lunes, 23 de diciembre de 2019

HIstoria del Teatro - EL TEATRO MEDIEVAL - El Drama Liturgico


La Edad Media se inicia en el año 476  con la caída de Roma (Imperio Romano de Occidente) en manos de los Hérulos que diecisiete años más tarde fueron vencidos por los Ostrogodos que finalmente se quedaron con la península itálica, y finaliza en 1453 con la caída de Constantinopla (Imperio Romano de Oriente) en manos de los Turcos Otomanos.  Fueron casi mil años de intensos cambios.  Para su análisis histórico se la suele dividir en Alta y Baja Edad media. La primera se extiende desde el inicio hasta el siglo IX o X dependiendo de los autores y la Baja desde esa fecha hasta mediados del siglo XV.

Durante los primeros doscientos años, en el período pagano medieval, Europa sufrió por un lado, la invasión de los pueblos Bárbaros que desmembraron el Imperio Romano dependiente de Roma, y por el otro, del avance de los Moros que luego de sus conquistas en Africa, ocuparon Hispania.  Fueron años de acomodamientos de toda índole, jurídico, político, económico y social, en donde la cultura latina relegada a favor de la impuesta por la orda vencedora pujó por absorberla y volver a florecer.  Son años en que el teatro Latino, o Grecolatino, pareció desaparecer, aunque lo más probable es que continuara subversivamente por boca de juglares transhumantes.

A su vez, se produce la consolidación del cristianismo, que termina catequizando a los Bárbaros, estableciendo los Estados Pontificios (antecedentes del Vaticano), y construyendo monasterios y abadías – donde la cultura grecolatina se mantenía a resguardo – y la aparición del islamismo, que se expande entre los distintos clanes Turcos.  En tanto el Imperio Romano de Oriente, dependiente de Bizancio, permanecería estoico en el medio de las luchas que lo azotaban.  De esta manera la cultura occidental se sube a su tercer escalón.


El Cristianismo institucionaliza en esta época sus ritos y entonces el Teatro vuelve a sus orígenes ocupando entonces su lugar de privilegio, al principio dentro, y luego, fuera de los templos.   Asi, surge la Misa y otras representaciones que acompañan el calendario litúrgico: Conmemoración de la Pasión de Jesús, el Vía Crucis, Corpus Cristi, Pentecostés, El Pesebre, La Epifanía de Reyes.  Y otras manifestaciones, incorporadas en el proceso de sincretismo, como El Carnaval – con base en la saturnalia - y su opuesto la Cuaresma.

Durante la Edad Media, surgen los monasterios y conventos – donde comienzan a gestarse las lenguas romances – las universidades, el turismo, las letras de cambio, las relaciones sociales de amo-esclavo se transforman en relaciones de vasallaje, se organizan las ciudades, y poco a poco va gestándose una nueva clase social: La Burguesía.  No obstante durante la Alta Edad Media, priman los valores religiosos, la asociatividad, la conciencia de nación, la austeridad, el respeto, la castidad, el altruismo.

Hacia el año mil, comienza la Baja Edad Media, y con las cruzadas, las personas comienzan a conocer cómo se vive en otras sociedades, y a su regreso comienzan de a poco a manifestarse los vicios, el lujo, la diversión, el individualismo, así los valores religiosos se exteriorizan más desde las formas que desde lo espiritual.  En arquitectura, el estilo románico deja lugar al gótico, una manifestación del deseo del hombre por llegar a Dios, con énfasis en la construcción en altura eligiendo lo material por encima de lo espiritual.  La cultura popular comienza a separarse de la iglesia, asi por ejemplo, existen documentos que prohibían expresamente a los jóvenes realizar bailes o mascaradas en cementerios, lo que evidencia el cambio de conductas. En este momento, los temas del teatro se amplifican saliéndose de la Biblia para abarcar también a los Santos y otros hombres probos, y su escritura se hace también en lenguas populares, desmonopolizando al latín.

En los siglos XII al XV, ya la producción teatral es muy variada y a los espacios habituales se suma el palacio del Rey, o el de alguno de sus vasallos, ya que entre las oportunidades de ver teatro se suman ahora las fiestas vinculadas a los acontecimientos políticos, la llegada del Rey, de la Corte, una embajada, los casamientos o nacimientos de la nobleza, efemérides de batallas, etc.

Es interesante la comparación del inicio del Teatro Griego, con el inicio del Teatro Medieval y algo parecido sucederá en el Renacimiento con el resurgimiento de la Comedia Moderna y su paralela la Comedia Griega.


Habíamos dicho en artículos anteriores que todas las sociedades primitivas comparten actividades comunes que tienden a explicar lo que el hombre no se puede explicar o infundir esperanza sobre las incertidumbres que nos depara la naturaleza.  Que utilizando su cuerpo se manifestaba a partir de bailes, cantos, músicas, dibujos, esculturas y todo tipo de ofrendas,  y que de esa manera se comunica con su Dios al que le pide protección y le agradece los dones recibidos, siempre en el marco de rutinas que se transforman en rituales.  En algún momento una persona del grupo, con una sensibilidad especial, se transforma en interlocutor entre Dios y los hombres.  Nace  de esa forma el brujo, hechicero o sacerdote y es el momento en que los ritos se sacralizan.  Las ceremonias se construyen con máscaras y vestuario apropiado, los bailes se coreografían, los cantos se repiten.  Son las primeras performances y el hechicero es el primer actor de la historia.  (HISTORIA DEL TEATRO – SUS  ORIGENTES)

Al hablar de Grecia, veíamos el primer caso especial de lo relatado en el párrafo anterior.  El teatro nace aproximadamente 600 años antes de Cristo, en el marco de las festividades del Dios Dioniso, que representaba la encarnación de las fuerzas de la vida, dios de la vendimia y el vino.  Justamente la ingesta de ese producto liberaba, a través de la locura ritual,  de la mayor preocupación del hombre: la muerte.  El ritual se organizó inicialmente en forma de cantos corales, que eran himnos al dios.  Luego un solista tomaba por momentos, protagonismo.  Más tarde otro individuo dialogaba con ellos.  Después varios individuos dialogaban entre sí.  Los actores eran hombres, aún en los personajes femeninos.  Todo esto también sucedió durante la Alta Edad Media, durante los primeros doscientos años, fue esencial en la construcción del ritual que hoy mantenemos en cada celebración religiosa, y entre los siglos IX y XI, el teatro comenzaba a separarse de los ritos, sin abandonarlos, para volcarse ahora hacia su costado artístico, siempre abordando temas religiosos, momento en el que comienzan a identificarse los distintos géneros teatrales, es el esplendor del Drama Litúrgico,– la llamada etapa Feudo Medieval – donde el Teatro se representa en los atrios, las plazas y ahora, a veces en el interior de las iglesias.  Y al igual que el teatro griego, se usó también para educar civil y políticamente a la población. (HISTORIA DEL TEATRO – TEATROGRIEGO)

Así en el medioevo, Los Tropos, eran textos breves recitados o cantados en forma de diálogo, probablemente nacidos en torno al Canto del Aleluya, que comenzaron a tener estructura musical durante las misas y festividades principales, como la Pascua o la Navidad.  Luego estos cantos fueron acompañados con una breve representación alrededor del altar, que evidentemente lleva  intenciones didácticas respecto de la Asamblea que participa de la Misa.  El éxito de las representaciones, estimula la incorporación de más pasajes bíblicos al repertorio para luego derivar en los distintos géneros dramáticos: Milagros, Misterios o Juegos, Moralidades,  Autos Sacramentales, Vidas de Santos, etc.


Los primeros Dramas Litúrgicos son el
Quem Quaeritis? o Visitatio Sepulchri, donde se dramatizaba la visita de las Tres Marías al sepulcro de Jesús y la conversación con el ángel, y se difundió por la Europa Occidental durante los siglos X y XI.
El Officium Pastorum, representa la adoración de los pastores al niño Jesús y se cree que es la representación más antigua relacionada con la Navidad.
El Ordo Stellae, relacionado a la Epifanía de Reyes.
El Ordo Prophetarum, donde los profetas del Antiguo Testamento anuncian la venida de Jesucristo.
La Depositio, dramatización de la deposición del cuerpo de Jesús en el sepulcro el día de Viernes Santo.
El Cantus Sybillae o ludicium signum (el Canto de la Sibila) En donde la Sibila, profetiza la llegada del juicio final. Se considera un desprendimiento del Ordo Prophetarum con textos en latin y lenguas vulgares.

Así, se suman más participantes a las representaciones, que ya no son restringidas solamente a los religiosos, pero si únicamente realizadas por hombres en todos los papeles y comienzan a mostrarse también en las plazas y las calles, en estas situaciones se representan en lenguaje romance, quedando el latín únicamente para las presentaciones dentro de las iglesias.

Entre los Milagros se destacan, “Los Misterios de la Pasión” de Arnoul Greban y “Los Misterios de la Pasión” de Jean Michel, que llegaron a tener hasta doscientos personajes y varios días de puesta en escena, avanzando en temas que excedían los escritos bíblicos, apoyándose en sus puntos ciegos, como las escenas vinculadas a los amores de Judas Iscariote o la vida profesional de María Magdalena. 

Al Milagro se le reconoce un valor histórico, ya que permitió generar un contexto de evolución de la Edad Media al de la Edad Moderna, porque basándose en situaciones religiosas, como la vidas de santos o de la Virgen María, supieron mezclarse con el Teatro Profano Medieval como la Farsa o los Autos Profanos, en el proceso de ficcionalización de la fábula. En Francia, a los Milagros, se los conoció como Juegos.

El “Misterio de Adan y Eva”, pieza de la que no se conoce su autor, se inicia con la expulsión de Adan y Eva del Paraíso.  La línea de diálogo no sigue al texto bíblico, con lo cual una escena en la que se está jugando el destino de toda la humanidad, según coman o no el fruto, queda reducida a una discusión de pareja, donde el marido intenta imponer su autoridad mientras su ambiciosa e ingenua mujer, insiste en hacer un gran negocio con un hombre que conoció y al que le ha creído acerca de los beneficios del negocio.

Los Misterios, son dramas religiosos que ponen en escena pasajes de las Sagradas Escrituras, con preferencia de la Vida, Pasión y Muerte de Jesucristo, con otras de inspiración popular y laica.  Poseedores de una poderosa fuerza simbólica se lo puede comparar con los ritos que se hacían en Grecia en favor de Dionisos, Démeter o Perséfone.

Las Moralidades, eran obras cuyos personajes eran abstractos y cuyo enfrentamiento ilustraba los inicios del cristianismo.


Los Autos Religiosos, luego llamados Sacramentales; aunque también los había Profanos, son composiciones dramáticas en un acto, de carácter alegórico y cuya temática principal es la Eucaristía, aunque a veces incluían otras temáticas morales o teológicas, y también profanas.  Cuando eran religiosos, se representaban principalmente el día de Corpus Christi. 
Para el caso uno de los más antiguos, data de 1145, escrito en varias lenguas romances, con partes en castellano, mozárabe y gascón, es el Auto o Representación de los Reyes Magos, que debía representarse en la Catedral de Toledo en oportunidad de la Navidad.  Se conservan 147 versos polimétricos, en los que se describe a los tres reyes magos, que siguen la estrella buscando a la ciudad de Belén y su visita al rey Herodes.

En general se presentaban con una impactante escenografía, y finalizaba con cantos y bailes, que llevaban a todos los actores a la escena, con un gran despliegue energético.  Su contagiosa alegría y efectividad para la catequización, hizo que se continuaran escribiendo inclusive en la Edad Moderna durante el siglo de oro español por sus autores más destacados; pero durante la Ilustración, en 1765, fueron prohibidos como género. 

No obstante el teatro de la edad media, tiene plena vigencia hasta nuestros días.



Fuente
Programa Teatro del Mundo – Canal A – El Teatro Medieval

Wikipedia – El Drama Litúrgico

Wikipedia – El Misterio (Teatro)

Wikipedia – La Moralidad (Teatro)

Wikipedia – Auto Sacramental


martes, 10 de diciembre de 2019

Lecturas - UN ACTOR SE PREPARA - Constantin Stanislavski

 

Sin lugar a dudas, “Un Actor se Prepara” es el libro que todo estudiante de teatro no debe dejar de leer, sobre todo al atravesar los primeros pasos, cuando tiene la necesidad de ir entendiendo los objetivos de los ejercicios por los que transita.  Aunque también es una reconfortante lectura para aquellos que están más avanzados y pueden entender mejor y reconocerse en el proceso, hacerlo consciente y afirmarlo.

Escrito como una novela en donde el narrador es un estudiante que relata sus clases con el maestro y director Torstov en la Escuela de Arte de Moscú, y algunos momentos de su vida en que reflexiona sobre las enseñanzas recibidas, solo o con sus compañeros de estudio, el libro atraviesa, todos los temas que hacen a la formación del actor.

Dice Sir John Gielgud – famoso actor inglés – en el prólogo para este libro: En sus páginas encontrarán maravillosa comprensión y sugerencias aquellos que practican la actuación y la dirección y también quienes solo la estudian.  Cómo aflojar los músculos, cómo controlar el cuerpo; cómo estudiar una parte, trabajar con imaginación, cómo actuar desde el corazón; cómo trabajar con otros actores con mutua comprensión y respeto para el papel del otro, cómo considerar al público a fin de que pueda uno dominar sus reacciones en ciertas coyunturas y dejar que lo dominen en otras; el estilo de la representación en la obra clásica y realista, el arte de la concentración.  Todos estos problemas son discutidos y examinados con claridad y sencillez.

El mismo libro es conocido también bajo otros nombres debido a las diferentes traducciones que las distintas editoriales han publicado. Así lo podemos encontrar, entre los más circulados como “La Preparación del Actor” o “El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia”.

Agregamos un Anexo con el índice del libro para aquellos que busquen material sobre el autor para que no terminen comprando dos veces el mismo libro.


Sobre su autor
Constantín Stanislavski, (Moscú, 17 de enero de 1863 – Moscú, 7 de agosto de 1938)  Fue actor, director, pedagogo e investigador de teatro.  Logró poner en valor las obras de su contemporáneo Antón Chejov, rechazadas por incomprendidas, gracias a sus incansables búsquedas en el campo del realismo. Sus investigaciones realizadas entre el 1906 y  1914 le permitieron crear el Método Stanislavski, que produjo una disrupción respecto de la enseñanza para la actuación que hasta ese momento se basaba únicamente en el estudio de la declamación y la oratoria.  Fue mecenas de Vsévolod Meyerhold, su discípulo, aunque las  investigaciones de este, negaran al Método creado por el.

Cabe destacar que muchas veces se intentó hacer, sin mucha suerte, una pedagogía para la educación de aquellos que quieren ingresar a la actuación, un arte que durante miles de años solo se valió de la inspiración de sus ejecutores.

Muchas novedades pedagógicas: métodos y estéticas fluyeron después de Stanislavski, pero sus propuestas siguen vigentes.

Tres libros más completan su legado, el cuarto – segundo publicado en vida del autor – “Mi vida en el arte”, es una especie de biografía a través de su desarrollo profesional.  El segundo: “El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación” y el tercero “La construcción del personaje”, fueron publicados post mortem y no cuentan con la revisión del texto por parte del autor, como si sucede con este, aunque continua el acuerdo de que siguen siendo los más claros respecto de la técnica del actor.


ANEXO
Indice del Libro

Dice el Traductor en Lengua Inglesa
Presentación del Traductor en Lengua Española
Introducción
I. La Prueba Inicial
II. Cuando la Actuación es un Arte
III. Acción
IV. Imaginación
V. Concentración de la Atención
VI.  Relajación y Descanso de los Músculos
VII. Unidades y Objetivos
VIII. Fe y Sentido de la Verdad
IX. Memoria de las Emociones
X. Comunión
XI. Adaptación
XII. Fuerzas Internas Motrices
XIII. La Linea Interrumpida
XIV. El Estado Interno de Creación
XV. El Super Objetivo
XVI. EL Umbral del Inconsciente
Notas del Traductor


Fuente
Constantín Stanislavski / Un actor se prepara
México – Editorial Constancia SA - 1985
ISBN 968-13-0869-7

Wikipedia - Konstantin Stanislavski

domingo, 24 de noviembre de 2019

Fiesta de Cierre Anual del Centro Cultural Cortazar



EVENTO 
REPROGRAMADO PARA EL DIA 
VIERNES 6 de DICIEMBRE
Mismo horario y lugar

Este viernes 29 de noviembre, se realizará la fiesta correspondiente al cierre de talleres del Centro Cultural Cortázar en

O Higgins 3050 - Nuñez

a partir de las 18.30 hs.

Se podrá disfrutar de la muestra estática, que se desarrollará en la Galería de acceso al Salón Principal, con la participación de los trabajos de los talleres de: “Fotografía”, “Dibujo y Pintura”, “Escultura”, “Historieta” y “Acrobacia.

Como siempre los talleres de “Video con Dispositivos Móviles” y “Cinematografía”, tendrán un espacio propio, en donde se proyectarán cortos producidos durante el año.

Esta vez, un grupo de actores de los talleres de Teatro: “Improvisación” y “Teatro de Texto”, amenizaran el recorrido desde la Puerta de Acceso hacia el interior del Centro Cultural, exhibiendo a sus Personajes de la Literatura Universal.

A partir de las 19.15 abrirá sus puertas el Salón principal, entonces dará inicio a la presentación de los talleres de: “Ensamble de Guitarra”, “Repertorio”, “Canto Popular”, “Comedia Musical”, “Acrobacia Jóvenes”, “Tango”, “Ritmos Caribeños” y “Flamenco” ,

Nos vemos.

miércoles, 20 de noviembre de 2019

Gacetilla de Prensa – GRUPO VOCAL DIFUSION - Domingo 24 de Noviembre 16.30 hs



Este domingo 24 de noviembre a las 16.30 hs se presenta el Grupo Vocal Difusión en la Parroquia de San Ildefonso, Guise 1939 – CABA

Con dirección de Mariano Moruja - que este año recibió el premio Konex de Platino 2019 Musica Clásica – este grupo, con más de treinta años de trayectoria, creado con la intención de explorar y difundir el repertorio coral del siglo XX, cierra el año con el siguiente programa:

Primera Parte:
Water Music – Requiem en dos partes (Parte I; Parte II) – Ricky Ian Gordon (USA, 1956)
Segunda Parte:
Furias y penas – Mariano Moruja (Argentina, 1958)
Nemo te condemnavit – James MacMillan (Escocia, 1959)
Warning to the Rich – Thomas Jennefelt (Suecia, 1954)
We Beheld Once Again the Stars – Z Randall Stroope (USA, 1953)

Sobre el Grupo Vocal Difusión
Nacido en 1982 y dirigido por Moruja desde 1988, ha realizado varias giras por Europa y obtenido varios reconocimientos internacionales.
En 1995 visita Francia, Hungría y Alemania, y participa en este último país del Concurso Internacional para Coros de Cámara de Marktoberdorf, donde obtiene el Premio a la Mejor Interpretación de Música Contemporánea.
En 1999 y luego en 2011 la Federación Internacional de Música Coral, lo invita a participar del Simposio Internacional de Roterdam (Holanda) y realiza para el Centro Internacional para la Música Coral, conciertos en Bélgica, Francia y Puerto Madryn (Argentina).
En 2005 fue convocado para actuar como coro piloto en el Curso de Dirección Coral que dictara Johann Duijck en la “Setmana Cantant de Tarragona” realizando luego conciertos en Cataluña, Madrid, y Alicante.
En 2008, participa del Concierto homenaje a Olivier Messiaen en el Centro de Experimentación del Teatro Colón.


Sobre Mariano Moruja
Nació el 23/08/1958. Premio Konex 2009. Premio Konex de Platino 2019. Se formó en Dirección Coral y Guitarra en el Conservatorio Manuel de Falla. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, además Análisis, Canto y Piano con E. Cipolla, V. Torres y D. Schneider, e Interpretación Coral con C. López Puccio y M. Aguilar. Asistió al Robert Shaw Coral Institute. Integró el Estudio Coral de Buenos Aires (1993-1999). Fue Director Invitado en el Coro Nacional Juvenil del Bicentenario y del Coro Polifónico Nacional. Creó y dirigió el Grupo Vocal Mastregal. Dirige el Grupo Vocal de Difusión, el Diapasón Sur y el Coro Polifónico Provincial de Santa Fe. Con el GVD obtuvo el 1° Premio en el Concurso Nacional de Coros (UTN) y el Premio a la Mejor Interpretación de Música Contemporánea en el Concurso Int. de Coros de Marktoberdorf. También aborda la dirección musical de orquestas y ensambles y se desempeña como docente, dramaturgo y director teatral.

domingo, 17 de noviembre de 2019

SALIDAS al Teatro – LA VIDA URGENTE – Viernes 22 de Noviembre a las 22.00 hs


Estamos organizando para el viernes 22 de noviembre de 2019 nuestra tercera salida del año al Teatro.

Esta vez iremos a La Carpinteria ubicado en el barrio del Abasto, en la calle Jean Jaures 858, entre San Luis y Tucuman / Viamonte, para ver una obra del Colectivo Teatral LA ZANCADA que adapta – e interviene con textos de Romeo y Julieta de William Shakespeare – la novela de Martín Caparrós AMOR Y ANARQUIA  y la titula

LA VIDA URGENTE


Sobre la novela de Martín Caparrós:
Amor y anarquía es la historia de vida de Soledad Rosas, la chica que se convirtió en símbolo de la lucha de los okupas europeos, del enfrentamiento al poder y al orden establecido.

En junio de 1997, cuando salió de la Argentina, Soledad Rosas era una chica de Barrio Norte, con veintitrés años, licenciada en Turismo. Seis meses después, el Estado italiano la detenía junto a su novio y un amigo para acusarlos infundadamente de eco-terrorismo, asociación subversiva y militancia en una banda armada. Tras negarse a cualquier arreglo diplomático, se suicidó en el cuarto de una comunidad terapéutica de Turín, donde se hallaba bajo arresto domiciliario. Unos meses antes su pareja, Edoardo Massari, de treinta y tres años, había aparecido colgado en la celda donde estaba recluido.

A partir de conversaciones con la familia, con sus amigos en la Argentina y sus amigos en Italia, Martín Caparrós va reconstruyendo sueños, viajes, trabajos, miedos, desengaños, amores de Soledad. Sus amigos y familiares, los fragmentos de las cartas que envió desde la cárcel, las anotaciones y reflexiones que dejó escritas en su diario retratan con cercanía y emoción una búsqueda por encontrar un grupo de pertenencia. Parecía haber dado con una ideología y un espacio afín para hacer de su diferencia una forma de vida y una militancia.

Amor y anarquía es la historia de la vida urgente de Soledad Rosas, la chica que se convirtió en símbolo de la lucha de los okupas europeos, y también de las mentiras de los Estados democráticos para criminalizar, encarcelar y juzgar a las personas que se enfrentan al poder y al orden establecido.


RESERVA DE ENTRADA

En esta oportunidad, la entrada, también es a la gorra. 
De todas maneras hay que hacer la reserva de entradas, así que el miércoles a la noche cerramos la lista de asistentes. Les recuerdo la casilla de correo para la confirmación:


La obra se representa a las 22.00 hs y las entradas no son numeradas, por lo que el horario de nuestro encuentro será a las 21.30 hs dentro del Teatro.

Recordamos que una vez empezada la función no se puede acceder a la sala.
La duración de la obra es de 90 minutos.

Ficha técnica

Actúan:                               

Pedro León, Paula Baigorri, Julieta Costa, Josefina de Cara, 
Alejandra Escalada, Nicolas Gentile, Carola Montefeltro, 
Gabriel Francisco Riesco, Iago Scippo y Lucas Scott.

Escenografía: y Vestuario, Jorgelina Herrero Pons, Maquillaje: Silvia Zavaglia; Diseño gráfico: Lucas Fiocca; Asistencia general: Paloma Loreti Gambaccini y Dirección de Daniel Misses y Aldana Pellicani



El 20 de septiembre del año pasado se estrenó en cine, la ópera prima de Agustina Macri, llamada “Soledad”, protagonizada por Vera Spinetta, también basada en el mismo libro de Caparrós.






jueves, 31 de octubre de 2019

Recomendados - RIMINI PROTOKOLL


Hace poco escuchamos – en viejos videos que revisamos aquí - a Vivi Tellas, nombrar y recomendar a Stefan Kaegi, integrante del Colectivo Rimini Protokoll.  El encuentro con el artista, comentaba, le permitió consolidar sus ideas sobre el Biodrama.  Un tiempo después, lo invitaba a producir un espectáculo para su ciclo del Teatro Sarmiento.  Así, se llevó adelante “¡Sentate! (Platz!), un zoostituto” (2003) protagonizado por dos tortugas, una perra, una iguana, nueve conejos y sus dueños.


Las obras producidas por Rimini Protokoll, intentan valiéndose del recurso del Teatro e incorporando todo el arsenal de las tecnologías disponibles, generar una reflexión sobre temas que por pertenecer a nuestro mundo cotidiano, se hacen transparentes a nuestros ojos.  Para llevar adelante sus puestas, prefiere trabajar con actores no formados, a los que llaman “especialistas”, y esto refuerza la estética de un teatro documental, donde la obra es la protagonista.

A continuación presentamos un tráiler de “Remote Madrid”.  Cuarenta espectadores, munidos de sendos auriculares, son guiados por una voz previamente grabada, que les indica lo que deben hacer.  Se internan en grupo por la ciudad de Madrid y a lo largo del recorrido deben tomar decisiones individuales que se transforman en una acción colectiva, son actores y espectadores a la vez.   La pieza cuestiona cómo la inteligencia artificial utiliza y procesa datos en relación a las decisiones que tomamos acumulando nuestras preferencias, para predecir nuestro comportamiento futuro. 



Para conocer mejor a este grupo que tiene dos décadas de trayectoria, nada mejor que las palabras de Peter Michalzik – periodista, crítico teatral y escritor - para la página web de Rimini Protokoll:

Los integrantes del colectivo de directores teatrales Rimini Protokoll se conocieron en los años noventa, mientras estudiaban en el Institut für Angewandte Theaterwissenschaften [Instituto de Ciencias del Teatro Aplicadas] de la Universidad de Gießen (Alemania), una especie de escuela de elite del teatro alemán de vanguardia.

Rimini Protokoll está compuesto por Helgard Haug, Stefan Kaegi y Daniel Wetzel, quienes bajo este sello desarrollan sus proyectos en diferentes constelaciones: a menudo los tres juntos; Haug y Wetzel con frecuencia a dúo; Kaegi una y otra vez por su propia cuenta y en el pasado también con Bernd Ernst bajo el nombre de Hygiene Heute (que podría ser traducido como Higiene Hoy en Día)

Sus primeros proyectos fueron realizados en teatros independientes. Pero desde los comienzos de este siglo fueron bien recibidos también en los escenarios municipales; en la temporada 2006/7 concretaron dos proyectos sólo en el Schauspielhaus Zürich. Además, trabajan desde hace años en el extranjero, sobre todo de la mano de proyectos comisionados por el Goethe-Institut.

Retrato
Nadie que intente definir el trabajo del colectivo teatral, o el trío, con el curioso nombre de Rimini Protokoll podrá pasar por alto las nociones de realidad y ficción. Porque ellos extraen su material de la vida real. Luego de exhaustivas investigaciones, cada proyecto se desarrolla a partir de situaciones concretas y específicas de un lugar determinado. El grupo suele elaborar sus producciones de la mano de personas que no estudiaron actuación, que hacen de sí mismos, y que fueron convocados y seleccionados durante el proceso de gestión del espectáculo y a los que llaman “especialistas”

Aquí, sin embargo, es cuando queda en evidencia la dificultad de la separación, precisamente por los desplazamientos, interdependencias y superposiciones entre realidad y ficción: no sé sabe a ciencia cierta dónde comienza el teatro y dónde concluye la realidad, no se lo puede saber y tampoco se supone que se lo sepa. Pero lo de Haug, Kaegi y Wetzel no es mero gusto por los trucos de prestidigitador, sino que una y otra vez queda demostrado cómo la realidad sólo se desnuda por completo sobre las tablas. El teatro de Rimini Protokoll no enfrenta a la audiencia con el escenario sino que amalgama ambas esferas a través de configuraciones experimentales que una y otra vez se renuevan.

En estos experimentos de lo que se trata es de la percepción, del conocimiento del mundo y, sobre todo, de los seres humanos. Se trata, en especial, de quebrar el complejo entramado de nuestra realidad y mostrarlo en sus distintas facetas para así poder cuestionarlo. Los Rimini Protokoll aplican su método al mundo con sutileza extrema y movidos por una enorme curiosidad. Lo hacen en forma sorprendente, una y otra vez. De esta manera, han devenido los protagonistas de una corriente del reality que, desde hace algunos años atrás, viene impactando en el teatro alemán.

Sus integrantes apenas habían concluido sus estudios en Gießen y realizado unas primeras puestas en la escena independiente, cuando Rimini Protokoll saltó a la fama gracias al entonces presidente del Parlamento alemán, Wolfgang Thierse. Con el título de Deutschland 2 [Alemania 2] el colectivo pretendía recrear en la sala plenaria abandonada del antiguo parlamento alemán en Bonn el debate parlamentario del 27 de junio de 2002 en el Reichstag berlinés. Los intérpretes serían aquellos en cuyo nombre el Parlamento había deliberado, es decir, ciudadanos comunes. Thierse prohibió la acción aludiendo a la “dignidad de la casa” y desatando así todo un debate en torno de la libertad del arte, la relación entre arte y política y los límites entre teatro y realidad: desde entonces, la opinión pública conoce muy bien el territorio en el que se mueve Rimini Protokoll. Finalmente, la acción se realizó en un teatro del barrio Beuel, en los alrededores de Bonn. A través de auriculares, el texto de los parlamentarios prácticamente se les soplaba al oído a los ciudadanos de Bonn, quienes intentaban decirlo en forma simultánea.

Trabajando agrupados en diferentes constelaciones, los tres integrantes de Rimini Protokoll continúan produciendo nuevas obras a partir del material que extraen de la realidad.

Deadline (Haug, Kaegi, Wetzel) fue creado por Rimini Protokoll en el Neues Cinema, una sala del Deutsches Schauspielhaus de Hamburgo que estaba por cerrarse. Sobre el escenario, que pronto dejaría de ser tal, se encontraban un alcalde, un tallador de placas para sepulcros, un orador de funerales y una estudiante de medicina, todas personas que de una forma u otra tratan con la muerte a través de sus oficios o profesiones y que narraban cómo era su relación con la muerte. En términos de dramaturgia la puesta era tan inteligente, las contribuciones individuales se complementaban y reflejaban unas en otras, que la obra dejó una huella por partida doble: por un lado, trazó un panorama vivo de la actitud contemporánea frente a la muerte; por el otro, cobró visibilidad la individualidad de cada protagonista y su historia con la muerte.

Sabenation. Go home and follow the news (Haug/Kaegi/Wetzel) fue construida de un modo igualmente sofisticado. El tema a tratar fueron los miles de empleados despedidos por la compañía aérea belga SABENA. Una vez más, los participantes o “especialistas”, que hacían de sí mismos, fueron el resultado de una selección brillante; otra vez, la puesta fue aleccionadora y permitió conocer trasfondos y destinos; una vez más, el espectador se vio confrontado con un recorte de la realidad en sus innumerables facetas.

Vemos en Wallenstein (Haug/Wetzel), qué tan exitoso puede ser el teatro de Rimini Protokoll:
Su primer trabajo a partir de un texto clásico y puesto en escena en el marco del Festival Schiller en Mannheim, fue un éxito de reparto. Era realmente sorprendente todo lo que esta producción tenía para decir sobre el poder y la resistencia, cuán de cerca lo puede tocar a uno el caso de un candidato a alcalde de Mannheim, un jefe de policía de Weimar, o un veterano de guerra de Vietnam residente en Heidelberg. La puesta era tan auténtica y sólida que uno creía estar en presencia de la abolición del teatro, cuando se trataba, en realidad, de una puesta de gran calidad artística. La realidad estaba siendo puesta en escena, sin perder su autenticidad.

Es en Call Cutta (Haug/Kaegi/Wetzel) donde la inteligencia de los directores en escena no deja lugar a dudas. Cada espectador recibe un teléfono móvil a través del cual se puede escuchar la voz de un interlocutor que desde Calcuta –los oyentes se encuentran en Berlín- les explica en qué dirección deben avanzar. Lo que se pone en escena aquí es el call center que, desde lejos, lo guía al usuario que entabla con los empleados de éste una cierta intimidad.

En el último trabajo hasta el día de hoy, Cargo Sofia (Kaegi), los espectadores están sentados en un camión desde cuya ventana pueden ver el medio ambiente que pasa rodando, así como encuentros casuales de los vagones en los paradores y películas de sus largas travesías. Así los espectadores toman parte del mundo de los conductores de camiones que andan sobre ruedas por Europa a cambio de sueldos mínimos. No hay nada en el teatro alemán de hoy en donde la realidad le pegue a uno tan de cerca como en el teatro de Rimini Protokoll.

Les dejo la página del grupo para una investigación más pormenorizada. Lamentablemente no tiene muchas traducciones al castellano, pero los videos, dan una idea acerca del teatro que ellos proponen.



viernes, 25 de octubre de 2019

Algunas Discusiones sobre el Biodrama


Hace poco subimos un artículo sobre Vivi Tellas, y su creación: 


Sabemos que los teatristas, mantienen diferencias con la postura de Tellas, acerca de la realidad, la ficción y el documental.  En los videos que se presentan a continuación resuenan las palabras  “marco”, “procedimiento”, “poética”, “punto de partida”, entre otros conceptos. 


Durante el año 2013 la Escuela Provincial de Teatro y Títeres de Rosario N° 5029 organizó para sus 10* Jornadas de Poéticas Teatrales que transcurrieron durante ese mes de junio, bajo la consigna Ficcionalizar lo Cotidiano, tres encuentros con tres grandes referentes del teatro porteño, la misma Vivi Tellas, creadora del objeto que se pretendía debatir, Javier Daulte, quien escribió y dirigió “Nunca Estuviste Tan Adorable”, uno de los Biodramas que se presentaron en el ciclo curado por ella, y Rubén Szuchmacher, quien supo trabajar con Tellas como actor, en el inicio de su carrera, hoy uno de los directores vivos, más importantes del medio. 

Las jornadas se complementaron con la presentación de una obra de teatro “Escandinavia” de Lautaro Vilo, con actuación y dirección compartida con el autor, de Ruben Szuchmacher.  Con esto los organizadores, finalizando el ciclo, proponían debatir si Escandinavia era o no un "Biodrama".

La duración de los videos ronda los 90 minutos, en algunos casos un poco más.  En ellos no solo se debate el tópico en cuestión sino que también nos permiten conocer un poco más a estos tres creadores: qué piensan sobre el teatro y la profesión, cuáles son sus posturas filosóficas a la hora de abordar sus creaciones, todo expresado con mucho humor – pero también con mucha altura – a partir de una mirada autocrítica que hace que valga la pena instalarse cómodo para verlos y sobre todo escucharlos. 

Les aconsejo, entonces hacerlo por partes, con la bebida y/o el snack preferido a mano, durante un momento de relajación, tal como hacemos con la primera lectura de una obra.

Luego sacarán sus propias conclusiones.

Primera entrevista – VIVI TELLAS

Ante un auditorio de más de 80 personas, el sábado 1° de junio del 2013 se realizó en el Túnel 4 del Centro Cultural Parque de España, la primera Entrevista Pública de las 10° Jornadas de Poéticas Teatrales a la directora Vivi Tellas.


Segunda entrevista – JAVIER DAULTE

El sábado 15 de Junio, el Túnel 4 del CCPE se llenó de estudiantes, actores, directores y amigos del Teatro, que entusiasmados asistieron a la entrevista pública a Javier Daulte.  El evento contó con la participación de alrededor de 200 personas y tuvo una duración de una hora y media.  Daulte maravilló a la audiencia con su visión clara y contundente respecto a la ficción, la escritura, el trabajo de los actores y el desafío del director.


Tercera y última entrevisa – RUBEN SZUCHMACHER

El sábado 29 de junio, en el mismo lugar, pasó por las 10° Jornadas de Poéticas Teatrales Rubén Szuchmacher.  Coordinado también por Federico Irazábal, dando una charla impecable y magistral.

 

Las Jornadas de Poéticas Teatrales, se iniciaron en 2004 y buscan promover la investigación de distintos modos y miradas de lo teatral, propiciando la participación de alumnos, egresados y docentes de nuestra Escuela y de creadores rosarinos en producciones abiertas a toda la comunidad.

La edición 2013, se centró en la ficcionalización de lo real y los modos de construcción dramática a partir de lo cotidiano, lo familiar y lo público.

ESCENAS PRIVADAS EN LUGARES PÚBLICOS: ¿Qué es una ciudad? ¿Qué puede llegar a ser? ¿Qué cosas de la historia personal se entrecruzan con lo urbano? ¿Cuánto de privado y cuánto de público transitamos cada día? En el mes de octubre de 2013, los alumnos dirigidos por egresados de la Escuela realizaron intervenciones teatrales en cuatro puntos de la ciudad de Rosario. La propuesta intentó resignificar lo público transformando los espacios de uso cotidiano en escenarios transitoriamente ficcionales, modificando la forma de mirar la ciudad. Las intervenciones propusieron generar un encuentro emocional con los espacios de uso masivo. Entendiendo la amistad, el amor, la soledad y la ilusión como los temas que nos atraviesan y amalgaman con la ciudad. Ciudad de bares y largas charlas de café, ciudad de llegadas y partidas, de hinchadas apasionadas, de amores ingenuos y amores clandestinos, ciudad que nos permite estar solos aunque nos crucemos con los amigos en cada esquina. El público pudo ver las cuatro escenas desde un Tour que salió desde la Escuela Provincial de Teatro y Títeres o yendo directamente a los espacios elegidos.


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