comienza a retorcerse mientras sueña con un grupo de cisnes que emergen desde
debajo y detrás de su cama, danzando amenazadoramente a su alrededor. Sus
movimientos espasmódicos y su expresión torturada transmiten la lucha del Príncipe
para soportar la realidad y la fantasía. El Cisne líder emerge entonces desde
dentro de la cama del Príncipe; y no queda claro si esto está pasando en
realidad o es simplemente otra de sus visiones. El Cisne baila con el Príncipe,
antes de que el resto de los cisnes entren a escena y se enfrenten al Cisne
líder cuando éste deja claro que valora su relación con el Príncipe más que la
compañía de sus congéneres. Separan a los dos y comienzan a atacar al Príncipe
antes de que el Cisne salte para salvarlo. Los cisnes entonces comienzan a
atacar a su antiguo líder. El Príncipe, a pesar de sus esfuerzos, es demasiado
débil para salvar a su amigo. Desolado, el Príncipe llora y se derrumba en la
cama. Después la Reinaencuentra el
cuerpo muerto de su hijo y rompe a llorar. Sin embargo, es en la muerte donde
el Príncipe y el Cisne pueden estar juntos; vemos una escena sobre la acción
principal que muestra al Cisne abrazando al joven Príncipe del Acto Primero.
Esperando la Carroza, se estrena
originalmente como obra teatral en Montevideo en 1962. En 1972 se la puede ver
en formato televisivo, dentro del ciclo Alta Comedia de canal 9 de Buenos
Aires. En 1975 de la mano de Villanueva Cosse se estrena en el “Teatro del
Centro” de la ciudad de Buenos Aires y de la mano de Rubens Correa se vuelve a
representar en 1979.Más tarde en 1985 llega
a la pantalla gigante, con dirección de Alejandro Doria, donde a pedido del
director, el autor, amplificó el personaje de Mama Cora, que en la pieza teatral
era mucho menor.
Compartimos aquí, esta versión
cinematográfica, de excelente factura, que nos permitirá entender los conceptos
de dramaturgia que trabajamos a diario en el taller, y adentrarnos en la
composición de personajes, ya que estos además de estar encarnados, tanto en los
roles principales como en los secundarios, por actores de primer nivel con
amplia trayectoria en la profesión, abarcan todo el espectro de la sociedad
actual y revelan, en tono cómico, los defectos de cada uno.
La casa donde transcurren las
escenas principales se encuentra en la calle Echenagucía 1232, CABA, fue
declarada Patrimonio Cultural de la Ciudad, desde 2011.Sus dueñas, participaron como extras, junto a
otros vecinos del barrio, en las escenas correspondientes al velorio.
A pesar de la malas críticas que
recibió en cada estreno, supo encontrar un lugar en el corazón de todos los
habitantes, a ambas orillas del Río de la Plata.
Su autor Jacobo Langsner, nacido originalmente
en Rumania en 1927 y radicado en Montevideo desde sus tres, tuvo una amplia
participación en el quehacer teatral uruguayo, siendo esta su primer obra estrenada
por la Comedia Nacional.Se muda a la
capital argentina en 1958, aunque vive siete años en Madrid entre 1975 y 1982. Hacedor de un refinado y agudo “grotesco
criollo” supo decir en una entrevista que “El
punto esencial de lo que escribo se apoya en la hipocresía de la clase media a
la que pertenezco».Hecho que se manifiesta
claramente en cada uno de los personajes de esta historia y en cada réplica que
estos dicen, que se han convertido en intertexto del lenguaje habitual de la
población.
Alejandro Doria, el director
de esta pelicula, nació en Martinez, provincia de Buenos Aires, el
1 de noviembre de 1936 y falleció el 17 de junio de 2009.Fue actor, director de teatro, cine y
televisión.Obtuvo varios premios a lo
largo de su carrera, entre ellos el Goya y Colón de Plata, por “Las Manos”, Condor de Plata, por “Darse Cuenta” (guion de Jacobo
Langsner), Premio Ecuménico, por “La Isla”.Y varios premios Konex, (dos de platino).
Estrenada el 15
de octubre de 2004 en el Teatro Sarmiento perteneciente al Complejo Teatral
Buenos Aires, en el marco del proyecto Biodrama, esta obra de Javier Daulte
constituye a mi entender junto con ¿Estás ahí? – otra obra del autor estrenada
en febrero de ese mismo año - un punto de inflexión en la pluma y en la tarea
de dirección de este artista, cuyos textos alcanzan un refinamiento tal que le
permiten ir y venir del teatro independiente o alternativo al teatro comercial
manteniendo la poética que lo caracteriza y el interés para ambos públicos.
El proyecto
Biodrama, es una idea de Vivi Tellas, consistente en la dramatización de un
fragmento de la biografía de una persona viva, que se llevó adelante durante su
gestión al frente del Teatro Sarmiento (2001-2009), para lo cual convocó a
varios directores/dramaturgos para que bajo determinados postulados, generaran
puestas que serían representadas por períodos de tres meses en dicho lugar.
Paralelamente
por afuera del proyecto ella logró realizar en teatros alternativos, primero en
nuestra ciudad y después por el mundo – de hecho renuncia a la dirección del
teatro Sarmiento para vivir una temporada en Estados Unidos convocada por la
Universidad de Nueva York – varias puestas
siguiendo la misma modalidad, creando así un nuevo estilo teatral.
Nunca Estuviste
Tan Adorable, después de cumplir sus tres meses en cartel, volvió al mismo
teatro en marzo de 2005 invitada para una nueva temporada, y en el segundo
semestre se mudó al Teatro de la Rivera – otro teatro del mismo complejo –
situado en la Boca. En enero de 2006
inicia su cuarta temporada esta vez en el circuito comercial – Teatro Broadway
2, en la calle Corrientes – continuando con su éxito de público. Algo parecido a lo que también le sucediera a
¿Estas ahí?
Como muchas de
sus obras, Nunca Estuviste Tan Adorable, también fue llevada al cine. Compartimos hoy la realización bajo la
dirección de la actriz y cineasta Mausi Martínez cuya vista respeta muchas de
las premisas teatrales y del elenco original solo fueron reemplazados Luciano
Càceres por Gonzalo Valenzuela y Carlos Portaluppi por Luis Luque.
Si no pueden visualizar el video por que el propietario desactivo la reproducción en otros sitios web, pueden verla en su canal de Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=i78A3Noh3XI
Cuenta el autor
que cuando le ofrecieron el encargo, tenía pendiente la reposición de un espectáculo
suyo en Barcelona y luego el estreno de ¿Estás ahí? en Buenos Aires, por lo que
no tuvo tiempo de ocuparse del tema hasta terminar primero estas
obligaciones. Tuvo unas entrevistas con
Kive Staif, el director del Complejo Teatral Buenos Aires para hablar sobre algunas
ideas que tenía y contrató de palabra a los actores con los que quería trabajar,
los que estuvieron dispuestos para hacerlo durante un lapso más amplio del que
cubría la contratación. Un tiempo atrás había
descubierto viendo un espectáculo de Marilú Marini, que su abuela materna era
un “personaje muy teatrable” y había llegado con esta oportunidad el momento de
plasmarlo. Su biodrama trataría sobre la
vida de su abuela. Avanzado el proyecto
recibe un llamado de Tellas, de donde surge que el personaje debía estar vivo,
lo que ya no ocurría con su abuela. Es
interesante el cambio de foco que hace – sobre la marcha – para que la historia
gire finalmente sobre su madre, quien si lo estaba y cumplir con los postulados
del proyecto.
Fuente
Javier Daulte – Teatro Tomo 2 – Buenos Aires – Corregidor
20014
Peter Brook, nacio el 21 de
marzo de 1925 en Londres, hijo de judíos emigrados rusos. Rápidamente se inclinó por el teatro y a los
veinte años ya dirigía su primera obra.
Su libro “El Espacio Vacío”,
reflexiona sobre el teatro del siglo XX, conceptos que continúan vigentes aún en estos tiempos. Mientras que en el libro “Provocaciones”,
escrito diecinueve años después, hace un repaso sobre su experiencia
profesional, contando en detalle su gira por el Africa.
Fue director del Royal Opera
House, durante la década de los cuarenta y realizo grandes giras por europa y
USA durante los cincuenta. En los
sesenta se une a la Royal Shakespeare Company, para la que dirige entre otras,
una recordadas puestas de “Rey Lear”, “Timón de Atenas” y “Tito Andrònico” o “Marat
Sade” de Peter Weiss. En los setenta se
muda a Paris, para abrir un centro de experimentación teatral con el objeto de
redescubrir al teatro, buscando derribar los estereotipos para abordar formas
de expresión en donde el comportamiento del actor resulte impredecible. Formo un grupo de actores provenientes de
distintas culturas y países del mundo, realizo una gira de meses por Africa y
Asia, llegando a lugares en donde nunca habían experimentado el teatro tal como
lo conocemos en occidente.
Sus otros libros, “La Puerta
Abierta” y “Más allá del Espacio Vacío” resumen conferencias dadas y talleres
que ha dictado desde hace más de cuarenta años, y constituyen una herramienta
de consulta para los teatristas de hoy.
“Friends” Es una
serie norteamericana, protagonizada por Jennifer Aniston, Lisa Kudrow, Courteney
Cox, Matthew Perry, Matt Le Blanc y David Schwimmer, con formato sitcom, cuya
programación original se inició en 1994 y finalizó con mucho éxito diez
temporadas después en 2004.
Sus temas atraviesan, el anhelo de tener y mantener una pareja,
los fracasos del matrimonio, la sexualidad, la amistad entre el hombre y la
mujer, la mater-paternidad, la identidad, los problemas familiares, la
vocación, el éxito laboral, los celos, el temor a los cambios, al crecimiento y
fundamentalmente el valor de la amistad.
Los protagonistas son tres hombres y tres mujeres dejando
atrás los veintiúltimos para entrar en los jóvenes treinta años, viven en Nueva
York y constituyen un grupo de amigos.
A lo largo de las trasmisiones - 24 episodios por temporada, excepto
en la final que fue de 18 -, se transformó en un gran
suceso tanto en su país como en el mundo y sus capítulos, luego de terminada la
serie, nunca dejaron de reproducirse.Puede decirse que es la serie canónica de fin de siglo XX.
Muchos actores de primer nivel, realizaron pequeñas
participaciones, Julia Roberts, Jean Claude Van Damme, Charlie Sheen, Kathleen
Turner, Brad Pitt, Susan Sarandon, Dany de Vito, Bruce Willis, Brooke Shields,
Reese Whitherspoon (“Legalmente Rubia”) y Christina Applegate (“Married… with Children”), Helen Hunt, David Arquette,
Sean Penn, Alec Baldwin, Dermot Mulroney y Anna Faris ("Mom").
En tanto que en los papeles secundarios y recurrentes, han aparecido Tom
Selleck, Eliot Gould, Paul Rudd, entre otros.
El formato sitcom, (su nombre es una abreviatura inglesa
de “comedias de situación”) amalgama, – generalmente en tono de comedia, aunque
no se priva de incluir situaciones de profunda dramaticidad – por lo menos dos historias:
la principal o historia A y la secundaria llamada B.La duración, de 22 minutos, transcurre en muy
pocos escenarios y entre un reducido elenco.Aunque a veces hay capítulos dobles, la problemática del día se resuelve
con la finalización del capítulo.
Particularmente en esta serie, la historia A se anticipa
en alguno de los dos lugares “comunes” de la serie, la cafetería Central Perk o
el living de Mónica, aunque en dicha escena no siempre están presentes los seis
personajes protagónicos.Luego vienen
los títulos.A continuación se
desarrollan alternadamente las historias y entre los créditos del final, se
produce un epílogo con un remate, gracioso, de la historia B.
Se lo puede ver on line en la red o para quienes usan el canal Netflix, buscarlo ahí.
Interesante para ver, disfrutar y analizar.
ALGUNAS CURIOSIDADES
Para ocupar los seis personajes principales el Director
de Casting seleccionó 1000 actores que luego redujo a 75.
El primer actor contratado fue David Schwimmer, que ya
había trabajado con los creadores de la serie: Marta Kauffman y David Crane , y habían escrito el personaje de
Ross Geller para él. Los productores
querían que Courteney Cox interpretara a Rachel, pero ella se inclinó por Mónica
Geller, la hermana de Ross.Matt Le
Blanc le dio un giro diferente al personaje de Joey Tribianni, su devolución fue
más interesante que la pensada por los autores, lo que obligó a reprogramarlo “más
lento”.Aniston, Kudrow y Perry fueron
seleccionados por sus pruebas.
La grabación de cada capítulo demandaba seis horas, el
doble de lo que usualmente lleva. Motivaba la demora, la reescritura de los
guiones a partir de las devoluciones de los actores.
En la primera temporada, los personajes se adaptaron a la
poética de cada actor, para los creadores Joey se reveló como un nuevo ser.
En estos días TVE (RTVE) el canal de Televisión Español, pondrá al aire la decimosexta temporada de CUENTAME COMO PASO. La serie cuenta la historia de España, desde los últimos años del Franquismo (1968) hasta la transición a la monarquía parlamentaria actual, a través de la vida de un grupo de familias, principalmente la familia Alcántara. Protagonizada por Imanol Arias y Ana Duato,
Utilizando como recurso la narración en off llevada adelante por el menor de los hijos, Carlitos, se desarrollan las situaciones, tipos y actitudes de la época, con los que el público que ha vivido esos tiempos puede fácilmente empatizar. Compone además una evocación nostálgica de esos momentos, - quizás guardando similitudes con la serie The Wonder Years, que lo hacía con la historia estadounidense - combinando macro y microhistorias que refuerzan la identificación con los personajes, fórmula que la ha convertido en un éxito sin discusión, permitiendo su permanencia en el aire, y la reproducción de su formato en Italia, Portugal y Ecuador.
Se pueden ver los capítulos completos desde la página oficial
En estos tiempos en donde la televisión nos trae largas series donde las epidemias convierten en monstruos a los humanos, nos invaden alienígenas o solo suceden catástrofes o hay que pasarse al lado oscuro para poder sobrevivir dignamente, CUENTAME COMO PASO se convierte en un reflejo de la historia que se repite día a día en nuestras vidas y rescata los mejores sentimientos y valores que poseemos. Una joya imperdible que justifica sus quince años en el aire.
En el año 2007 Andrea Garrote, protagonizó y escribió una sitcom para el Canal de la Ciudad.
La temporada se vio interrumpida y la serie lamentablemente discontinuada luego del cambio de autoridades en la institución, pero han quedado siete capítulos que vale la pena ver y reflexionar sobre esta manera inteligente de hacer humor no muy usual en nuestra televisión comercial.
Para los que no la conocen, Andrea, es actriz, directora, dramaturga y docente de teatro. Fundó, junto a Rafael Spregelburd, (hay un post en este blog, de un video de él, el 25 de octubre de 2013, referido a una charla TEDxBUENOSAIRES), "El Patrón Vázquez" uno de los grupos de teatro
más prolíficos y longevos de la escena argentina actual. Como actriz, ha
participado en una veintena de obras teatrales, en varios cortometrajes, dos
films y tres programas televisivos. Su obra dramática mereció diversos premios y
ha sido representada en varias partes del mundo.
Antes de listarles los videos, transcribo una nota de Pagina 12, escrita por Moira Soto, a propósito del lanzamiento de la serie.
La espía que volvió sin haberse ido
La tercera guerra mundial socavó los sueños imperialistas de rusos y yanquis. La Argentina permaneció neutral y supo sacar provecho de la situación”, dice una entonada voz en falsete de locutora de una variante de Sucesos Argentinos, cuyo logo muestra a un trabajador en lo alto de una torre, antes de que se sucedan escenas documentales bélicas de altri tempi. “Por suerte tanto hombres como mujeres se alistaron con orgullo en la primera escuela de espías peronistas...” Con el mismo registro, la voz anuncia la serie Mi señora es una espía, “hoy recuperada en technicolor”. Y ahí nomás comienza un capítulo de esta deleitosa producción de la señal de cable Ciudad Abierta, creada y protagonizada por la actriz, dramaturga y puestista Andrea Garrote, y dirigida por la cineasta Daniela Goggi (cuyo film Vísperas se estrenó recientemente). Curiosamente, Mi señora... es una suerte de desprendimiento de la brillante pieza teatral que Garrote presentó el año pasado, Siempre tenemos retorno, sátira sutil a la televisión pública en tres movimientos, uno de los cuales se titulaba igual que la serie, y estaba actuado, entre otros/as, por Pablo Gelós y Guillermo Jacubowicz, que quedaron en la serie.
En su perfecta casita retro de los ‘50 rosa y lila, Graciela Sedán oficia de hacendosa ama de casa, atiende a su marido Oscar y sobreprotege a su hijo Hernán, entre la niñez y la adolescencia. Pero Graciela es una de esas espías de doble vida que anunciaba el prólogo, y cuando su gente se va, pone en el combinado el vinilo –con Hugo del Carril en su baqueteada carátula– que le acaba de traer el cartero. Desgraciadamente, el mensaje secreto sobre la Bienal de Arte Popular se corta porque el disco está rayado. Para colmo, el enemigo que acecha cuando la espía recibe el cuadro que deberá custodiar se presenta –no sin antes pegarse un bigotito– como el service de la tostadora Yelmo. Por suerte, Graciela es una señora de múltiples recursos y detecta, veloz como el rayo, que el hombre no es trigo limpio puesto que no conoce al dedillo las efemérides peronistas. El desconfiado marido está llegando y a su mujer no le queda otro remedio que encerrar al intruso. “No te saludo porque tengo el esmalte fresco”, le dice ella tan campante a Oscar, cuyas sospechas se confirman cuando entreabre el placard. El hombre se controla y enseguida descubre el cuadro erótico que Graciela camufló con dibujos infantiles (“voy a hacer bricolage”, le había dicho ella a su encantadora vecina) y manda al niño Hernán que le pinte encima a un marinero (“¿cómo le puede interesar esa temática?”, se pregunta intrigado el chico). Al final, faltaba más, todo se aclara y Oscar recupera la fe en su señora, pero sigue sin saber que ella es una espía. Al cuadro le ponen la firma del famoso artista brasileño que había hecho el original y la crítica se deshace en elogios. “Cómo rinde la ingenuidad”, sonríe canchera Graciela al final de este primer capítulo.
Es tan logrado el nivel de afinación y de terminación de esta comedia de situaciones (que obviamente homenajea –pero no imita– a series como Superagente 86, El Show de Donna Reed, Hechizada) que cuesta creer que sus principales responsables acaban de desembarcar en la televisión. O acaso sea ése el secreto de su encanto y atractivo, como ocurrió en el caso del programa infantil Reinas Magas: que personas talentosas y preparadas, sin los tics y presunciones característicos de la TV local, se pongan a hacer cosas.
“Pensar que pudiera haber habido un tiempo en que acá pudimos hacer Maxwell Smart con el peronismo, fue el punto de partida, que ya estaba en mi obra teatral... –dice Andrea Garrote–. Tenía sentido trabajar con la mitología peronista, un campo tan fértil, un juego permanente para la imaginación. Y estaba claro que había que trabajar desde el humor blanco, sin dejar de poner reflexiones. Los personajes están en el terreno de la comedia, en otra realidad. Entonces, al no trabajar con la Historia, sorteamos los bretes emocionales. Se trata de una serie recuperada de una Argentina que no fue. La ucronía es un subgénero de la ciencia ficción que va hacia el pasado, no hacia el futuro; el pasado cambió en un momento, los ’60 fueron distintos. Ese es el dispositivo.”
El tono de comedia inocente no impide que se hable de expropiaciones para hacer justicia, o que –como ocurrió en la segunda entrega– al compañero Juan Carlos Lemas se le ocurra una ley “para hacer llegar de una vez y para siempre los beneficios de un único gobierno a todo el país”, permitiendo que cada integrante del partido pueda presentarse a elecciones y así sumar votos, ganar y terminar con las internas partidarias. “Este capítulo me dio un poco de escalofrío: estamos haciendo algo contra la Ley de lemas, manifestando que va a quedar un solo partido gracias a la genial idea de Juan Carlos Lemas, en un canal del Gobierno de la Ciudad. Sin embargo, no hubo críticas, a la gente le encanta, lo toma bien, con mucho humor”, comenta Andrea Garrote.
Aunque el presupuesto es acotado, todos los que participan en la realización de Mi señora es una espía se han encariñado con el proyecto, lo toman como algo personal, asegura la guionista y protagonista. En el estudio, los técnicos hablan con modismos y tonos de la serie, a todos les resuena mucho. Entre los más entusiastas figura el director de cámaras, Víctor Selandari, un histórico que estuvo en el equipo de Rolando Rivas taxista. Los próximos episodios de Mi señora... serán: La Pocha, acerca de una hermana de Perón que traen del campo, y que Graciela debe educar para que reemplace un poco al General, que hace mucho que no aparece en la plaza, y La bomba atómica, desde luego con la aparición de un científico alemán (que interpretará Arturo Goetz). La bomba con aspecto de garrafa estará en manos de Graciela, cuyas aventuras, promete su creadora, “se tornarán cada vez más disparatadas”.
