El 25 de
noviembre pasado se llevó adelante la fiesta de cierre de talleres anuales del
Centro Cultural Cortázar, En esa
oportunidad el TALLER de ESCENAS DE TEXTO DE AUTOR, ANALISIS Y DRAMATURGIA
presentó una intervención sobre un texto breve de Harold Pinter:
Blanco y Negro.
Duración 7 minutos 30 segundos
En tanto el TALLER
de IMPROVISACION, tuvo su oportunidad para mostrar, el día 30, cuando también hicieron
sus presentaciones los Talleres de COMEDIA MUSICAL y CUENTACUENTOS.
En este caso,
la puesta consistió en el desarrollo de tres situaciones dramáticas, enmarcadas
en el backstage de un desfile de modelos, en plena semana de la moda de la
ciudad.
Duración 19 minutos 23 segundos
Agradecemos a todos los que
nos fotografiaron y filmaron, que permiten que subamos el registro a este Blog.
Nos vemos
pronto, presencialmente hasta el año que viene, pero siempre comunicados por
este BLOG, o el FACEBOOK o el INSTAGRAM.A estar atentos porque seguro habrá actividades durante el verano.
Filmado en la primavera de 2019, el
cortometraje es la respuesta a una necesidad académica para la materia de Dirección
I en la Cátedra de Pires Mateus, que la directora cursaba en ese momento en la
Universidad Nacional de las Artes.El
guión había sido concebido un tiempo antes en otra materia – Guion – y había quedado
en carpeta.El punto de partida fue encontrado
en una página de Facebook (tiene también su réplica en Instagram) que, desde
esa cátedra, les sugirieron seguir: “Mercado Freaks” una reivindicación justiciera de los poetas de
los sitios de subasta, cuyo
objetivo es rescatar aquellos posteos increíbles que hacen las personas:
pequeñas joyas de la literatura de clasificados y a veces también, material humano
para el diván.
Así la vista se estructura alrededor de un
monologo que el personaje principal narra acerca de su problema y rumea, entre
su percepción y la realidad, cómo su entorno opina sobre él.Los involucrados, se revelan en forma episódica,
poniendo en duda o no las afirmaciones del narrador.Pequeños detalles que acompañan la imagen y sutiles
sonidos de fondo, invaden y completan las viñetas obligando al espectador a no correrse
del motivo principal y forjar su propia opinión.
Vecinos verdaderos filmados a regañadientes y
actores conseguidos por alternativa teatral o por contacto directo completan
los personajes que secundan a El Falcón y su desafortunado dueño. La edición
permitió organizar y salir victorioso al proyecto que como siempre son
productos del azar y el desesperado esfuerzo de los creativos para que sin
dinero o con muy poco, el que se cuenta apenas en sus bolsillos, puedan ver la
luz al final del camino.
El uso variado del plano detalle, potenciando
la poética que ofrece la metonimia, en donde se recorta al sujeto, nos envuelve
en la intriga que en un paso de comedia, al mismo tiempo que nos provoca una
sonrisa, nos rompe el corazón.
El video tiene una duración de tres minutos y
ocho segundos.Que los disfruten.
Ficha Técnica
Elenco por orden de aparición
Voz del Hombre del Falcón, Claudio Astorga;
Marta es Mónica Boccia; Hombre del Falcón es Gastón Viltes; el
Zapatero. Roberto Espósito; Lee como Lee;
John es Liatsu; Norma es Florencia Testorelli y Raúl es Guillermo
Barri.
Guion, Dirección, Montaje y Sonido: Candela
Muhape.
Productores, Raúl Anibal Ercole y Reiton
Matica
Agradecimientos: Juan Caravaggio y Gabriel
Bona Metalúrgica
En la actualidad Candela Muhape se dedica a la
animación, la podemos seguir en su cuenta de Instagram
Dior presentó, los últimos
días de septiembre, su colección primavera verano 2023, en el marco de la
semana de la moda de París.
Imagen tomada por Laura Sciacovelli para Dior SS 23 recuperada el 6 de octubre de 2022 del artículo de whitepaperby de la referencia al pie de página
Inspirada en Catalina de
Medici (1519 – 1589), quien fuera reina consorte desde 1533 hasta 1559, para
luego ser Regente de Francia mientras sus hijos los reyes fueron menores de
edad y al concluir la etapa de regencia transformarse en su Consejera. Se estima que sin su presencia los reinados
de sus hijos no hubieran sido posibles, su audacia y severidad, la llevaron a
ser la mujer más poderosa de Europa durante el siglo XVI.
Humanista, al igual que su
suegro y su familia italiana, creía que su autoridad dependía de las letras y
de las armas, cuando alcanzó el poder (a la muerte de su marido) buscó reforzar
el prestigio real a través de una espléndida exhibición cultural, estableciendo
un programa de mecenazgo artístico que duró tres décadas, tiempo durante el
cual la reina ejerció el patronazgo sobre lo más excelso de la cultura del Renacimiento
tardío francés en todas las ramas de las artes, siendo ella personalmente una gran
coleccionista, y aunque gastó enormes sumas de dinero para estos fines su
mecenazgo no dejó legado permanente.Particularmente en el ámbito de la moda fue pionera en el uso de los
zapatos de tacón, el corsé y el encaje de Burano, su luto estricto y la altura
que ganaba gracias a los tacos, potenciaron su presencia inconfundible en los
ámbitos en los que participaba.
Una performance de danza acompañó
a todo el desfile que se desarrolló dentro de una escenografía que simulaba una
cueva barroca, inspirada en la gruta de Buttes Chaumont en París, la Villa
Borromeo Visconti Litta en Lombardía y los frescos de la Palazzina Cinese en
Palermo, realizada completamente en
cartón recortado, estuvo a cargo de la consagrada artista plástica Eva
Jospin.El evento se llevó a cabo en una
carpa instalada en el Jardín de las Tullerías – jardín creado por la misma
reina para el palacio de las Tullerías, palacio hoy inexistente, fue incendiado
y destruido en la revuelta de mayo de 1871 por los miembros de la Comuna de
Paris.
Se muestra una paleta rígida
de colores, algo inesperados para la temporada estival: blanco, dorado, azul
denim y negro (el característico luto de la reina) con apenas unos anaranjados
y rosados y algunos estampados de flores (también en referencia a la decoración
de las paredes de los salones privados de su majestad) se pueden ver, con un juego
interesante de volúmenes, en batas de encaje, corsés, minifaldas en forma
triangular, pantalones cortos de seda y tops deportivos.La colección incluye también chaquetas en
materiales técnicos, petos de trabajo, camisetas de algodón convertidas en
vestidos, pantalones vaqueros anchos combinados con camisas holgadas, capas
abiertas, sacos, faldas plisadas con cuerdas ajustadas a la cintura, mangas
abullonadas y encaje en la pechera.
Así, la directora creativa de
la casa, María Grazia Chiuri, llevó adelante una interpretación actualizada del
Barroco, conservado el corsé, pero dándole una forma casi geométrica que enmarca
el busto, trayendo de regreso a las faldas anchas que lucían las cortesanas de
esos tiempos y destacando las prendas de encaje, las transparencias, el volumen
y los largos.
Dice Eva Ponce García: De
esta manera, la colección tiene detrás un gran significado: la mujer como papel
principal y la naturaleza. Las mujeres tienen el poder de explorar los territorios
mágicos, debido a su gran conexión con la naturaleza y su fuerza vital. El
poder de la moda está directamente relacionado con el poder de las mujeres.
Unos meses antes a finales de
junio se presentó también la colección referente a la moda masculina. Otra puesta en escena impecable, esta vez a
cargo de Kim Jones
Solo pequeños detalles nos
permiten vislumbrar que el desfile se lleva a cabo en una escenografía ubicada
en un espacio cerrado.Inspirada en el
gusto francés del fundador de la marca y en el pintor escosés Duncan Grant –
integrante del movimiento artístico Bloomsbury (s XX) – que casualmente
cumplían años en la misma fecha, la pasarela es un jardín botánico en tonos
pasteles con una casa en cada extremo, la de la infancia soñada de Dior en
Normandía y la de Virginia Wolf en Charleston.
Dice Dana Apigna: La impecable manera de fusionar los
recuerdos del pasado con prendas contemporáneas y estilizadas, convierten a la
colección Dior Men SS 23 en un sueño entre paisajes.El desfile presenta los trajes sastres que
tanto caracterizan el espíritu savoir-faire de Dior, de un lado se ve la casa
rosa de infancia de Dior en Normandía y una combinación excelente entre
texturas, estampados, siluetas y colores que hacen un perfecto juego con el
espacio.
Estas
vacaciones presentamos, otra obra con libro y dirección de Hugo Midón, música
de Carlos Gianni y coreografía de Ricky Pashkus.
Estrenada en
1995 en la sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, EL SALPICON, contó con escenografía de
Héctor Calmet, iluminación de Jorge Pastorino y vestuario de Mónica Toschi.
Con esta obra
Midón inicia un nuevo ciclo creativo, dejando atrás a “Vivitos y Coleando”, una
colección de cinco obras, iniciada con “Narices” en 1984 y finalizada con
“Locos Recuerdos” en 1995, en el medio tres “Vivitos y Coleando”, I, II y III,
y un programa de televisión diario muy diferente a todo lo que se había visto
hasta el momento en nuestro país para la audiencia infantil, cuya segunda
temporada se vio suspendida por problemas de salud de su creador.
Así, con un
plantel de nuevos actores: Irene Almus, Omar Calicchio, Gabi Goldberg y Gustavo
Monje, la estructura de la obra retoma el formato de revista, pero ahora
incluye más de una canción en cada número.El hilo conductor, no lo da una historia sino los personajes, y los
motivos centrales de cada sketch.El
motivo principal lo da el título, un Salpicón de temas, siempre alrededor de
los valores humanos, reforzados por los versos del tema musical principal que
sirve para la apertura y el cierre de la función: La fantasía… se mezcló con la
realidad.
…La fantasía y la realidad son tal para cual, será
por eso que la gente se pregunta últimamente ¿cuál es tal? y ¿cuál es cuál?...
Lo político,
no lo político partidario, nunca está ausente en las creaciones de este poeta.
Los temas
abordados, una versión de pizza con champagne pero para todo público y
especialmente para los chicos, siempre con mucho humor y ritmo, son: los
pajaritos en la cabeza, pero que a veces nos traen el progreso; la falta de solidaridad de la ciudad con el
interior, la vil competencia, la falta de dinero y los vivos que piden una
limosna (o un crédito), el maltrato naturalizado como costumbre de atención al
cliente, los lavados de cabeza, el consumismo invadiendo nuestros sentidos, las
baldes en la cabeza que no nos dejan ver lo importante de la vida, las
relaciones de pareja, las relaciones toxicas y el amor, las relaciones breves de
toda la vida, la apariencia, la moda trash que se adueña de los 90, la
depresión y la fuerza para salir adelante, el trabajo mal pagado, las relaciones exteriores, la educación, la
gratitud por lo aprendido.Algunas de
estas ideas ya estaban presentes en obras anteriores, pero regresan con más
fuerza esta vez.Porque la realidad es ahora reina de la variedad,
un poco asi un poco asa, un poco luz, un poco oscuridad… la vida misma un
verdadero salpicón…
El video que
vamos a mostrar es un testimonio tomado directamente de una las funciones
teatrales, y rescatado del canal de YOUTUBE de Guido Wain. (En el de Hugo Midon - Carlos Gianni, esta incompleto).
Completan el
staff de la obra: Arreglos musicales: Sergio Blostein, Asistente de Dirección:
Andrés Fresno, Coreografa ayudante: Marta Monteagudo, Producción musical y
Edicion de Video: 440 Producciones, Puesta y Operación de Sonido: Carlos Gogni
Estamos organizando para el próximo viernes 01 de julio de 2022
nuestra próxima salida al teatro.Esta
vez, el encuentro será en el
Teatro Gral San Martín
(Complejo Teatral de Buenos Aires)
SALA Martín Coronado
Av Corrientes 1.530 – CABA
(entre Paraná y Montevideo)
Para ver BOQUITAS PINTADAS, el espectáculo creado por Oscar Araiz y
Renata Schussheim sobre la obra de literaria de Manuel Puig, que se vuelve a
presentar en reposición veinticinco años después de su estreno con dirección de
los mismos creadores.
Lo prohibido a través del
ocultamiento y la simulación: un doble juego que delinea la naturaleza de los
personajes. A partir de esta idea se desarrolla el proyecto de llevar Boquitas
pintadas a escena. No hay una lectura descriptiva ni una historia lineal, sino
planos de acción superpuestos en tiempo y espacio. Las palabras de Puig
experimentan una transformación musical con reminiscencia a las viejas
audiciones radiales y a la sonoridad del cine argentino de los 30 y 40, que
producen analogías permanentes entre el texto y la concepción plástica y sonora
del espectáculo.
Espectáculo sugerido para
mayores de 13 años
Ficha Técnica
Creación banda de sonido Edgardo Rudnitzky; Realización banda de sonido
Edgardo Rudnitzky y Gustavo Dvoskin; Masterización del sonido Fabio Silva; Diseño
de iluminación Roberto Traferri; Diseño de escenografía Alberto Negrín; Diseño
de video Matías Otalora; Diseño de vestuario Renata Schussheim; Reposición de
escenografía Noelia Svoboda, Matías Otalora; Coreografía Oscar Araiz; Asistencia
de dirección y reposición Yamil Ostrovsky.
Idea, adaptación y dirección Renata Schussheim, Oscar Araiz
El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín está dirigido por Andrea
Chinetti, con Codirección de Diego Poblete
El espectáculo se presenta de viernes a domingo a las 20.00 hs y tiene
una duración de 95 minutos. Los viernes
es el día popular por lo que los precios se encuentran reducidos a $ 450.-
(incluído el cargo por la gestión de compra electrónica).Las entradas para toda la temporada, que
finaliza el 17 de julio, ya están a disposición por lo que rápidamente vuelan.Nuestro encuentro se planifica para el
VIERNES 01 de
JULIO
ADQUISICION DE ENTRADAS.
Para comprar las entradas en forma virtual, se debe acceder a la página:
elegir el botón que se encuentra arriba a la derecha COMPRAR LOCALIDADES,
se abrirá una nueva ventana en donde se deberá seleccionar el día de la
función, en nuestro caso el 01 de julio.
Una vez que se haya abierto la ventana del día de la función se verá el
plano del teatro, y se podrá seleccionar las ubicaciones deseadas. Cuando ya se
encuentren elegidas las localidades (hay que pinchar cada ubicación elegida) se
debe cliquear el botón de “agregar al carrito”.
A esta altura es necesario tener abierta una cuenta en Tuentrada.com,
que es la que usa el teatro para ofrecer sus entradas. Si hasta este momento no
tenías una abierta, debes ir al botón “registrarse”, cliquear y completar los
datos: Nombre, dirección, casilla de email.
IMPORTANTE los datos de la persona que pague deben coincidir con los
datos de la cuenta.
A continuación se procede a ingresar los datos correspondientes a la
tarjeta.Cuando el pago es aprobado, se
puede continuar dentro de la cuenta para bajar las entradas o fijarse en la
casilla de email, porque se habrá disparado uno con la confirmación de la operación
y los comprobantes.Con el QR de la
entrada, mostrándolo desde el móvil, se ingresa a la sala.
A los que vayan, nos encontramos 19.45 en el lugar.
De Wikipedia:
Boquitas pintadas es una obra
del escritor argentino Manuel Puig, publicada en 1969. Tiene un formato de
folletín en 16 entregas.
La novela cuenta la historia
del donjuán Juan Carlos Etchepare, vinculado, fundamentalmente, con tres
mujeres: Nené, una humilde muchacha que está verdaderamente enamorada de él;
Mabel, una chica con pretensiones de gente bien que es tan infiel como lo es
Juan Carlos; y la viuda Di Carlo, mal vista por los rumores de que no respeta
su viudez. Al mismo tiempo, se entrelazan las historias de la hermana de Juan
Carlos, Celina (una soltera empedernida) y Pancho y la Rabadilla, entre otros.
Cuando Juan Carlos debe internarse en Córdoba porque ha contraído tuberculosis,
comienza una formidable exposición de las relaciones humanas y el valor de los
lazos afectivos contra la impunidad de los vínculos establecidos por el deseo.
Toda la novela está contada a través de diálogos directos, cartas, diarios
íntimos, expedientes y publicaciones, habiendo un mínimo de narración
convencional.
El título de la novela procede
de la letra del foxtrot de Gardel y Le Pera Rubias de New York. Cada entrega
está encabezada por epígrafe -extraído de un tango o de un bolero- que se vincula
con el contenido del capítulo.
Fue llevada al cine por el director argentino Leopoldo Torre Nilsson en
1974.
Uno de los más grandes e
innovadores novelistas argentinos, además de dramaturgo, guionista y traductor,
Manuel Puig nació en 1932 en General Villegas, provincia de Buenos Aires.
Estudió Filosofía y Letras y varios idiomas, y luego viajó a Roma con una beca
para estudiar dirección de cine en el Centro Sperimentale di Cinematografía.
Intentó escribir un guión autobiográfico que acabó siendo su primera novela, La
traición de Rita Hayworth, y fue inmediatamente reconocida en Europa. De toda
su narrativa, esta obra es la que mejor expresa su marca literaria distintiva,
en la que el cine, el folletín y los productos de la cultura de masas se
revelan no sólo en la forma de los deseos y las pasiones de sus personajes,
tomados de la realidad, sino también como fuente de innovación técnica (como el
montaje y el trabajo a la manera del arte pop). Luego de sufrir censuras y
amenazas, en 1974 se exilió en Cuernavaca, México, donde dio forma a una
dramaturgia vanguardista alejada del realismo de su narrativa y que despliega
recursos fantásticos, maravillosos y plenos de artificio. Entre sus obras, se
cuentan las comedias musicales Amor del bueno (1974), Muy señor mío (1975) y Un
espía en mi corazón (1988), y las piezas Bajo un manto de estrellas (1981),
Misterio del ramo de rosas (1987) y Triste golondrina macho (1988). Algunas de
sus novelas fueron llevadas a los escenarios (como Boquitas pintadas, montada
por Renata Schussheim y Oscar Araiz en el Teatro San Martín, 1997) y al cine
(como El beso de la mujer araña, dirigida por Héctor Babenco). Manuel Puig
murió en Cuernavaca, el 22 de julio de 1990, dejando inconclusa su última
novela
Tata Consultancy Services, es una empresa multinacional de capitales
indios, que presta distinto tipo de servicios, y hace un poco más de diez años
abrió una filial en Uruguay, que implicó la mudanza a Montevideo de una gran
cantidad de personal oriundos de la India. Jóvenes y de espíritu aventurero, se
los podía ver por las tardes del fin de semana jugando cricket en Villa Biarritz.No les llevó mucho tiempo hacer amistad con
los hermanos orientales y entusiasmarlos para la realización de un video para mostrarse
en la fiesta de fin de año, y en los canales oficiales de la compañía.El video está grabado en distintos lugares
tradicionales de la ciudad, esos que son casi obligatorios para el visitante, y
están protagonizados por los empleados.Las coreografías, basadas en distintas células de movimiento, incluyen
algunos motivos del folklore indio.Una
buena idea para ganarse un lugar en la corporación, que expresa la felicidad de
trabajar en tan linda ciudad.Un video
con calidad profesional.
A este tipo de videos ya estamos acostumbrados gracias a las fiestas
sociales tradicionales: casamientos y otras fiestas religiosas, las de quince
años, alguna despedida, donde amigos protagonizan canciones con la letras
cambiadas.También abundan las secuencias
de un minuto que nos abordan desde las redes sociales y nos invitan a bailar y
grabar el mismo paso.
Happy.De Pharrell Williams /Happy Montevideo (TCSers)
Hasta acá movimientos simples, seguramente pensados desde lo que al
actor le es cómodo bailar, sin exigirle que se someta a un gesto en
particular. Prolijamente ordenados, la
cámara ayuda a enhebrar las distintas células coreográficas, algo que en el
teatro debiera ser orgánico el paso de una célula a la siguiente.
El Verano Llego
Ahora bien, a principios de los años setenta cuando todavía la video
danza no estaba desarrollada (pero si la filmación de películas musicales)
podemos observar en el siguiente segmento de la película “Los Mochileros”, con
dirección de Emilio Vieyra y protagonizada por Ricardo Bauleo, Víctor Bo, la
cantante venezolana Mirtha Pérez, Susana Giménez y Soledad Silveyra (estas dos
últimas no están presentes en este tramo de la película), como la cámara y el
plano, hacen los movimientos que deberían haber realizado los bailarines, si
hubieran contado con ellos, otorgando a la imagen la acción que la coreografía
estaba pidiendo. Cuando se muestran
acciones realizadas por los actores, las escenas tienen la misma duración de la
célula coreográfica y cuentan con inicio, desarrollo y final.
Llegó el Verano.De Elio Roca / “Los Mochileros” (1970) E.
Vieyra.
Pecadora
Para finalizar este artículo vamos a incorporar a “Pecadora”, el baile carcelario
de “Tacones Lejanos”, la película de Pedro Almodóvar, protagonizada Victoria
Abril, Marisa Paredes y Miguel Bosé.La
coreografía interpretada por Bibiana Fernández – cuyo nombre artístico fue
durante mucho tiempo Bibi Andersen – que con movimientos claros, no por eso
digo que sean fáciles, pero lo parecen, desarrollan una número delicioso.
Llega la edición 2022 del Festival Internacional de Teatro.Durante diez días la Ciudad de Buenos Aires
albergará en por lo menos cuarenta y cinco sedes, entre salas y espacios
culturales, sitios no convencionales y espacios abiertos a más de mil cien
artistas para llevar adelante más de doscientos setenta y cinco eventos entre funciones,
y actividades.
Con propuestas nacionales, estrenadas en años anteriores, otras a estrenar
en el festival, otras que festejan veinte años de éxitos, y elencos internacionales
de Japón, Corea, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Portugal, España, Italia,
Francia, Alemania, Suiza, Chile y Uruguay.
La fiesta de apertura estará a cargo de La Grande, banda dirigida por
Santiago Vázquez, el creador de un lenguaje de señas para la dirección de
bandas de percusión, que contará con intervenciones de actores locales como Sandra
Radano, Mike Amigorena, Muriel Santa Ana, Amal y Carlos Casella.Esto será el Viernes 25 de febrero en las
intersecciones de Florida y Lavalle, desde las 21 horas y hasta la 01 de la mañana.Y se complementa con un corredor sobre la
calle Florida entre Avenida Corrientes y Avenida Córdoba, donde otros artistas ofrecerán
distintas performances y sorpresas escaneando los códigos QR señalados en la
via pública.
En tanto que el cierre, el Domingo 6 de marzo, a las 20.30 hs se llevará
a cabo en el Teatro Coliseo y
estará a cargo del Grupo Krapp, que vuelve a presentar Requiem, un homenaje a
su fundador Luis Biasotto, recientemente fallecido de coronavirus.El espectáculo es una rapsodia de las creaciones
de los últimos veintiún años en los que viene trabajando el grupo.
A los espectáculos en formato tradicional para grandes y chicos, (presenciales
o analógicos, como se los está renombrando) sean obras de texto – desde clásicos
a biodramas - teatro danza, danza, musicales y recitales, se suman, otros con
características inmersivas y/o interactivas como performances con recorridos y
narraciones y otros con formatos híbridos (combinando presencia y tecnología).El segmento totalmente audiovisual, herencia
de la pandemia, mantiene su lugar desde la web de Vivamos Cultura, y se puede
ver desde casa. También habrá actividades complementarias, mesas de debates, presentaciones
de libros, talleres especiales y clases magistrales.
Les dejo el link para que puedan ir investigando la programación y eligiendo
y armando sus agendas de lo que les gustaría ver. La reserva y compra de
entradas, se hace desde el mismo link. Como siempre para los espectáculos
gratuitos la oferta comienza dos días antes de la función a partir de las 14 hs.
La programación también se puede consultar a través de BOTI, el
asistente virtual de la Ciudad por whatsapp al 11-5050-0147
“FIBA es una plataforma
creativa, de exhibición y de circulación que, a partir del cruce entre la
escena y las nuevas tecnologías, imagina el teatro del futuro.”Y se puede disfrutar desde el Viernes 25
de Febrero hasta el Domingo 6 de Marzo.
Fuente
Pagina official de la Ciudad de BuenosAires / FIBA
El año pasado publicamos en
este Blog, una serie de cortometrajes que realizara el autor como campaña para
el día de San Valentín para la cadena de tiendas El Corte Ingles.
Tres temporadas que llevaban
distinto nombre, pero que teniendo como escenario la tienda, el tema siempre
fue el amor. Fueron catorce episodios
de alrededor de cinco minutos cada uno que se grabaron durante los años 2015 a
2017.
Siempre tiene una saga, de
capítulos unitarios de corta duración, que agrupados bajo un titulo llamativo, nos
convoca a espiar. La pandemia no fue
obstáculo para continuar creando y se dio maña para producir en condiciones de
aislamiento sobre temas que nos preocupaban en ese momento o temas universales
que permanentemente rondan nuestras vidas.
Ninguna oportunidad se le
escapa, oriundo de las Islas Canarias, el pronóstico de la erupción del volcán de
La Palma (Dorsal de Cumbre Vieja) acaecído hace pocos meses atrás, lo inspiró
para contar otra metáfora.
Ya hablamos sobre el autor en
los artículos pasados. Les dejo los
links para los que quieran leer un poco más y ver los videos que se subieron
ahí. Tambien los pueden ver desde el canal de YouTube del cineasta o de su
pagina web que voy a dejar al final del artículo.
Pero hacia finales de este
año, Perez Toledo nos sorprende subiendo a su canal de Youtube, la novela de
ocho entregas breves, estrenada en 2019 en la plataforma Facebook Watch. Una batería de toda su poética, transmitida por
siete personajes adorables y el talento del equipo que se encuentra detrás de
cámara y que lo hacen realidad.
La historia transcurre en un
hotel en Madrid donde se celebra una convención para jóvenes con alto cociente
intelectual. Cada personaje arrastrara
hasta ese lugar un tema especial, que se encuentra presente en cada uno de
nosotros, superdotados o no, en distintos momentos de nuestras vidas. En pocos minutos y con un lenguaje
cinematográfico exquisito, va directo a la llaga. Y si bien cada capitulo genera suspenso por
la continuación de la obra, también nos permite o nos obliga a la reflexión
sobre el tema tratado.
Dice la sinopsis: Todos
están a punto de descubrir que el amor... es de todo menos inteligente.
Para los que quieran ver más
videos, se interesen en seguirlo, les dejo la dirección de su página web, donde
encontrarán los links a sus redes sociales y sus trabajos cinematográficos.
A lo largo del año hemos estudiado la estructura dramática, y vimos su utilidad a la hora de analizar los textos tanto, los de los autores canónicos que leímos, como los de los trabajos de dramaturgia que fuimos llevando adelante, a través de consignas simples. Escribimos e interpretamos radioteatros. Y sobre el final, le toco la hora a la actuación.
Los presentes trabajos constituyen, una muestra que reúne el análisis de la obra Blanco y Negro de Harold Pinter, el estudio para la composición de los personajes, la construcción de las acciones y los espacios que, cada actriz, desde sus casas, trataron de armonizar para lograr una imagen unificada.
De esta manera también se completo un estudio sobre la puesta en escena.
La revelación de los tantos y posibles caminos, que pueden asumir estos personajes, aún utilizando el mismo texto para expresarlo, nos permitió armar varias versiones, de las cuales hoy mostramos dos.
Este año, trabajamos mucho y la prueba de eso la verán en la solapa del
AULA VIRTUAL del presente BLOG.
No obstante, estuvimos entusiasmados con la creación de una historia que
englobara a los personajes que fuimos cultivando durante nuestros encuentros
virtuales y también en algunos presenciales que hubieron a partir del 20 de
septiembre
El material reunido fue muy abundante y digno de grabarlo más allá del
ZOOM, pero todavía no están dadas las condiciones para que podamos hacerlo.
Con la esperanza de que el próximo año podamos empezar a plasmarlo, este
año decidimos hacer varios teasers, que muestren de que va a tratar la obra que
estamos preparando, sin que por eso se muestren ni anticipen momentos cruciales
del argumento – lo que ahora se da en llamar espoilear (del anglicismo spoiler)
el argumento.
Hemos presentado ya
anteriormente dos artículos sobre cortometrajes de Roberto Perez Toledo, hoy
presentamos el tercero y último de la serie de trabajos que realizara para EL
CORTE INGLES.
Esta serie lleva el nombre de
QUE SUERTE QUERERTE y se compone de cuatro cortometrajes sobre el amor, ya que
se trataba de una campaña para el día de San Valentín de la mencionada tienda. Fueron estrenados en 2017.
Y como bonus track, otro corto
que no pertenece a la serie, pero nos hace seguir pensando en el amor, nuestras
expectativas, la realidad y su relación con nuestras pasiones.
Para los que quieran ver más
videos, o se interesen en seguirlo, les vuelvo a dejar la dirección de su
página web, donde encontrarán los links a sus redes sociales y sus trabajos
cinematográficos.
En un artículo anterior
presentamos a Roberto Perez Toledo, hoy queremos acercar otros cinco cortometrajes
que el artista realizó en 2016 también como campaña publicitaria para el día de
los enamorados para la casa española, EL CORTE INGLES.
En este caso pertenecen a La
Suerte de Quererte
Volvemos a destacar, la
capacidad para tocar temas difíciles en tono de comedia, contando una historia
que atrapa en una reducida duración, haciendo uso de una maravillosa economía del
lenguaje, tanto verbal como visual y por si fuera poco, sin dejar de mostrar los
detalles que hacen al mundo de la marca que lo contrata.
Para los que quieran ver más videos, o se interesen en seguirlo, les vuelvo a dejar la dirección de su página web, donde encontrarán los links a sus redes sociales y sus trabajos cinematográficos.
Vamos a compartir en este
artículo, unos videos de Roberto Perez Toledo, un cineasta español que ha recibido
infinidad de menciones y premios en los últimos veinte años. Prolífico desde su adolescencia, con más de
treinta cortometrajes en su haber – la presentación del primero se produce en
1999 a sus veintiún años de edad: “Mar Adentro” – en los que muchas
veces participan actores conocidos, su primer largometraje se estrenó en 2012
cosechando el premio a la mejor actriz, mejor guión (Malaga), premio del público
y mejor opera prima (Cinespaña de Toulouse, Francia y Madridimagen): “Seis
Puntos Sobre Emma”
Entre sus obras se desatacan también “Vuelco”, “Los
Gritones”, “Los Amigos Raros” y su hasta ahora último largo, “Como
la Espuma”.
Los temas que aborda son clásicos,
pero tan actuales como la discapacidad, comunicación, relaciones personales, identidad
de género, vejez, inclusión, etc.
Nacido en las Islas Canarias,
en Lanzarote, el 3 de abril de 1978, a los tres años fue diagnosticado con
atrofia espinal congénita, cuya progresiva debilidad muscular lo obligo usar
una silla de ruedas desde los catorce años, lo que no le impidió a la hora de
elegir una carrera, mudarse a Salamanca para estudiar Comunicación Audiovisual
en la Universidad Pontificia de esa ciudad.
Ha incursionado también en la
publicidad. Entre 2015 y 2018 llevó
adelante catorce cortos para la campaña de ventas en línea para el día de San
Valentín de El Corte Inglés, de donde rescatamos los videos que se exhiben a
continuación, y que pertenecen a la serie #El Amor Mola, en tanto que #LaSuerteDeQuererte
(Doce o Trece Te Quieros al Mes / Yayoselfies / Si a Todo / Chica
Pidiendo Matrimonio a su Novio / Equis o Corazón) y #QuéSuerteQuererte (Motes
de Amor / Tu Efecto en Mi / Cada Día / Flechazos) pueden buscarlos
en su canal de YOUTUBE, o esperar a que los tengamos en este BLOG.
COMO DOS DESCONOCIDOS
EL AMOR ES MENTIRA
DEMOSTRACION PUBLICA DE AFECTO
EL COLCHON
CUPIDO IN LOVE
Para los que quieran ver más
videos, se interesen en seguirlo, les dejo la dirección de su página web, donde
encontrarán los links a sus redes sociales y sus trabajos cinematográficos.
Roberto Perez Toledo es un
creador que esta siempre en movimiento, sorprendiendo con sus mensajes simples pero
cargados de emoción y sin correrle el cuerpo a los tabúes.
Fuentes
Roberto Perez Toledo - Wikipedia recuperado el 11 de occtubre de 2021
Iniciamos este artículo con la definición de
Coreografía (Teatro) que ofrece el “Diccionario del teatro: Dramaturgia,
estética, semiología”, de Patrice Pavis.
La
práctica del mundo del espectáculo contemporáneo elimina las fronteras entre el
teatro hablado, el canto, el mimo, el video, la danza-teatro, la danza, etc.
Así pues, debemos prestar atención a la melodía de una dicción o a la
coreografía de una puesta en escena.Y
ello es así porquetoda interpretación
actoral, todo movimiento en el escenario, toda organización de los signos
poseen una dimensión coreográfica.La
coreografía comprende tanto los desplazamientos y los gestos de los actores, el
ritmo de la representación, la sincronización de la palabra y el gesto, como la
disposición fundamental de los actores en escena.
La
escenificación no puede restituir al pie de la letra los movimientos y los
comportamientos de la vida cotidiana.Los estiliza, los hace armoniosos o legibles, los coordina en función de
la mirada del espectador, los elabora y los repite hasta que el espectáculo
queda, por así decir, “coreografiado”.Brecht, nada sospechoso de esteticismo, insistió siempre acerca de esta
modificación de proporciones, esta estilización escénica: “Un teatro
enteramente basado en el gesto no puede prescindir de la coreografía.La elegancia del gesto, la gracia de un
movimiento de conjunto bastan para producir un efecto de distanciamiento y la
invención pantomímica aporta a la fábula una preciosa ayuda” (de Pequeño organón
para el teatro. $73)
Fragmentos de Carousel de Theo Lindquist, ver créditos y links para ver la coreografía en el Anexo al final del artículo.
Según el diccionario de la Real Academia
Española, “Coreografía”, tiene cuatro acepciones a saber:
1. f.
Arte de componer bailes.
2. f.
Arte de representar en el papel un baile por medio de signos, como se
representa un canto por medio de notas.
3. f.
Arte de la danza.
4. f.
Conjunto de pasos y figuras de un espectáculo de danza o baile.
Fragmento de Carousel de Theo Lindquist, ver créditos y links para ver la coreografía en el Anexo al final del artículo
Wikipedia se acerca un poco más a Pavis, y
dice que:
La
coreografía (del griego χορεία ‘danza circular’, ‘corea’, y γραφή, ‘escritura’)
es el arte de ejecutar una serie de movimientos corporales sucesivos
previamente organizados.
Si bien
es usado principalmente en relación con la danza, el término coreografía puede
ser aplicado en varios escenarios, entre ellos: Combate escénico (coreografía
de acción o de lucha); Gimnasia, Patinaje artístico sobre ruedas o sobre hielo,
Ballet clásico, Banda de marcha o Cinematografica.
Luego hace referencia a los distintos tipos de
coreografías que podríamos encontrar, pero parecería que mezcla categorías y
que el desarrollo todavía no es completo.
Lo importante es que sea para llevar adelante
la expresión de un baile u otro tipo de rutina, en todos los casos se refiere a
la creación de la organización de las acciones, los gestos, los movimientos de
los participantes en un determinado ritmo y en el espacio en donde esta suceda,
en tanto objeto de apreciación por parte de los mismos participantes como de
terceros observadores. También refiere a
su ejecución por parte de los participantes y al objeto anotado o plasmado en
un soporte para que pueda ser aprendido o conservado para facilitar su nueva
ejecución en un tiempo futuro.
Nos acercamos de alguna manera al concepto de
Puesta en Escena, que es más amplio, pero hoy no vamos a hablar de eso. Vamos a
volver a la primera definición de la Real Academia, Arte de componer bailes, y vamos a hacer foco en aquellas
coreografías que deben ser realizadas por actores que no son bailarines.
Muchas veces, aunque la obra de teatro no sea
un musical, nos vemos en la obligación de montar o bailar una escena y muchas
veces no contamos con actores que bailen o nosotros mismos no bailamos, no
tenemos los conocimientos estilísticos de los exquisitos movimientos de la
danza clásica o contemporánea, ni muchas veces tampoco la de los bailes
tradicionales o folklóricos.
En estas situaciones habrá que contar con el
profesional adecuado que nos guie y entrene, que es lo más recomendado, o
lanzarnos a la aventura, si el presupuesto nos lo impide y entoncesestudiar un poco y confiar en nuestra
creatividad.
Más allá de los conceptos musicales de ritmo,
acento, compás y frase musical y un fino oído para identificar instrumentos o
cambios de sonidos que nos puedan ayudar como marcas dentro de la composición,
es importante partir de la base de cuál es el sentido que ocupa la coreografía
que estamos construyendo en el contexto de la obra.
Si está se construye para que los actores
realicen un cambio de escenografía, y por lo tanto deben transportar elementos
o para distraer al público mientras los maquinistas realizan el cambio de
escenografía.Si la coreografía sirve
para presentar a un personaje, o para avanzar en la historia, reafirmar un
concepto, plantear un recreo al espectador, bajar o subir la tensión de la
obra, realizar un cambio de vestuario, presentar o rematar un episodio o
scketch, etc.
Otro punto a tener en cuenta es quienes van a
participar y con cuáles limitaciones contamos en ese y en cada caso.Son muy feas de ver esas coreografías que
fueron armadas con movimientos que los ejecutantes no pueden realizar bien, o
quedan grotescos cuando esa no fue la búsqueda o cuando no pueden mantener una
uniformidad de ritmo o de calidad del gesto.En estos casos menos es más y un movimiento simple pero bien ejecutado será
más funcional a las necesidades de la obra y enaltecerá a quien firme la
creación coreográfica.
Finalmente si además los actores van a cantar
mientras se ejecuta la coreografía, hay que tener en cuenta la cuestión
aeróbica y su interferencia en la emisión de la voz.
Decíamos más arriba que la coreografía es la
organización de los gestos en el escenario, pero ¿cuáles son esos gestos?Principalmente, una coreografía se puede
describir como distintos tipos de DESPLAZAMIENTOS, de GIROS, de SALTOS y de
CAIDAS o entradas al piso,Por otro lado
están los TRUCOS (más utilizados en los espectáculos de Revista) – se llaman
así a los elevamientos de los personajes sobre los cuerpos de los otros bailarines
– y otros tipos de acrobacias.
Un gesto, también puede ser expresiones
corporales propias del actor, acciones de los personajes u otro tipo de gestos
que también los caractericen, o resulten interesantes explotar.
Existe también la posibilidad de destacar
alguna parte del cuerpo, recuerden las coreografías de Bob Fosse, en donde solo
se movían las manos y sus dedos. O los trabajos de Luciano Rosso,
principalmente con la cara pero también con el resto del cuerpo aún sentado en
sus versiones del Pollito Pio entre otros playbacks.
Una célula coreográfica – el consabido tirate
un paso – es una secuencia de movimientos que se organizan en relación a una
unidad de medida, que puede ser la duración de un compás o varios, usualmente
hasta completar la frase musical.El
establecimiento de dicha unidad es discrecional del coreógrafo, puede variar su
extensión incluso dentro de la misma canción y le servirá para establecer una
idea o un motivo que luego transmitirá a los ejecutantes.
El trabajo en células permite por un lado ir
aprendiendo el movimiento por tramos y acumulación, como para definir las
repeticiones de esas células, así como si fueran un estribillo y para incluir
variaciones en las mismas y crear una célula diferente, (o mejor dicho, una célula
con variaciones).
En la creación de la célula coreográfica es
importante tener en cuenta la necesidad de mantener en equilibrio el cuerpo del
actor, principalmente en el inicio y el final de la misma, como también la
distribución del peso del cuerpo, que permita un pasaje orgánico a los distintos
puntos de apoyo en cada movimiento, ya que los actores tendemos a enredarnos al
querer copiar el dibujo que nos proponen.
Finalmente, se deberá tener en cuenta, el
vestuario que llevarán puesto los actores durante la representación, que a
veces limita los movimientos, y el espacio escénico que se debe o puede usar, y
si esta está ocupado (o va a estarlo en el momento de la ejecución concreta) con
objetos o no.
Una vez que tomamos conocimiento de todo esto,
llega el momento de planificar las células coreográficas y las figuras que se
irán dibujando en el escenario, que pueden incluir cambios de niveles, de
velocidades y si la canción lo amerita, cambios de ritmo.Si habrá solistas, parejas, grupos, o todo
junto que por momentos se recorten, adquiriendo protagonismo.Si habrá movimientos en canon, o diferentes
coreografías superpuestas para distintos grupos de bailarines, o todos bailarán
el mismo paso.Si el peso del escenario
se repartirá uniformemente o prevalecerá por momentos un sector en detrimento
de otro que quede momentáneamente vacío, etc.
