Informamos que desde el día 1
y hasta el 13 de marzo, únicamente bajo la modalidad ON LINE, se podrán
registrar las inscripciones para los talleres culturales barriales que se
dictarán durante el presente ciclo lectivo.Quienes no este conectados a la red se podrán acercar de lunes a
viernes, de 18 a 21 hs al Centro Cultural Julio Cortázar ubicado en O´higgins
3050 en el barrio de Nuñez de la Ciudad de Buenos Aires desde donde se les
ayudará para que puedan hacerlo.
Seguimos manteniendo los dos
talleres, el de IMPROVISACION, los días martes y el de ESCENAS DE TEXTO los
días miércoles, ambos en el mismo horario, de 19 a 21 hs.
Recomendaciones para la
inscripción:
Este año nuevamente, hay cupo
restringido en ambos talleres, y quienes no figuren inscriptos dentro del cupo
regular deberán aguardar a que se convoquen a los que se encuentren en la lista
de espera, siempre que ocurra la vacante.Como aparentemente no habrá posibilidades de inscripción posterior a la
fecha de cierre, se les recomienda que ante la duda, se inscriban.
El inicio de Clases se
realizará a partir de la finalización de las inscripciones, de manera que
entonces estaríamos empezando el martes 17 y miércoles 18 de marzo, dependiendo
del taller en que se hayan anotado.
A quienes se vayan
inscribiendo, sobre todo en el taller de Escenas de Texto, les agradecería que
me envíen un mail a
Corria el año 1884 y habían
pasado trece años desde el final de la guerra franco-prusiana, cuando la
municipalidad de Calais retomó un proyecto postergado: la creación de un
monumento en homenaje a los seis ciudadanos que ofrecieron sus vidas, para terminar
con el sitio de la ciudad en 1347, apenas diez años de iniciada la Guerra de
los Cien Años.
Varios meses más tarde, Auguste Rodin fue el artista que recibió
y aceptó el encargo.Después de definir
la maqueta final, desarrolló las figuras por separado, para lo que llevó a cabo
incontables bocetos probando distintas alturas y escalas, como también
distintas posturas que plasmaran un estado emocional que transmitiera
desesperación, angustia y dolor.
Maestro del concepto acerca de
que la escultura debe imitar a la vida a través de la amplificación y exageración
del todo, sorprendió primero plantando la escultura al ras del piso y después,
logrando plasmar en los individuos que la componen, el desconsuelo y la
desolación, a través de manos crispadas, gritos contenidos, caras estremecidas
y cuerpos extremadamente flacos.
La escultura estuvo lista en
1888, y a pesar de que el escultor ya gozaba de una buena fama, la obra fue
inaugurada recién en 1895.No era lo que
los Concejales esperaban para exaltar el espíritu patriótico: Los héroes
presentaban sus características más humanas ante el sacrificio que ¿estaban?
dispuestos a cumplir.
Durante toda su carrera,
Rodin, fue siempre un artista muy discutido.Considerado hoy, el padre de la escultura moderna, sus trabajos se
rebelaron desde un principio contra los cánones de belleza que el arte en la
cultura occidental – hasta ese momento - solo debía considerar.Y a su regreso de Italia, en 1877, comienza a
manifestarse en sus trabajos, la importancia del gesto, algo que también
constituye su firma.
La guerra de los cien años
Eduardo III de Inglaterra,
inicia un reclamo sobre el trono vacante en Francia a raíz de la extinción de
la Dinastía Capeto.Los franceses,
encontraban – además de no querer depender de Inglaterra – que la casa Valois
adquiría mayores derechos, a dicho reclamo.La Ley Sálica – por la que el
acceso al trono se transmite únicamente a los hijos varones, salteando a las
mujeres – que mantenía plena vigencia entre los franceses, justificaba los
derechos de Felipe VI por encima de los de Eduardo, que los reclamaba a través
de su madre.No obstante los reyes de
Inglaterra por casi nueve generaciones descendieron de Normandos y Aquitanos y
habían mantenido el imperio angevino durante los siglos XII y XIII, y ahora no
estaban dispuestos a ceder otra vez, pagando honores a un rey “usurpador”.
Imperio Argevino.
Los terrirorios franceses tributaban impuestos al Rey de Francia,
no obstante pertenecían al Rey de Inglaterra
Asi durante 116 años – más de tres
generaciones – se extendió la reyerta, que tuvo como protagonista en un
segmento a Juana de Arco.También
sucedió dentro de este período la denominada peste negra, que produjo la merma
de un tercio de la población de Europa.
La guerra finaliza después de
que la suerte fuera alternando hacia uno y otro bando, los ingleses pierden el
apoyo de Borgoña y Carlos VII recoge el fruto de sus reformas militares,
echando a los últimos ingleses de Normandía y Aquitania, más preocupados por la
tensión entre la Casa de Lancastery la
de York, que en breve iniciaría la Guerra de las Dos Rosas.
Sitio de Calais
A pesar de su triunfo en la
batalla de Crécy, en 1346, con la que Plantagenet recuperó Normandía, el ejército
inglés tenía dificultades tanto para su abastecimiento como para renovar
refuerzos sin la ayuda de Flandes.Esto
hacía que la plaza de Calais, resultara estratégica para sus intereses.
Calais tenía puerto, estaba
ubicada sobre el canal de La Mancha, justamente en el tramo donde se minimiza
la distancia entre la isla y el continente, sus construcciones eran sólidas con
no más de cien años de vida, altamente fortificada, rodeada de una zona
pantanosa, lo que la hacía muy defendible y al mismo tiempo muy difícil de
abordarla.
Luego de varios intentos de
los ingleses por tomar la ciudad – no lo lograron ni con cañones y catapultas y
tampoco pudieron asaltar los muros con las escaleras largas – y varios intentos
franceses por echar a los ingleses, la situación se encontraba estancada.Gracias a marinos genoveses aliados a Francia
la ciudad todavía conseguía abastecerse.Fue entonces que, promediando el invierno, en febrero de 1347, Eduardo optó
por dejar morir hambre a la población en caso de que no se rindieran.Así para el mes de agosto, las reservas de
agua y comida eran exiguas.En
septiembre un cargamento de víveres fue interceptado por los ingleses y la ciudad
tomo la decisión de permitir que ancianos y niños salieran de ella hacia el
interior del país donde reubicándose encontrarían alimento y un mejor pasar, y
de esa manera racionalizar mejor los recursos para los adultos que debían
permanecer en ella para defenderla.Pero
la crueldad del Rey Inglés, hizo que no les permitieran el paso, pereciendo unos
quinientas personas a las puertas de la ciudad.
Con la retirada de las tropas
de Felipe altamente mermadas, el Alcalde de la Ciudad ofreció la capitulación a
condición de respetar la libertad de la población.Eduardo estalló de indignación frente a la
propuesta, considerando lo que le había costado en hombres, tiempo y dinero y
la imposibilidad de recursos del oponente.Su propio Consejo de Guerra le hizo notar que la posibilidad de
conseguir ya el objetivo militar, valía la gracia, ya que de todas maneras solo
se trataba de vasallos de un rey, que había cumplido con su deber.
La contrapropuesta de Eduardo
fue que perdonaría a toda la población si seis ciudadanos ilustres, en nombre
de todos, portando las llaves de la ciudad se rindieran ante él, descalzos, vestidos con
un camisóny una soga amarrada a sus
cuellos.
Y siguiendo las Crónicas de Jean Froissart (1337-1405) – que recoge
Wikipedia -
“El alcalde de Calais hizo
sonar las campanas y reunió a los habitantes en la plaza para comunicar las
condiciones del rey inglés. La población recibió la orden con un gemido y los
concurrentes rompieron en llanto. Al poco tiempo, sin embargo, uno de los
hombres más ricos de la ciudad, Eustache
de Saint-Pierre, se levantó y dijo:
-Monsieur,
sería una gran desgracia permitir que esta gente muera de hambre si podemos
encontrar una alternativa. Estoy convencido de que cumpliría la voluntad de mi
Dios si me ofreciera por estas personas y me entregara así como el primero en
salir descalzo y con la cabeza descubierta, vestido en camisa y con una soga
alrededor de mi cuello y me entregara a la voluntad del rey inglés.
Finalmente otros cinco de los ciudadanos prominentes le hicieron
compañía: Jacques y Pierre de Wissant, Jean de Vienne, Andrieu d'Andres y Jean
d'Aire. Se vistieron según los deseos del rey y fueron escoltados por la ciudad
hasta sus puertas, donde se despidieron de la multitud afligida de hombres,
mujeres y niños. Se abrieron las puertas y el alcalde salió con sus seisciudadanos y cerró la puerta nuevamente. De
ahí acompañó al grupo hasta el campamento inglés y los dejó.
Los ingleses llevaron a los hombres frente a la tienda del rey Eduardo,
donde cayeron de rodillas y le entregaron las llaves de la ciudad. El rey los
miró con inquina y en silencio por un largo rato antes de dar la orden de que
los colgaran. Uno de los caballeros que se encontraba cerca tomó entonces la
palabra:
-Mi buen
rey, os suplico contenga vuestra ira. Vuestra reputación habla de un corazón
noble. No permita que un suceso como éste la avergüence o permita que nadie
pueda hablar mal de vos. Todo el mundo podría decir que vos se porta con
crueldad si condena a muerte a seis hombres nobles quienes, por su propia
voluntad, se ofrecieron a vuestra voluntad para salvar a sus ciudadanos.
La ira del rey aumentó cuando sus propios caballeros le señalaron el
heroísmo de los burgueses y con un gesto hizo salir al caballero. Entonces su
esposa, Felipa de Henao, se le acercó llorando y suplicó:
-Mi buen
señor, desde que crucé el mar con gran peligro para encontrarme con vos, nunca
os he pedido un favor. Ahora os pido, como la más humilde de las ofrendas, por
el Hijo y la Santa Madre y por vuestro amor a mí, respete la vida de estos seis
hombres.
El rey la miró en silencio por un corto tiempo y dijo:
-Oh, Lady,
deseo que estuvieras en algún otro lugar que no éste. Me has suplicado de tal
forma que no puedo negarme: Os los entrego, haz con ellos lo que quieras.
Felipa les retiró enseguida las sogas y los llevó a sus aposentos,
donde les ofreció ropajes y una cena. Luego los proveyó de dinero y los condujo
en secreto. Pronto se encontraron en diferentes ciudades de Picardía.
Los habitantes de Calais se dirigieron luego a territorio francés, los
más ricos tras pagar un rescate.
Desde septiembre de 1347, Calais
se mantuvo bajo el control inglés hasta 1558, de esa manera tuvieron ellos y
sus aliados una importante base para atacar Francia en distintas
oportunidades.La Guerra de los Cien
años finalizó en 1453.
Hace algunos años atrás, en la época analógica, cuando se tenía entre
manos un proyecto teatral, se organizaba días antes del estreno y luego durante
la temporada, la campaña para atraer público al teatro.En las producciones en cooperativas, o bien
alguien se tomaba el trabajo o se hacía responsable de guiarla y controlarla, y entre varios la llevaban a cabo.En esa época el plan consistía, en el armado
de una gacetilla que se distribuía personalmente a los diarios, revistas,
radios y cuando en el elenco había alguien conocido, a los programas de
televisión, a veces los canales locales o los de cable podían hacerse eco, y
quizás se conseguía una entrevista o un reportaje.Lo cierto es que no bastaba llevarlos a una
institución sino que había que contactarse con las producciones de cada
programa.Una tarea ardua, para
conseguir ser nombrados al aire, o publicados en algún recuadro en la sección
espectáculos.
La gacetilla, consistía en una hoja que de la manera más eficientemente
resumida – todo debía entrar en una sola hoja y el texto no debía estar
apelmazado para favorecer la lectura – contenía los siguientes elementos:
Título y breve reseña del evento.Particularidades.Participantes.Destinatarios. Lugar y dirección, día y hora
del evento, frecuencia y horizonte de vigencia.Se acompañaba de material fotográfico.Y algunas veces con fotocopias de alguna buena crítica.Todo en un sobre, personalizado, que quizás
tuviera algún detalle que llamara la atención como para ganarle a la
competencia.
Ya estrenada la obra, se insistía con las gacetillas, habiendo
monitoreado cuales todavía no nos hubieran nombrado.En el interín se conseguían nuevas
direcciones adonde llevarlas y se mandaban a imprimir volantes que se
entregaban horas antes de la función o se repartían en los negocios del barrio
o se pedía permiso para colgarlos en los locales. También se hacían etiquetas
que se pegaban en la vía pública o en los transportes públicos, aunque esos
eran recursos vinculados más al rocko a
las revistas de culto, al igual que las pintadas callejeras.
Durante los noventa, se puso de moda tener un agente de prensa, que ya
tenía “los contactos para entregar las gacetillas” y por ende conocía las
direcciones de adonde había que llevarlas.Pero esta función era remunerada y no entraba en las cooperativas.Si bien el plan ahora podía ser más ambicioso
– cuando se lo contrataba se exigían cumplir con determinados ítems, por
ejemplo conseguir dos entrevistas radiales con sorteo de entradas y un
reportaje gráfico.O salir nombrado
entre los recomendados de una revista, etc.Tenía sus pros y sus contras.A
veces conseguía lo planteado pero en revistas o programas de escasa difusión o
que eran para un público que no elegiría el producto que se ofrecía.Por otro lado el agente recomendando tu
producto se jugaba su marca de representación y si no le gustaba tu obra,
muchas veces en lugar de renunciar, no hacia su trabajo de la manera más
efectiva.Otro problema era si tenía en
sus manos un producto en competencia con el que ahora se ofrecía, seguramente
“el contacto” no le daría dos espacios, o dos “favores” y tenía que elegir por cual
cliente lo solicitaría.
El boca a boca siempre fue importante y si en la era analógica se hacía
como fuera, por teléfono o personalmente, hoy tenemos la posibilidad de hacer
uso de todas las herramientas digitales.Empecemos a deshilvanar el hilo.
Lo primero a pensar es que queremos transmitir en cada momento –
satisfaciendo cuál objetivo- de qué forma, y a cuál público va a ir dirigido.Quizás sea bueno saber también con cuánto
dinero contamos para producir los contenidos. Es probable que en el marco de sincerar nuestros
recursos se nos ocurra la posibilidad de realizar alianzas con terceros para
concretar los objetivos.Con esto
arrancamos el rompecabezas para armar el plan.
Hoy en día, la carpeta de presentación se transformó en la página web y
la gacetilla de prensa en el plan para redes sociales que incluyen a los flyers
que ahora también son virtuales.
Arranquemos con algunas preguntas sobre la obra que vamos a representar y
que queremos publicitar:
¿Hay un diseño de arte confirmado para la obra?¿Una paleta de colores determinada?
¿Hay diseño de tipografía decidida, etc? ¿Hay que hacerlo ya, antes de
empezar?
Si ya hay, convendría que lo que se haga ahora, presente la identidad
elegida. Si no, habrá que evaluar qué es lo más conveniente.
¿Cuáles son los objetivos a perseguir, con la campaña que iniciaremos?
¿en qué plazos los queremos conseguir y cómo vamos a monitorear su cumplimiento?
Por ejemplo:
Desarrollar un canal de
comunicación con el público potencial, a través de Instagram,obteniendo 100 seguidores durante el primer
mes, 500 seguidores al finalizar el segundo mes y 2000 seguidores al finalizar
el tercer mes.
¿Qué pasa si no se logra lo buscado? ¿Hay plan b?
¿Cómo y cuándo se va a tener presencia en los medios?
Establecer un calendario y determinar las herramientas.
Por ejemplo:
Se mostraran ensayos, la evolución
de los diseños de vestuario y/o escenografía, pruebas de vestuario, etc.Se harán trailers, teasers, un reel,
reportajes, presentaciones individuales, flyers, posteos de noticias, posteos
de notas de prensa, etc.
Miremos algunos consejos sobre el reel:
Qué es un teaser
¿Qué redes sociales se usarán y cómo?
¿Cómo se articulará con la página del grupo o de la obra? ¿Qué continuidad
se dará luego del estreno? ¿Y cuando baje la primera temporada?
¿Se hará publicidad por afuera de nuestro sistemade medios? (Paga o gratuita)
¿Cómo será la presencia en Alternativa Teatral?
Alternativa Teatral es la página que convoca en Argentina y otros países
a toda la actividad teatral.No estar en
Alternativa Teatral es como no haber hecho la obra.
Se gestionará un mail específico para este evento para desde ahí gestionar
los accesos a las redes sociales, las reservas de entradas, las preguntas
frecuentes y alguna campaña de mails personalizados, por ejemplo invitando a la
Crítica a ver nuestro espectáculo?
Es importante que el Plan de
Difusión o Promoción que se plasme, sea coherente con el Plan del Proyecto del
Evento, guardando una relación con la calidad del producto y con los tiempos
planteados.
Y también,
que el Plan quede redactado y compartido entre los participantes,
que la Estrategia sea clara y todas las actividades detalladas,
acompañadas de su cronología
que haya un responsable por cada actividad que se plantee,
que se lleve una bitácora de lo que se va haciendo, a medida que se
plasma – siempre nos encontramos con detalles impensados originalmente y que
hay que definir sobre la marcha, ejemplo de ellos son mail de registro, nombre
de usuario, permisos, etc. – para luego compartirlo con el equipo.
Al final se puede conformar un manual para nuevos casos y también para la
continuación del proyecto.
REPASANDO
Para establecer el Plan de Difusión y Promoción de la Obra,
necesitaremos:
1. Establecer las características que le dan identidad al proyecto.
2. Definir cuáles son los objetivos a alcanzar, en qué plazo o plazos y
cómo se monitorea dicho cumplimiento.(Los objetivos deben ser concretos y viables.)
3. Visualizar: Fortalezas, Debilidades, Oportunidades y Amenazas del
proyecto y de los objetivos.Redefinirlos si fuera necesario.
4. Definir al público objetivo.Edad, Preferencias, Nivel Sociocultural, Zona Geográficas, etc.
5. Sincerar los recursos con los que se cuenta para abordar el plan.Proponer alianzas.
6. Determinar las redes sociales en que se tendrá presencia
7. Establecer cada uno de los pasos para cumplir los objetivos planteados
en el punto dos.
8. Detallar las necesidades para cada uno de los pasos establecidos en en el punto siete.
9. Medir los resultados alcanzados.
10. Realizar las correcciones que sean necesarias.
Quienes deseen profundizar, encontrarán en la nube, varios indicadores con
un grado de detalle para entendidos en los manejos de redes, que harán más
competitiva la tarea.Obviamente esto
requeriría dedicarle una cantidad de tiempo y de otros recursos que quizás nos
excendan.
Finalmente dos conceptos básicos:
Difusión
Acción de Difundir: Hacer que un hecho, una noticia, una lengua, un
conjunto de conocimientos, etc., llegue aconocimiento
de muchas personas.
Promoción
Campaña publicitaria que se hace de un determinado producto o servicio
durante un tiempo limitado mediante una oferta atractiva.
El origami o papiroflexia – su
correspondencia en idioma español – es un milenario arte de origen chino, que
se remonta a la época de la invención del papel de arroz, y que consiste en lograr representaciones del
mundo que nos rodea en figuras de papel, logradas a través del simple plegado de dicho material, sin el uso de pegamentos ni tijeras.
A pesar de ser de origen
chino, la palabra Origami proviene del japonés, y significa papel doblado.Japón adoptó (y luego perfeccionó la técnica),
unos quinientos o seiscientos años después de su invención por los chinos.
Si bien como dijimos es un
arte milenario, es a partir de los últimos doscientos años, con la aparición de
los primeros libros sobre el tema, que comenzó su difusión a nivel mundial y cuyo auge proliferó en los últimos cincuenta años.
El plegado de papel exige para
los que lo practican, un cierto grado de concentración, paciencia, ejercicio de
la memoria y favorece el desarrollo de la motricidad fina.Permite una vez terminado el trabajo la
contemplación de una bella obra de arte, o el de un conjunto de ellas. Todo
esto puede potenciarse con la elección de los distintos tipos de papel, sus
colores, dibujos o estampados.
Por estas razones además de un
lindo pasatiempo se lo considera una importante terapia a cualquier edad y una
herramienta pedagógica principalmente para los primeros años de la vida de las personas.
De quienes además trabajan en
la creación de los pasos para lograr las figuras, se considera que poseen un alto
grado de conocimientos matemáticos para el manejo de los planos, o que su
intuición alcanza también un alto grado de abstracción que les permite el éxito en el
resultado.
Los invitamos a entrenarnos
con las figuras del Cisne, el Flamenco y el Pato.
Haciendo un Cisne
Empecemos por el más simple. (duración 2.44 minutos)
y despues tomemos un poco más de riesgo (duracion 12.08 minutos)
Probemos con los Patos
(duración; el primero 2.50 minutos y el segundo 4.20 minutos)
Y ahora con los Flamencos
(duración 6.11 minutos)
Apoyado en una sola pata (duración 10.26 minutos)
y ahora con las alas abiertas (duración 10.36 minutos)
En unartículo anteriorhablamos sobre la importancia de este ballet en el mundo de la
danza y el orgullo que implica ser elegido para bailar esta obra. También que
fue la primera y a la vez la más importante composición de Tchaicovski. Sabemos que desde 1940 las coreografías van
mutando a pesar de que la mayoría de las puestas realiza variaciones tomando
como referencia la hecha por Marius Petipa y Lev Ivanov para su relanzamiento
en San Petersburgo en 1895.
Desde sus inicios, su guion
sufrió alteraciones, principalmente simplificando personajes o sus nombres,
generalmente en aquellos roles secundarios, respetándose a los
protagonistas.Y que a la hora del
final, cada coreógrafo repositor elegía sorprender al público con su
“caprichosa” elección, a veces los protagonistas se salvaban, otras sucumbían
trágicamente.Pero es a partir de 1976
que se comienza a versionar en forma libre el guión, aunque respetando cierta
raíz que hace que la obra no pierda su esencia.
Con el nombre de “Las Ilusiones
como Lago de los Cisnes” John Neumeier creó para el Ballet de Hamburgo una obra
basada en la vida de Luis II de Baviera (25 de agosto de 1845 – 13 de junio de
1886), que al fallecer el padre, Maximiliano II de Baviera, hereda el dicho reino,
y entre sus obligaciones como rey, se ve forzado a contraer un matrimonio el que
rechaza.Así comienza el malestar entre
Luis II y la nobleza que lo circunda, que hace lo posible por derrocarlo.Finalmente muere en una situación extraña,
ahogado junto a su médico, en el lago próximo a uno de los tantos castillos que
mandó construir y en el que estaba recluído en calidad de enfermo psiquiátrico.En algún momento se lo llamó el Rey Cisne
porque se decía que en su persona había regresado el Caballero de Lohengrin, un
Caballero de una leyenda medieval, perteneciente a la orden del Santo Grial,
que portaba un casco que remataba con una pequeña escultura de un cisne.Luis II tenía fascinación por los cisnes.
Otra versión importante es la
que hoy presentamos aquí.
Matthew Bourne estrena en el
Teatro de Sadler´s Wells de Londres en 1995, la primera versión en la que los
cisnes son interpretados por hombres y las coreografías suman influencias de la
danza contemporánea. La obra se interpreta desde hace casi veinticinco años con
un éxito completo de público, habiendo dado la vuelta al mundo, obteniendo más
de treinta importantes premios, siendo visitante de los más prestigiosos
teatros de Europa, Los Angeles, Japón y Australia. Por supuesto también cuenta con grandes
detractores que lo critican por no mantener los estándares a los que están
acostumbrados.
Tomado como eje la historia de
Ondina, una de los mitos en donde se supone que abreva la historia original de
El Lago de los Cisnes – y que Andersen transforma en “La Sirenita” – Bourne
reinterpreta el mito.
Según Alastair Macaulay (gran
critico de danza, trabajó para The Times Literary Supplement y The Financial
Times, como también para el The New York Times), “El foco del ballet se traslada desde el personaje de Ondina hacia
el hombre - el Príncipe. Es el Príncipe el que lucha contra la represión y
anhela la libertad, y quien necesita amor para sentirse seguro”. Además, no es
el mortal quien es infiel con la ninfa. Más bien es el Cisne quien en el Acto
Segundo expresa amor hacia el Príncipe, traicionándolo con el joven von
Rothbart en el Acto Tercero y finalmente volviendo a él en el Acto Cuarto. Sin
embargo, como en el mito de Ondina, el pecado de traición sólo puede expiarse
con la muerte.
Compartimos el video, duración 120 minutos: .
Acto I
En el prólogo el Príncipe, de niño, es despertado por la pesadilla de
un cisne. Su madre entra a reconfortarlo, pero al ponerse nerviosa por la
intimidad de la situación se marcha, mirando por encima de su hombro con
indecisión.
La primera escena comienza con un ejército de ayudas de cámara y
mayordomos ayudando al Príncipe a prepararse para un día de deberes oficiales.
En la segunda escena, pertrechado con su uniforme de gala, El Príncipe
se aburre con el bautizo de un barco, el corte de una cinta y otras tareas
simbólicas. Su madre lo azuza para que mantenga las apariencias, aunque le
presta más atención a los soldados jóvenes y guapos que a él. Hay una transición durante esta escena, que
nos lleva del niño actor que interpreta al joven Príncipe hasta el bailarín
adulto que, con idéntica indumentaria, interpreta al Príncipe ya crecido. A
este Príncipe ya adulto le presentan una chica desgarbada llamada "la
Novia". A pesar de que es von Rothbart, su Secretario Privado, quien
aparentemente fuerza el encuentro, el Príncipe disfruta de la novedad como una
alternativa a su vida llena de obligaciones. La Reina encuentra a la Novia
inapropiada.
En la tercera escena la Reina, uno de los soldados y admirador suyo, el
Secretario Privado, el Príncipe y la Novia aparecen juntos en el palco de un
teatro, desde donde asisten a un ballet que es representado tanto para el
público real como para los personajes. Es una parodia dulzona y camp de un
ballet romántico, en el que una princesa encantada combate a tres goblins y
conquista el amor de un leñador tirolés. Los decorados espectaculares (basados
en los diseños del Castillo de Falkenstein – el cuarto castillo que Luis II no
llegó a reconstruir – de Christian Jank), el vestuario vacuamente ornamentado,
y las actuaciones melodramáticas son una burla dirigida a los ballets
románticos de los que El lago de los cisnes original era un buen ejemplo. La
Novia molesta a la Reina y a von Rothbart, con sus reacciones exageradas a la
danza, incluso dejando caer su bolso desde el palco real.
La cuarta escena nos muestra al Príncipe enfadado, bebiendo delante de
un espejo en sus aposentos, lo que sorprende a su madre. A continuación se
produce un pas de deux casi violento en el que él suplica su atención y su
amor, mientras que ella lo rechaza con determinación.
Este rechazo lleva al Príncipe a las calles y al Bar Swank; una
discoteca al estilo de los 70s, en las escenas quinta y sexta. A partir de este
punto la coreografía se desvía más notablemente del ballet clásico, dominando
los estilos de danza moderna y jazz. El Príncipe busca el amor entre extraños,
que lo rechazan.
En la séptima escena sorprende a von Rothbart, el Secretario Privado,
pagando a la Novia para que desaparezca. Mientras está sentado en la calle al
final de la escena, el Príncipe se imagina a un grupo de cisnes volando hacia
él, pero la visión se desvanece rápidamente. Es el primer indicio del descenso
del Príncipe hacia la locura.
Acto II
Deprimido con la idea de que nunca encontrará el amor, el Príncipe piensa
en el suicidio, pero es salvado por la visión de unos hermosos cisnes en el
lago de un parque público. Este acto es la adaptación más directa del argumento
original de El lago de los cisnes, pero al mismo tiempo contiene los elementos
más polémicos del ballet, debido a los cambios estílisticos y de reparto. Los
bailarines muestran a los cisnes como animales arrogantes y agresivos en lugar
de los cisnes delicados y sentimentales tradicionalmente interpretados por
bailarinas. Se descartan las diademas y los tutús blancos tradicionales;
reemplazados por torsos desnudos, pantalones hasta la rodilla y emplumados, y
maquillaje facial negro y agresivo. Rechazado al principio por el Cisne líder,
al final el Príncipe es aceptado en un abrazo amoroso. Éste siempre ha sido el
deseo del Príncipe, y el acto termina con una felicidad triunfante. Entonces
los cisnes se alejan volando. No queda completamente claro si el Príncipe realmente
ha tenido trato con los cisnes o si éstos son sólo producto de su imaginación.
Acto III
La primera escena comienza con la llegada de las princesas de varias
naciones Europeas y sus escoltas a las puertas de palacio para un gran baile.
La Novia se cuela entre ellos.
La segunda escena tiene lugar en un salón de baile proto-fascista,
donde gigantescos candeleros sostenidos por puños recuerdan a aquellos de La
bella y la bestia de Jean Cocteau. Comienza con la llegada de la Reina y el
Príncipe, pero degenera rápidamente en una bacanal de bebida y provocaciones
lascivas. En ese momento es cuando llega el hijo de von Rothbart, carismático y
sexualmente agresivo, vestido con pantalones de cuero negro: que intensifica
incluso más la tensión sexual al flirtear con toda mujer presente, incluida la
Reina.
Al igual que en El lago de los cisnes original, donde normalmente
(aunque no siempre) la misma bailarina interpreta al cisne blanco (Odette) y al
negro (Odile), en esta versión el mismo bailarín interpreta al cisne blanco y
al joven von Rothbart, vestido de cuero negro. El Príncipe observa algo de su
amado Cisne en el chico, y se ve tan atraído por su bravuconería y su
magnetismo animal como lo repulsa su lujuria. Durante unos números de bailes
con rozamiento y una secuencia de bailes nacionales, se hace evidente que la
Reina se ve poderosamente atraída por el hijo de von Rothbart. Su padre, el
Secretario Privado, lo observa todo con una satisfacción triunfante. Pero el
Príncipe, en un pas de deux también intenta acercarse al joven von Rothbart,
sólo para ser despreciado. El Príncipe se refugia en su propia mente y se
imagina una danza íntima con él, pero la confusión del Príncipe disturba la
fantasía; y los movimientos del hijo cambian rápidamente de eróticos a
violentos. El Príncipe se imagina al resto de los invitados al baile riéndose y
burlándose de él. La Reina y el joven von Rothbart se abrazan y comienzan a
besarse, demostrando que ella lo acepta como amante. Sobrecogido por sus
sentimientos encontrados, el Príncipe saca una pistola y amenaza con disparar a
su madre. En la consiguiente algarada la Novia intenta disuadir al Príncipe,
mientras que el Secretario Privado saca su propia pistola y apunta al Príncipe.
Suenan disparos, la Novia y el Príncipe caen al suelo, pero sólo la Novia ha
resultado herida. Yace inconsciente en el suelo, y se llevan al Príncipe a
rastras; mientras la Reina se arroja en brazos del joven von Rothbart. Le
entrega la pistola que ha cogido del Príncipe a su padre, mientras ambos ríen.
Acto IV
En el último acto de El lago de los cisnes de Matthew Bourne se
considera que el Príncipe ha perdido el juicio y es confinado en un asilo, en
una habitación con una ventana alta y barrotes. Allí es tratado por un doctor y
un equipo de enfermeras que llevan máscaras que recuerdan a la cara de la
Reina, en una escena similar a aquella en la que la Reina lo viste al principio
de la obra. De nuevo, la Reina es incapaz de demostrar amor por su hijo.
El Príncipe se arrastra hacia la cama y parece dormir. Sin embargo,
comienza a retorcerse mientras sueña con un grupo de cisnes que emergen desde
debajo y detrás de su cama, danzando amenazadoramente a su alrededor. Sus
movimientos espasmódicos y su expresión torturada transmiten la lucha del Príncipe
para soportar la realidad y la fantasía. El Cisne líder emerge entonces desde
dentro de la cama del Príncipe; y no queda claro si esto está pasando en
realidad o es simplemente otra de sus visiones. El Cisne baila con el Príncipe,
antes de que el resto de los cisnes entren a escena y se enfrenten al Cisne
líder cuando éste deja claro que valora su relación con el Príncipe más que la
compañía de sus congéneres. Separan a los dos y comienzan a atacar al Príncipe
antes de que el Cisne salte para salvarlo. Los cisnes entonces comienzan a
atacar a su antiguo líder. El Príncipe, a pesar de sus esfuerzos, es demasiado
débil para salvar a su amigo. Desolado, el Príncipe llora y se derrumba en la
cama. Después la Reinaencuentra el
cuerpo muerto de su hijo y rompe a llorar. Sin embargo, es en la muerte donde
el Príncipe y el Cisne pueden estar juntos; vemos una escena sobre la acción
principal que muestra al Cisne abrazando al joven Príncipe del Acto Primero.
Estamos organizando para el Lunes 27 a las 23 hs y el Miercoles 29 a las 21 hs, de enero de 2020 nuestras primeras salidas del año al Teatro, esta vez en el marco del FIBA, ambos espectáculos son de entrada libre y gratuita, para conseguir la ubicación leer al final del artículo.
La primera propuesta es ir el Lunes
27, a las 23 hs a la Carpa del FIBA 2020,
instalada en la plaza de la República Federativa de Brasil frente Facultad de Derecho de la UBA, ubicada en Av Figueroa Alcorta
2200 casi Pueyrredón, para ver una instalación de la coreógrafa suiza Julie Beauvais
y Horace Lundd artista visual de origen francés :
ORLANDO
Julie Beauvais
Basada en la novela de Virginia Woolf del mismo nombre —que habla de
temas como la disidencia sexual, la androginia y la obsolescencia del paradigma
binario de género—, ORLANDO es una experiencia que combina ópera, movimiento
consciente, video, instalación, arquitectura y música en vivo. Su directora,
Julie Beauvais, coreografió una serie de movimientos meditativos en personas a
las que llamó “los precursores”.
Horace Lundd
Estos “Orlandos” de la actualidad repitieron
el ejercicio en Berlín, Kinshasa (República Democrática del Congo), Marfa (Texas,
USA), Londres, Varanasi (India), Belo Horizonte, Lisboa, Chandolin (Suiza) y la
Patagonia, entre otros lugares. Horace Lundd, la otra directora, los filmó a
todos en un vasto escenario al aire libre, y los arquitectos del equipo crearon
una estructura para proyectar estos videos simultáneamente, uno al lado del
otro, todos unidos por la línea del horizonte de cada paisaje. El resultado de
ese trabajo es una ópera itinerante que viaja ligera por el mundo, porque
construye su estructura en cada lugar que se presenta con materiales locales, y
su partitura, compuesta por Christophe Fellay, es interpretada por músicos de
cada lugar.
La Segunda Propuesta (se puede ir a las dos)
es para el Miércoles 29, a las 21 hs al Anfiteatro del Parque Centenario,
ubicado en Leopoldo Marechal 832, para ver la obra de Jérôme Bel
GALA
Gala pone de relieve las expectativas de la audiencia, y sugiere que el
teatro es comunidad, tanto arriba como abajo del escenario. Es un tour de
force, extremadamente entretenido y verdaderamente radical. Reúne a bailarines profesionales y amateurs
de diversas procedencias. Los diferentes actos nunca nos llaman a juzgar, sino
que revelan la forma en que el repertorio cultural de cada persona la coloca en
una relación singular con ese deseo de otra cosa, de perfección,
transfiguración y divergencias políticas que es la danza.
Su creador, Jérôme Bel, trabaja con lo que el teatro puede llegar a ser
en sentido político. Al ofrecer el escenario a intérpretes no tradicionales,
muestra una preferencia por una comunidad de diferencias y aplica debidamente
métodos de un proceso de emancipación a través del arte.
Jerome Bel
IMPORTANTE sobre la RESERVA DE ENTRADA
Gratis, con reserva online
Para todas las funciones y
actividades de FIBA
Podés reservar tu entrada desde el 21 de enero en
buenosaires.gob.ar/festivales
Se podrá reservar 1 (una) entrada por persona por función.
Las entradas reservadas se
podrán retirar desde 2 (dos) horas antes del comienzo del espectáculo en el
Puesto de Informes de cada sede.
Tendrán validez hasta 30
(treinta) minutos antes del comienzo del espectáculo, y luego se liberarán
para el público general.
Transformado, desde el año
pasado, en un festival de verano y de frecuencia anual, arranca este 23 de
enero y hasta el 1ro de febrero, la decimotercera edición del Festival
Internacional de Buenos Aires (FIBA) 2020.Un festival de teatro que desde hace poco también convoca a la música,
la danza, y a expresiones de artes visuales que entrecruzan, experimentan
yrenuevan la materia teatral.
Con cientos de espectáculos, a
precios irrisorios o gratuitos, abordando una amplísima variedad de estilos y
temas se podrá disfrutar en salas teatrales, pero también en espacios no
convencionales, las calles y plazas de la ciudad.Es, por su despliegue, desde sus inicios en
1997, uno de los más importantes de la región.
Los ejes temáticos de este año
serán cuatro: “género y diversidad”, “medioambiente”, “integración” y
“tecnología”.
Dice Federico Irazábal,
director del Festival: Diseñar un festival
de artes escénicas en una de las capitales mundiales del teatro siempre es un
desafío por demás atractivo, porque supone ofrecer algún punto de “novedad” –si
es que eso fuera posible–, así como generar una energía que, de forma eventual
y concentrada en el tiempo, dialogue con ese universo cotidiano en el que
nuestros artistas producen y nuestros espectadores observan, siempre atentos,
siempre curiosos.
El FIBA goza ahora de otra renovación. Si en la edición pasada el
verano se convirtió en su nuevo marco, este año se ofrece como la primera
edición de un festival de verano y anualizado, lo que supone un desafío aún
mayor para todos los que lo hacemos y para los que lo consumen. Pero a su vez,
y por eso mismo, se convierte en el marco ideal para instalarse como un evento
que anualmente convoque a los porteños y a las porteñas –y a todo aquel que
ocasionalmente se encuentre en Buenos Aires– a recorrer una ciudad inventada
por el talento de nuestros artistas que, a través de performances y recorridos
urbanos de diversa índole, invitan a su público formal, pero también al
ocasional, a encontrarse con una de las expresiones más fundamentales de
nuestra cultura: el teatro y la danza.
Los barrios de Buenos Aires reciben a nuestros creadores para
ficcionalizarse con nuevas tramas que, junto con las cotidianas, nos permitan
pensarnos desde lugares diferentes. Este año el FIBA refuerza sus reflexiones
sobre género, siempre de la mano de artistas e intelectuales locales y
extranjeros que vienen pensando la cuestión, y suma esta vez nuevas facetas:
las de pensar teatro y medioambiente, teatro y accesibilidad, teatro y
tecnología, que vienen a sumarse a formatos más tradicionales y, en algunos
casos, casi ancestrales. Este 13° FIBA continúa con la dinámica de salirse del
escenario, sin olvidarse de él, para pensar las múltiples y diversas formas en
las que lo escénico puede asomar ante los ojos de espectadores avezados y
entrenados pero sin olvidar a aquel que, sin serlo todavía por no tenerlo en
sus expectativas de consumo cultural, pueda llegar a convertirse en tal.
El 23 desde las 22 hs, habrá una Gran Fiesta en el Casco
Histórico.Adolfo Alsina, entre Defensa
y Bolivar.Las calles que rodean El
Museo de la Ciudad serán el escenario para la presentación de distintos eventos
performáticos, que integran la música, la danza y el arte visual al teatro.
Aymará Abramovich dirige a los animadores, habrá musicalización de Carla Crespo
y se presentara Regia Federala y Los Amados.
Los espacios que participan
son la Farmacia La Estrella, La Librería de Avila, La Terraza del Museo y La
vidriera de Arqueología Urbana (Casa de Encarnación Ezcurra).
Los más chicos, más temprano,
entre las 18 ylas 22 hs, podrán
participar de “Enigma en el Museo”, una aventura donde personajes que cobran
vida deberán escapar del guardia del lugar.Esta actividad, cuenta con interprete de Lengua de Señas Argentina,
respondiendo a uno de los ejes que propone el festival.En esa misma línea, la mayoría de los
espacios que participan contemplan acceso para usuarios de sillas de ruedas,
asi como también aro magnético para hipoacúsicos.
En tanto que para el cierre,
el primero de febrero, se despedirá con una maratón de sesenta y cinco
espectáculos en salas o espacios no convencionales con entrada gratuita y otra
cantidad de performances, shows, recitales, proyecciones y talleres en la
calle.Habrá que consultar la grilla
para no perdérselos.
Presencias internacionales que se destacan
Trasnoches de “Orlando”
Del sábado 25 al miércoles 29
se podrá presenciar en atípicos horarios, a las 23.00 hs, repite a la 01.00 en
la avenida Figueroa Alcorta al 2000, en la plaza República Federativa de
Brasil, al lado de la Facultad de Derecho.Con ingreso libre y gratuito.
Basado en el clásico de
Virginia Woolf – donde se narra la vida a lo largo de cuatro siglos de un
aristócrata inglés que tras un profundo sueño despierta transformado en una
mujer – Orlando es reinterpretado de una forma novedosa, en una instalación
performática que combina danza, video, arquitectura y música en vivo, que
permite reflexionar sobre una humanidad que debería eliminar para siempre sus
"estereotipos, prejuicios y estigmatizaciones".La propuesta pertenece a la coreógrafa suiza Julie Beauvais y el fotógrafo francés Horace Lundd.
“Gala”
Del miércoles 29 al viernes
31, a las 21 hs en el Anfiteatro del Parque Centenario. Se presenta gratis con
entrada libre.El jueves 30 se realiza
al finalizar la función, una charla entre la compañía y el público presente.
Gala pone de relieve las
expectativas de la audiencia, y sugiere que el teatro es comunidad, tanto
arriba como abajo del escenario. Es un tour de force, extremadamente
entretenido y verdaderamente radical.Reúne
a bailarines profesionales y amateurs de diversas procedencias. Los diferentes
actos nunca nos llaman a juzgar, sino que revelan la forma en que el repertorio
cultural de cada persona la coloca en una relación singular con ese deseo de
otra cosa, de perfección, transfiguración y divergencias políticas que es la
danza.
Su creador, Jérôme Bel, trabaja con lo que el
teatro puede llegar a ser en sentido político. Al ofrecer el escenario a
intérpretes no tradicionales, muestra una preferencia por una comunidad de
diferencias y aplica debidamente métodos de un proceso de emancipación a través
del arte.Duracion 90 minutos.
“La Gioia”
Miércoles 29 y jueves 30, a
las 20 hs en el Teatro Coliseo.El
jueves, la finalizar la función,se
realiza una charla entre al compañía y el público asistente.
Emilia Romagna Teatro
Fondazione - Pippo Delbono Company.
Un nuevo viaje hacia la Gloria
(Gioia), que Pippo Delbono realiza
con su extraordinario grupo de actores-performers.Un espectáculo a través de los sentimientos
más extremos: la angustia, el dolor, la felicidad y el entusiasmo. Una síntesis
de sus experiencias con el Odin Teatret, Pina Bausch y las disciplinas
orientales. Sin embargo, su verdadera naturaleza tiene como origen evitar
reglas y métodos a fin de inculcar un nuevo nivel de honestidad: el del
sentimiento.Entonces sonidos, imágenes,
movimiento, y danzas se fusionan con la magia del circo, con los colores de los
payasos y la melancolía del tango en un molinete caleidoscópico de máscaras,
historias íntimas y estados del alma.
Este espectáculo es parte del
ciclo ITALIA XXI, producido por Teatro Coliseo e Istituto Italiano di Cultura,
con el apoyo institucional del Ministerio de Bienes Culturales y Turismo de
Italia (MiBACT), la Embajada de Italia y Vivere All’Italiana; auspiciado por La
Caja y con el apoyo adicional de Pan American Energy.Duración 80 minutos
Y entre las nacionales,
podemos encontrar a “La Vis
Cómica” de Mauricio Kartun; “La Reina de la Belleza” de Oscar Barney Finn; “La persona
deprimida” y “Los Arrepentidos” de Daniel Veronese; “Mar distante” de Gabriela
Izcovich; “Petroleo” de Piel de Lava; “Ma Ma La Lá” de Teresa Duggan; “Contra
Todo” de Mariela Ascencio, “Notas para la montaña” de Gustavo Lesgart y Quio
Binetti, “Otra Línea” de Iván Haidar; “La Savia” de Ignacio Sanchez Mestre;
“Los Obvios (una obra ya hecha)” de Marisa Villar,; “¿Qué es la improvisación
teatral? Una experiencia singular” de Andrés Chan; “Cuerpo salvaje, mitos y
leyendas del Abya Yala” de Alberto Ivern y Cristian Pinedo y “Cabrona Variete”
de Mosquito Sancineto.Muchos de estos
espectáculos se dan gratis en la MARATON del ABASTO, pero hay que reservar
entrada.
Otras Actividades
El festival se completa con Encuentros,
Mesas, Charlas, Conferencias, Talleres, Laboratorios, se mostrarán Trabajos en
Proceso (Work in Progress), Clases Magistrales, Presentaciones de Libros, Lecturas,
donde se tratarán temas que abarcan el uso de la tecnología, el desarrollo de
públicos, la industria, requisitos migratorios para hacer giras por USA, genero
e inclusión, teatro breve, organización de la producción y financiación, abordaje
de primeras obras. Etc.
Tambien habrá obras netamente de
danza – ya que se absorbe el festival Ciudanza – y en cuanto a las presentaciones
musicales, este año su presencia será aún más profunda ya que tendrán lugar el Ciclo
de Música Contemporánea del Teatro San Martín, la Dirección General de
Enseñanza Artística (DGEART) presentará por su parte Three Studies for Two
Voices + MixLab, obras ganadoras del Mega Jury, el concurso internacional
impulsado por la Diplomatura en Música Contemporánea y el Profesorado en
Composición con Medios Mixtos de los Conservatorios Manuel de Falla y Astor
Piazzolla.
La Fernandez Fierro - 12 musicos y una cantora - puro tango
En cuanto a las artes
visuales, habrá diferentes tipos de proyectos entre los que se destacan la
exposición fotográfica Camarines, la exhibición de materiales dramatúrgicos
intervenidos por sus intérpretes creada por la Dirección General de Enseñanza
Artística (DGEART) y el estreno en español de la obra performática Onda l
vuelo, que incluye teatro, artes visuales y música, de Sophie Tirouflet con
grabados de Marc Jurt. Tambien durante
cinco días se expondrán en las vidrieras de la DGEART copias de las anotaciones
en libretos aportados por distintos actores argentinos y cuadernos y notas de
directores para sus puestas.
También tendrá su sección el Mercado de FIBA, que en la página web
está explicada así: Desde la edición pasada, el FIBA potenció su sección “El Mercado”
convirtiéndola en una de sus principales apuestas para ayudar a posicionar a
los artistas argentinos en el mercado de festivales internacionales. El
Mercado/Fiba es una plataforma de visibilidad que el Festival prepara para los
programadores extranjeros. A través de ella, los programadores pueden diseñar
previamente su recorrido a través de las obras argentinas y latinoamericanas de
la programación. Y una vez aquí en Buenos Aires, participar de showcases,
rondas de negocios, desayunos y encuentros con los productores y artistas
locales.
A través de esta iniciativa, FIBA se propone alentar un sistema de
generación de trabajo futuro en el extranjero por medio de la venta de
proyectos ya estrenados, así como de formatos escénicos que puedan ser
desarrollados en otros territorios a partir de una idea local.
En 2019, el recorrido de los programadores y productores fue un éxito.
Más de 20 obras pudieron formar parte de festivales y carteleras teatrales de
todo el mundo, como Millones de segundos de Diego Casado Rubio, que se presentó
en el International Hispanic Theatre Festival de Estados Unidos; o País
Clandestino de Maelle Poesy, Jorge Eiro, Lucía Miranda, Pedro Granato y
Florencia Lindner, que se presentó en Brasil, Francia, México, Portugal y
Uruguay.
Con “El Mercado” el Festival reafirma su carácter de semillero
argentino para el mercado internacional y se transforma en una gran oportunidad
para los artistas locales de mostrar su obra en el resto del mundo.
Mariano Pensotti y “El Público”
Durante todo el festival pero
en horarios variados, en el TGSM, Sala Leopoldo Lugones y Centro Cultural San
Martin, Salas 1 y 2, el director teatral proveniente de las artes visuales con
amplia trayectoria en Biodramas y manejo de tecnologías, Mariano Pensotti
presenta en coproducción con Metropolitan SURA: “El Publico”
Una película sobre los espectadores de una obra de teatro. Un grupo de
personas asisten a una obra que narra una historia sobre el 2001. Seguimos a
once espectadores durante el día posterior. Nos asomamos a sus vidas, y a
través de sus relatos la obra que vieron se va reconstruyendo. ¿Quiénes son las
personas que van al teatro y cuánto se transforman sus vidas por ese hecho?
¿Qué sucede cuando el público se convierte en protagonista? Una experiencia que
comienza en salas de cine y termina en un teatro. El centro de la ciudad como
set.
Duración: 135’
Luciano Suardi y Mónica Raiola en Los Arrepentidos
ENTRADAS
Información general
Funciones con venta de
entradas
Para los espectáculos
internacionales y nacionales, podés comprar tus entradas desde el 13 de enero,
online a través de esta sección o personalmente:
• Del 13 de enero al 1 de
febrero en: Teatro San Martín. Av. Corrientes 1530, de 12 a 21 h
• Del 23 de enero al 1 de
febrero en: Centro Cultural 25 de Mayo. Av. Triunvirato 4444, de 12 a 21 h
Valor de las entradas:Obras nacionales: $150 / Obras internacionales:
$300
Gratis, con reserva online
Para todas las funciones y
actividades de FIBA
Podés reservar tu entrada
desde el 21 de enero en buenosaires.gob.ar/festivales
Se podrá reservar 1 (una)
entrada por persona por función. Las entradas reservadas se podrán retirar
desde 2 (dos) horas antes del comienzo del espectáculo en el Puesto de
Informes de cada sede. Tendrán validez hasta 30 (treinta) minutos antes del
comienzo del espectáculo, y luego se liberarán para el público general.
Para todas las funciones y actividades de Maratón Abasto
Podés reservar tu entrada
desde el 30 de enero en buenosaires.gob.ar/festivales Se podrá reservar 1
(una) entrada por persona por función. Las entradas reservadas se podrán
retirar desde 2 (dos) horas antes del comienzo del espectáculo en el Puesto de
Informes de cada sede. Tendrán validez hasta 30 (treinta) minutos antes del
comienzo del espectáculo, y luego se liberarán para el público general.
Fuente
Pagina oficial del Festival Internacional
de Buenos Aires (FIBA)
