sábado, 21 de julio de 2012

La Morfologia del Cuento

La Morfología del Cuento es un ensayo que revela la estructura de los “Cuentos Fantásticos” o “Cuentos Maravillosos” del folklore ruso, escrito por Vladimir Propp, (1895 – 1970) un lingüista perteneciente al Movimiento de Formalistas Rusos.  Publicado en su idioma original, en el año 1928, fue traducido al inglés, treinta años después, en 1958, momento en que tomó relevancia en el mundo occidental.  Las traducciones al castellano, tienen su origen en textos escritos en francés, y fueron realizadas recién en 1970. 

La investigación se basa en aproximadamente cien de los cuentos, muchos de ellos de tradición oral, recopilados entre 1855 a 1863, por Aleksander Afanassiev, (1826 – 1871), el mayor de los folkloristas rusos, cuyo corpus estimado en casi seiscientos ochenta cuentos estaban distribuídos en ocho volúmenes.


"La Morfología del Cuento" enumera las treinta y un funciones específicas con que se construyen los llamados Cuentos Maravillosos; indica el orden mas común en que se presentan aunque también sostiene que no necesariamente ese orden siempre se mantiene; define a los personajes característicos y explica con qué roles aparecen en los cuentos, cuales son sus esferas de acción y como se vinculan con las funciones que arman la trama.

Los personajes identificados son:

1. La Víctima, generalmente una Princesa.   
2. Los Reyes, o la familia de la víctima, su círculo cercano.  También llamados los Mandantes, o Mandatarios, porque son los que solicitan al Héroe que rescate a la Víctima.  O que traiga lo que se ha perdido o que consiga lo que no se tiene y todos necesitan.    
3. El Héroe, o el Iván.  Quien acepta reponer lo robado o perdido o conseguir lo que hace falta.
4. El Falso Héroe es quien se arroja el éxito de la empresa, y pretende la recompensa, sin haberla llevado a cabo, generalmente tendiéndole una trampa al Héroe.
5. El Agresor, o el Dragón o Baba Yaga.  Quien roba a la Princesa, o la tiene para sí.
6. El Donante del Objeto Mágico, quien de alguna  manera, explícitamente o sin darse cuenta, o sometiéndolo a una prueba, o vendiéndole, ayuda al Héroe otorgándole un objeto que este empleará para el cumplimiento de su causa.  
7. El Auxiliar, que es quien colabora con el Héroe, desinteresadamente, y en general con el traslado hasta el lugar indicado al que era difícil llegar, o cuando el Héroe es perseguido luego de recuperar lo perdido, o cuando debe llevar adelante alguna Tarea Difícil.  Lo hace por afinidad con él o con la situación.

Y las funciones (a las que les asigna un símbolo para identificarlas) son:

α  Situación Inicial
Todos los cuentos empiezan con los personajes realizando alguna acción autónoma en un lugar que los identifica con la trama.

1.       β  Alejamiento
Las victimas quedan de alguna manera solas, o aisladas, ya sea porque los padres deben alejarse, o porque ellas van a realizar un mandado, etc.

2.       γ  Prohibición
Antes de producirse el alejamiento, la Víctima recibe de parte de los Padres o de su entorno, alguna advertencia, que es importante no desobedecer.

3.       δ  Transgresión de la Prohibición
Por curiosidad, negligencia, error o chantaje, el personaje termina transgrediendo la advertencia.

4.       ε  Interrogatorio
El agresor interroga a la víctima para obtener información, puede hacerlo en forma directa o mediante pregunta especulativa, o por terceros o resulta de una observación evidente.

5.       ξ  Información
La víctima, de alguna manera da respuestas, y el agresor se fortalece con ellas.  A veces no necesariamente la Víctima es quien responde, puede ser algún auxiliar.  O también el Agresor puede hacer uso de coacción, o utilizar elementos mágicos o químicos.  O la situación en sí resulta evidente, (Ej.  Hay una fiesta y no fue invitado)

6.       η Engaño
El agresor despliega una trampa.

7.       θ Connivencia
La víctima cae en ella.  O sabiendo que es una trampa no tiene opción para no caer.

8.       A Fechoría o Carencia.
Entonces se produce el rapto, el robo, la fechoría o se concreta la carencia.

9.       B Mediación
Se difunde la noticia del suceso, y la familia, solicita ayuda.  O se manda a buscar al Héroe, se le ordena o suplica o se lo amenaza para que se ponga a disposición.  Puede haber situaciones donde el mismo Héroe es la Víctima.

10.   C Aceptación del Héroe.
El Héroe acepta el desafío de recuperar lo robado o reponer la carencia.

11.   Partida del Héroe.
Inicia el viaje hacia su objetivo.

12.   D Encuentro con el Donante
El Héroe se encuentra con un personaje que necesita ayuda.  A veces el personaje la pide y otras veces el Héroe al ver la situación la ofrece (Ej la viejecita necesita ayuda para llevar la leña).  Esta función presenta muchas variantes.  En algunas ocasiones el Héroe molesta al Personaje con su presencia o inclusive puede ser ofensivo con él, dándose entonces los valores inversos de la función.  También puede comerciar con él.

13.   E Reacción del Héroe
El Héroe hace lo que el Donante le pide, o no lo hace, o lo desafía, o se impone, etc. 

14.   F Entrega del Objeto Mágico
Al final del encuentro con el Donante, este le entrega o regala un objeto al Héroe, que más adelante en la historia lo ayudará a concretar su objetivo, o a salir de alguna trampa.  En los casos en que la relación con este personaje sea agresiva, puede ser que el Héroe robe el objeto o se lo lleve por casualidad o lo encuentre porque el donante lo haya olvidado, etc.

15.   G Desplazamiento
El Héroe se traslada o es trasladado, en este último caso generalmente trasladado por el Auxiliar.  Hace un viaje.

16.   H Combate
El Héroe se encuentra con el Agresor y se traba en combate.

17.   I  Marca
En este combate el Héroe recibe una marca.

18.   J Victoria del Héroe
El Héroe triunfa sobre el Agresor, y despeja el camino hacia su objetivo. 

19.   K Reparación de la Fechoría / Fin de la Carencia
Una vez suprimido el Agresor, el Héroe recupera a la Víctima o consigue solucionar la Carencia.  A veces hay que realizar una tarea para lograrlo.

20.   Regreso del Héroe
Se inicia el regreso al lugar donde se inicia el cuento.

21.   Pr Persecución
El Agresor persigue al Héroe y a la Víctima, con intenciones de recuperarla.

22.   R Socorro
(8 bis) V Fechoría del Falso Héroe
El Héroe y la Víctima reciben la ayuda de personajes Auxiliares para eludir al Agresor.  Pero a veces, este auxiliar, encarnando al Falso Héroe, le tiende una trampa para quedarse con su éxito y suplantarlo a la hora de obtener la recompensa. 

23.   O Llegada de Incognito
El Héroe llega disfrazado al lugar donde se desarrolló la situación inicial, o donde debe cobrar su recompensa.

24.   L Pretensiones del Falso Héroe
El Falso Héroe, se presenta con la Víctima a cobrar la recompensa y recibe todas las gracias y los honores que debía recibir el Héroe.

25.   M Tarea Difícil
Para abrirse paso, o para comprobar su identidad le exigen al Héroe el cumplimiento de una tarea difícil.

26.   N Realización de la Tarea
El Héroe realiza la tarea, a veces con ayuda de personajes auxiliares de su entorno.

27.   Q Reconocimiento del Héroe
Se descubre que efectivamente es quien decía ser.  Triunfa la verdad.

28.   S Caída del Impostor
Le quitan al Falso Héroe todos los beneficios

29.   T Transfiguración del Héroe
El Héroe cambia su aspecto, recuperando su identidad formal.

30.   U Castigo al Impostor
Se castiga al Falso Héroe.

31.   W Matrimonio
El Héroe se casa con la Princesa.
Se recupera la paz o el tiempo de bonanza.  Se equilibran las fuerzas.

Cada una de las funciones deben pensarse tanto en su forma positiva, tal cual se la enuncia, como con sus variantes y sus formas invertidas.  El estudio adjunta un apéndice con más de ciento cincuenta posibilidades para el conjunto de las treinta y un funciones.  

Muchas aparecen en el relato de a pares o tríos, por ejemplo: ABC↑; DEF; HIJ; K↓; PrS; MN; SU, marcando distintos momentos del cuento.  Cuando se suprimen funciones, estas quedan en la elipsis, de manera que se sobreentiende que la función ha existido.  Algunos cuentos contienen historias enhebradas que reinician el orden de las funciones para esa sub-historia o aparecen funciones desplazadas del orden esperado encontrándose el par que la complementa a cierta distancia en el relato.   

El estudio tenía por finalidad encontrar un marco para clasificar al cuento fantástico folklórico ruso, lo que no impide que cuentos modernos encuadren dentro la estructura o que esta se use para la creación de nuevos cuentos, inclusive forzando estas funciones.

Siguiendo con su objeto, el ensayo continúa con una serie de análisis que exceden el interés de este artículo, relacionados a las formas en las que se presentan los personajes en el relato, y las ampliaciones, reducciones, sustituciones y asimilaciones de los motivos tradicionales.

Fuente:
Vladimir Propp – Morfologia del Cuento –
Madrid – Editorial Fundamentos – 1981 – ISBN 84 – 245 – 0004 – 0

Wikipedia:
https://es.wikipedia.org/wiki/Aleksandr_Afanasiev


sábado, 7 de julio de 2012

Match de Improvisación

El match de improvisación es una disciplina que, con un formato deportivo – que incluye la presencia de un árbitro para asegurar el cumplimiento de las consignas – reúne a un grupo de actores, divididos en por lo menos dos equipos, de seis integrantes cada uno, tres mujeres y tres varones, todos en ropa deportiva, que llevan adelante improvisaciones originadas en las propuestas del público, que es también el que decide mediante su voto, quien lo hizo mejor. 
La idea surge en Canadá a fines de los años 70 en el Théâtre Expérimental de Montréal, donde Yvon Leduc y Robert Gravel, deseaban experimentar las ideas desarrolladas por Keith Johnstone sobre la técnica de improvisación, con el objetivo de lograr un acercamiento al público a través de nuevas formas teatrales. 
De esta manera, logran poner en escena una parodia sobre el juego de hockey sobre hielo, creando la modalidad explicada más arriba, en un espectáculo improvisado e irrepetible.  La experiencia se difundió velozmente por todo el mundo francoparlante, y se organizó una liga mundial “de la improvisación como deporte”.
Al final de los 80, Claude Bazín (representante de la Liga Francesa de Improvisación), junto a Silvie Potvin y Silvie Gagnon (ambas representantes de la Liga Nacional de Improvisación, Quebec, Canadá), dictan en Argentina los cursos y protagonizan en la Discoteca Palladium de la Ciudad de Buenos Aires, los primeros encuentros de Match en el país.  A su partida queda formada la Liga Argentina representada por Fabio (Mosquito) Sancineto, Eduardo Calvo, Pedro Cano, Nora Martínez y Ricardo (Ricky) Behrens. 
Para el desarrollo del juego puede además haber un presentador que explica lo que va a suceder y articula la comunicación entre actores y público.  El título de los enfrentamientos surge de las propuestas que completó la gente en las tarjetas que fueron repartidas antes del ingreso a la sala, y que fueran recogidas previamente. 
Las normas generales son: No se pueden usar objetos durante la improvisación; No se puede hacer referencias a bromas conocidas; El improvisador no puede tentarse con la situación ni hacer referencia a lo que ocurre con el público o con lo que sucede afuera del recinto de juego. 
Hay varias modalidades de Match, en donde los equipos pueden participar uno después del otro o en simultáneo, pero las definiciones de la improvisación suelen partir de las tarjetas que contienen: Título, Tema, Género, Formato, Estilo, Duración y Número de Jugadores. 
Los Estilos son:
Libre, se ajusta solamente a las reglas generales.
Doblaje, un narrador y el resto realiza las acciones.  El narrador puede proponer o narrar lo que  sucede en escena.
Fotonovela, el narrador relata la historia y los actores reproducen las fotos. 
Por Estilos, tras un lapso, el árbitro congela la improvisación e incluye a los espectadores en la decisión de la continuación de la obra 
Contrarreloj, el equipo hace una improvisación en tiempo determinado, luego la debe repetir en la mitad del tiempo, y así sucesivamente, hasta que la reproducción resulta imposible.

De esta manera la Improvisación trasciende su valor como instrumento de conocimiento de la obra para presentarla como un espectáculo en sí mismo. 

Durante estos años, la línea seguida por Sancineto, rompió la estructura del match quitando protagonismo al concepto de competencia al restarle los árbitros, la cancha y presentando un solo equipo.  Sostiene que la improvisación implica una situación lúdica que obliga a la escucha y a asumir el tránsito producido por las consecuencias de los acuerdos logrados en ella momento a momento.  Se modifica el concepto tradicional de Conflicto, reemplazándolo por los motores (motivos, tanto en su definición de causa como en la de tema) que son impulsores de la acción dramática. Y plantea que en su aspecto positivo revela la posibilidad de crear desde la nada compartiendo dicha responsabilidad con el público, mientras que como aspecto negativo puede aparecer lo superficial como propuesta para salir del paso. 
Tanto él como sus discípulos han generado una amplia variedad de propuestas, trabajando el humor absurdo en diferentes formatos: reportajes, telenovelas, publicidad, cartas, etc; tratando de obtener conexiones entre distintos lenguajes y rompiendo preconceptos para llegar a lugares inesperados, incluyendo a la musicalización como elemento a improvisar. 
La línea tradicional, representada por la Liga Profesional de Improvisación, está actualmente dirigida por Ricardo Behrens.   Se puede visitar su página:  


Fuente:
Beatriz Trastoy y Perla Zayas de Lima - Lenguajes Escénicos - 
Buenos Aires - Prometeo Libros - 2006 - ISBN 987-574-111-6 

Wikipedia

viernes, 22 de junio de 2012

El Metodo del Analisis Estructural


Existen varios métodos para llevar adelante la tarea, la mayoría originados en la literatura y la semiología, pero el que más nos interesa a nosotros y el que comenzaremos a desarrollar, se basa en la Estructura Dramática tal como la entendemos los teatristas y es el Método del Análisis Estructural.  

Ya hemos explicado qué es y cómo se compone la Estructura Dramática, (ver La Estructura Dramatica) la metodología para el análisis consiste en utilizarla como herramienta para responder el cuestionario que se muestra más adelante.  
Las obras poseen una estructura formal y otra procesal o funcional que le permiten expresar la estructura de sentido.  
La estructura formal se refiere a cómo es la factura de la obra, y ya ha sido explicada en el artículo de La Estructura Dramática – Elementos – El Texto, por lo que recomendamos se repase su contenido desde ahí. 
La estructura procesal está encargada de explicar cómo sucede el relato, y permite el desarrollo de la obra. 
A partir de tener hecha nuestra descripción de la obra, lo primero que deberíamos respondernos es ¿Qué es lo que pasa en la Obra? Y ¿Quiénes intervienen en lo que pasa? 
Luego, ¿Cómo pasa? 
Y finalmente ¿En dónde pasa?  Y ¿Cuándo pasa? 
Los lugares en dónde las obras se inician o terminan no son azarosos. 
Existe un por qué para que la obra comience en ese momento y en ese lugar y no en otro, y también para que termine en ese lugar y con esa acción final. 
La Connotación comienza en la primera escena, ya que antes de que empiece la obra no hay nada, porque no necesita mostrarse nada previamente para que la obra mantenga su sentido, por eso la primera escena no es indiferente.  Es la necesaria para dar comienzo a una estructura de sentido que se pretende contar. 
Si esto no fuera así no existiría Unidad de Acción, uno de los principios Aristotélicos del Drama.  
¿Con cuál Acción comienza la obra y con cual termina? ¿Cómo se inicia y cómo se cierra el proceso?  Se habla aquí de una acción en sentido amplio y también en el sentido puntual. 
¿Cuál es el equilibrio que está a punto de romperse y va a ser quebrado o no finalmente? 
Hay un personaje o grupo de personajes – Protagonistas –, que necesitan o buscan un cambio, que algo cambie, o que algo sea de otro modo, y el o los Antagonistas que intentaran defender el status quo, que todo se conserve como hasta el momento, que no haya cambios. 
O cuál es la Fechoría que se produjo y debe ser repuesta, o la Carencia a cubrir o la Amenaza que se cierne? 
¿Cuál es la Fuerza o Tendencia con que se inicia el proceso, con qué quiero empieza, con qué objetivo?  Qué quieren y que se les oponen a los personajes, en esta situación de frágil equilibrio. 
¿Cómo se organizan estas fuerzas? ¿Cuáles son los grupos de personajes afines?  ¿Qué los aglutina? ¿Cómo se definiría la esfera u órbita de los Personajes? 
Cada unidad dramática, tiene polos contradictorios.  La unidad se consigue con el choque de las fuerzas, y el escalamiento del choque permite el desarrollo del Relato de la Fábula. 
Cada unidad siguiente está determinada por la unidad anterior.  Cuando no hay nada más que decir, no se dice nada, en coherencia con el mantenimiento de la Unidad de Acción. 
¿Cuál es el conflicto principal? ¿Cómo se desarrolla? ¿Qué acciones de cuáles Personajes hacen evolucionar el Relato? 
Dónde Empieza, (por qué – para qué empieza ahí, en ese espacio?) ¿Què se pretende comunicar a partir de esa acción en ese espacio?  
Dónde Termina / (finales) Cómo se califica el espacio. 
¿Existen elementos – Signos – en las escenografías elegidas que resultan estructurantes del Relato, que no se puedan reemplazar por otros elementos y otros espacios? 
Acciones principales, cuáles son, quienes las llevan adelante.  ¿Cómo y cuándo se consigue la Catarsis?  La Catarsis es la liberación o eliminación de experiencias traumáticas que alteran la mente o el equilibrio nervioso.  Para los antiguos griegos era la purificación de las pasiones del ánimo mediante las emociones que provoca la contemplación de una situación trágica. 
¿Cuál es el Tema de la obra? – muchas veces el Tema es un aspecto literario que no coincide con el conflicto de la obra – ¿y el conflicto de los personajes?, – generalmente distinto del conflicto de la obra –.  
Enunciación de los Temas atravesados.  ¿Identificamos Intertextos? 
La intertextualidad es la relación que un texto (oral o escrito) mantiene con otros textos (orales o escritos), ya sean contemporáneos o históricos; el conjunto de textos con los que se vincula explícita o implícitamente un texto constituye un tipo especial de contexto, que influye tanto en la producción como en la comprensión del discurso. (Wikipedia) 
Evaluación de la extensión y profundidad de los temas atravesados. 
¿Con qué calidad se han tratados los temas?  ¿Se manifiesta una investigación sobre ellos? ¿Se ha atravesado por ellos trivialmente? ¿Generan curiosidad al espectador? ¿Se presentan por primera vez? ¿Rompen un tabú?  La palabra tabú designa a una conducta moralmente inaceptable por una sociedad, grupo humano o religión.  La materia tabú puede ser de contenido religioso, económico, político, social o cultural generalmente por una razón no justificada y basada en prejuicios infundados.  Romper un tabú es considerado como una falta imperdonable por la sociedad que lo impone.  Algunos tabúes son, en efecto, delitos castigados por la ley, en este sentido, los tabúes son antecedentes directos del derecho.  Hay tabúes fuertemente incorporados a las tradiciones de ciertas culturas, mientras otros responden a intereses políticos de la coalición dominante de la sociedad. 
Personajes Principales.  Características
¿Quién lleva adelante la acción? ¿Cómo lo hace?  ¿Quién la demora, la sostiene o la rechaza? ¿De qué manera lo hace? ¿Cómo impacta en los personajes las acciones realizadas? ¿Los transforma?
Personajes Auxiliares – (Partícipes Necesarios)  ¿Cómo colaboran en el desarrollo de la trama? 
¿Hay duplicación de Personajes?, ¿Y de Actores?  ¿Cumple más de un Personaje la misma función?  ¿Se pueden reducir esas funciones? ¿Se puede simplificar o condensar las funciones en menos Personajes? ¿y en menos Actores? 
Opinión de los Personajes y Opinión del Autor.  Opinión del Director. 
Los Personajes, se expresan a través de su Discurso y de sus Acciones, el Autor aprovecha los Personajes para manifestar sus propias opiniones, para llevar las confrontaciones a su máximo exponente y marca su tendencia a partir de las consecuencias de dichas confrontaciones. 
Por su lado el Director aprovecha las indefiniciones del Autor o la ausencia de una marcación de las Acciones de los Personajes en el Texto del Autor (y si las hay, muchas veces las elimina) para reescribir las Acciones y así resignificar la obra pero usando el mismo Texto. 
El 1er Acto: Presentación de Personajes, y de la Fabula. 
Se llama primer acto, al planteo de la obra, porque generalmente en las obras de tipo clásico – del Renacimiento en adelante – en el primer acto se planteaba la trama de la obra, en el Teatro Griego ya se lo hacía en el Prólogo.  También en cine se le llama primer acto. En este primer momento se realiza un anticipo de lo que va a suceder, (hoy, sin decirlo ampliamente, en la antigüedad, era bastante detallado) permitiendo que en la cabeza del espectador comience a engendrarse la idea de lo que va a ver, de lo que puede llegar a suceder, buscando que se interese en la obra, en el cuentito.  La incorporación de elementos no planteados en el primer acto producen desconcentración, perturba, pone al espectador en la necesidad de recalcular el cuentito. 
¿Se respeta la teoría del primer acto?  ¿Cómo funciona con respecto al público?  ¿Favorece a la Magnitud de obra? ¿Existen elementos no planteados en el primer acto? 
Motivos que permiten el Relato.  ¿Cómo se conectan las escenas entre sí?  ¿Cuáles son los puentes?   Un puente es el elemento o recurso que permite unir una escena con la siguiente de modo sutil, de manera que el espectador no nota la “costura”.  El más abrupto es el apagón y el más sutil la incorporación de un motivo nuevo. 
Escalamiento del Conflicto.  Descripción de los motivos o acciones que lo permiten. 
Dosificación de la información al espectador.  ¿Cómo se realiza? ¿Es gradual?, ¿tiene picos? ¿Colabora con el mantenimiento del suspenso?  ¿Cómo se mantiene el suspenso? ¿Hay anticipaciones? ¿Y repeticiones? 
Episodios y Elipsis.  ¿Cómo se cuenta la Fábula? ¿Qué se deja afuera? ¿Hay puntos ciegos? 
¿Qué climas se piden o se logran?  ¿Cómo se consiguen? Describa el estado de los Personajes. 
Estructura Formal.  ¿Cómo se revela?  Formato de las escenas: Monólogos, Diálogos, etc. 
Uso de didascalias, ¿que prevalece discurso o acciones? 
¿Utiliza Recursos del Lenguaje en sus textos? 
Podemos descubrir Dispositivos Dramatúrgicos, ¿cuáles? 
Repetir las preguntas para cada unidad menor de la obra: Actos, Escenas. 
Conclusión 
Argumento – Síntesis – Resumen 
¿Cómo estructura el autor/director, la obra? ¿Por dónde pasa la estructura? 

lunes, 11 de junio de 2012

Participacion de la Musica en los Espectaculos Teatrales


Más allá de las teorías de Richard Wagner acerca del Teatro Total, – un teatro que debía incorporar a todas las artes, aunque no todas las artes iban a tener igual importancia – en donde la música era la que mayor prevalencia tenía, ya que es, en palabras de Hans Richter, la que define la obra, para los que no hacemos teatro musical, la música es un recurso inagotable. 
En las Operas, Operetas, Zarzuelas, Comedias Musicales, etc., la música es inseparable del guión y la trama y los textos raramente se dicen, sino que siempre se cantan. 
En el caso de las Obras de Teatro con Música, esta se transforma en un recurso plástico, que amplifica las posibilidades de comunicación al dramaturgo, quien debería tener en cuenta ciertas reglas para mantener un equilibrio adecuado en su uso y no degradar el recurso. 
Estas reglas básicas son: (1) no mezclar música grabada con música en vivo – ya que será claro para el oído del espectador, el salto de calidad en la textura de lo que se escuche e (2) incorporar en el Primer Acto el recurso, de la manera más extrema de cómo va a ser usado más adelante en el desarrollo de la obra, de manera que luego no sorprenda.  Es decir que si el uso más importante que se hará es en modo de canciones, debería iniciarse la obra o plantearse en el Primer Acto una canción.  En el cierre también debería haber música. 
Presentación de la Escena.  Al inicio de la escena, puede ser usada de diferentes maneras y sirve para la generación de climas, incluyendo los efectos especiales de tipo sonoro, establecer el ritmo de la secuencia, expresar una acción autónoma a desarrollar o presentar personajes. 
Generación de Climas.  En tanto su uso como recurso, la Música es una gran generadora de Climas,  utilizada como fondo, expresa sin lugar a dudas el tono de la escena y los posibles estados de los personajes que la vayan a jugar. 
Establecer el Ritmo.  Permite también instalar el Ritmo con que los actores se desenvolverán o establecer un contraste dramático, si estos siguen un ritmo exactamente opuesto al propuesto por el recurso.  
Efectos Especiales Sonoros.  Son sonidos que refieren a sucesos o actos que se manifiestan en el escenario o fuera de él pero en relación a la historia que se está contando, completando el imaginario inicial o instalando cambios, produciendo conflictos, etc. 
Presentación o Expresión de la Acción.  Si la Acción Autónoma de los Personajes puede caracterizarse por un sonido, es posible que este se utilice para reafirmarla o presentar un clima que implique darle cierta relevancia. 
Presentación de Personajes.  En el caso de individual de los Personajes, puede servir para presentarlos, identificando una música concreta con un personaje puntual, a veces en su primer ingreso a escena el Personaje canta su canción, y luego la repetición del motivo musical, servirá para que el espectador anticipe la participación del Personaje en la escena. 
La Música como Relato.  Una canción puede a través de su letra reforzar ideas, permitir que se relaten situaciones evitando tener que representarlas en la forma tradicional, y en este aspecto genera también un cambio de ritmo – al pasar de una situación de diálogo o monólogo a una canción y probablemente su coreografía – alivianando al espectador de la carga del texto.  El cambio de ritmo seguramente también ira acompañado de un cambio en el plano visual. 
Avance de Historia.  Una canción permite simplificar un relato que no presente situaciones dramáticas interesantes, es decir conflictivas, pero que al no poder integrarlo a la elipsis, deba ser presentado dentro del material expuesto. 
Relato Coreográfico.  La historia puede avanzarse también sin letra pero con una coreografía que muestre las acciones que realizan los personajes en donde se muestran los sucesos que atraviesan los Personajes, dejando en la elipsis los diálogos que se llevaron a cabo para la realización de esas acciones. 
Reafirmación de la Escena.  La canción irrumpe en el transcurso de la escena para afirmar un concepto. 
Resolución de la Escena. La canción aparece sobre el final de la escena, recopilando lo que sucedió, buscando darle un cierre al concepto revelado. 
Puente.  Un Puente es recurso para ligar dos escenas contiguas.  En ese sentido, puede utilizarse un Separador, una Canción y por supuesto sus Coreografías.  A veces los Puentes resultan ser los mismos cierres/presentaciones de escena o las músicas y canciones para avanzar la historia, en donde también se aprovecha, si es posible, para cambiar las escenografías. 
Separador.  El Separador, también utilizado en radio y televisión, es la repetición del leitmotiv de la canción principal.  Funciona como un apagón, a veces también lo acompaña, o como un cierre de telón para luego volverlo a abrir.  
Cambio de Escenografía.  Ante la necesidad de un cambio de escenografía, el recurso más fácil para ocultarla del público, es usualmente acompañarla con música, ya sea que se cante una canción, o se realice una coreografía que involucre el movimiento escenográfico o que la acción de actores, cantantes y/o bailarines capturen la atención mientras el cambio se produce.


Apertura y Cierre.  Como ya se ha dicho en el caso de las aperturas, es necesario que se exprese en el Primer Acto el recurso. Puede intervenir completando los climas, iniciando el relato y marcando los ritmos.  Y en el caso de los cierres, si solo es instrumental, reforzando la emoción transmitida por la puesta y si son canciones, el momento triunfal acompañando la catarsis.

lunes, 4 de junio de 2012

Escribiendo el Cuentito

En los últimos tiempos se ha dado en la región un especial interés de los actores por escribir teatro, ya sea motivados por la necesidad de evitar el costo inherente al autor a la hora de solicitar los derechos para usar su obra, o por la necesidad de adaptar un texto a la cantidad de gente que tiene la compañía teatral, otras veces porque no encuentran la obra que traten los temas que quisieran representar y finalmente, porque los talleres de teatro promueven la actividad desde la improvisación y la búsqueda de la actuación desde la poética personal pero en ese proceso muchas veces no se alcanza con rigurosidad a darle forma espectacular al material que se rescata.

De pronto surge la pregunta, ¿cómo se escribe una obra de teatro? Y entonces comienza el recorrido por los libros que expliquen la fórmula.  Porque lo que se busca es una fórmula que simplifique el esfuerzo y les permita cumplir su objetivo que es actuar.  Los primeros libros que se encuentran son los vinculados la construcción del guion de cine, y los formatos para televisión.  Pero también en los últimos años han podido encontrar, varios libros en donde autores consagrados escriben acerca de sus fuentes de inspiración, o sus métodos y en algunos casos también con sus consejos.  Con mucha frustración, leyéndolos se enteran de que no hay fórmulas, o por lo menos, que la fórmula es personal y debe encontrarla cada uno.


Desde nuestro punto de vista, no es tan así, el interés por establecer una preceptiva teatral no es nuevo.  Hemos comentado en otros artículos – “A Escribir” y “El Valor de la Palabra” – que Aristóteles (384 AC – 322 AC)  ya en ese entonces, expresaba en su “Poética”, el arte de escribir tragedia griega,  Además, si revisamos cada movimiento artístico, podríamos rescatar, a algún autor que directa o indirectamente explica los detalles técnicos de la producción de su época.  Y que a inicios del siglo XX, los formalistas rusos, que también buscaban “la fórmula para escribir”, para “hacer literatura”, obtuvieron conclusiones.  Diríamos que a cada obra, le corresponde una fórmula, quizás el desafío sea encontrar a cual fórmula corresponde.   Hemos explicado también que cuando se escribe con fórmula, se nota y entonces, la obra pierde fuerza.  Pero cuando estamos perdidos y necesitamos encontrar una respuesta para que nuestro trabajo avance, comparase con las fórmulas, ayudan a obtener el resultado deseado. 

Usualmente, la primera necesidad, es que la obra se entienda, que el público pueda tener su historia. Más adelante vamos a hablar de las preceptivas que podemos tener a mano, pero antes tenemos que hacer una aclaración y hablar del “Cuentito”, como lo llaman despectivamente los dramaturgos.

Hasta la aparición del Cinematógrafo, a finales del siglo XIX, la función del teatro era la de contar una historia en 3D y en vivo.  Este era el único arte que podía hacerlo. Las otras posibilidades de acceder a un cuento o historia era a través de las baladas cantadas por los trovadores o de la épica escrita.  Todo este proceso lo explica muy bien Mauricio Kartún en su artículo “El Cuentito” publicado en Revista Teatro XXI (1995) y luego recopilado por Jorge Dubatti en “Escritos 1975-2005”, de  Editorial Colihue para su colección Praxis Teatral.  Pero con la aparición del cine, la posibilidad de ver un cuento o una novela fue ampliamente superada.  Más tarde la aparición de la televisión lo hizo algo de todos los días, así el teatro, perdió interés y por su puesto: público.  Fue la hora entonces de renovarse.  Según el autor, reunió y robó a todas las demás artes y se reinventó despreocupándose del “Cuentito” y enfocándose en la posibilidad de transmitir sensaciones a partir de la poesía.

Entonces tendríamos que separar a los formatos que ayudan a contar el Cuentito de aquellos que lo superan. 

Considerando que hasta el final del siglo XIX, el teatro contaba historias, la preceptiva de cada movimiento artístico es una ayuda importante.  Para el teatro del siglo XX en adelante tendremos que ir más despacio.

Veamos un poco como armar el Cuentito.  No en vano le dicen el cuentito, ya que las obras de teatro que responden a este paradigma comparten con el Cuento Literario algunas características que le son intrínsecas y que en muchos casos también le permiten diferenciarse de la novela.

Sin ahondar mucho en la Teoría del Cuento, que seguramente será tema de otro artículo, podemos nombrar algunas de estas características:
  • Es un relato breve, que puede ser abarcado en una sola sentada (una lectura sin interrupción).
  • Siempre presenta una historia de ficción, aunque su origen sea un suceso de la realidad, puesto que al darle un formato, un estilo, siempre se termina ficcionando.  
  • El número de personajes es reducido, y generalmente se enfoca en la acción de uno, el principal.  (Es el Plot de un Personaje)  
  • El Cuento recrea situaciones, con una trama enfocada en el desarrollo de esas pocas situaciones, abordando un clímax y desenlace final rápido; en contraposición con la novela que trabaja sobre el desarrollo de personajes, su psicología, recreando mundos, presentando “cabos sueltos”.  
  • El cuento es una acción cerrada, con una estructura clara de “Presentación, Nudo y Desenlace”
  • Se dice que el cuento necesita Tensión, Ritmo, Imprevistos y Sorpresas dentro de la lógica de Causa-Efecto de los acontecimientos, sin relegar Conflicto, Unidad y Continuidad.   

Si no hubiésemos dicho que se trataba del Cuento, podríamos decir que son características claras  de las Obras de Teatro.

Generalmente se parte de una situación inicial, en donde un personaje o un grupo de personajes, debido a una acción, necesita generar un cambio a la realidad imperante, para lo cual deberá enfrentarse a quienes no desean que las cosas cambien.

La forma más grafica de verlo, es la construcción de historietas.  Las màs conocidas, las publicadas en las últimas páginas de los periódicos constan casi siempre de cuatro viñetas, como por ejemplo: Clemente”, “Mafalda”, “Diogenes y el Linyera”, e “Inodoro Pereyra…” (aunque ésta a veces se extendía tanto como la página), entre las más populares. Llevando adelante la estructura de presentación en la primera viñeta, el nudo en las segundas dos y el desenlace en la cuarta.


Otras se reducen a un solo cuadro, como las de Maitena y sus “Mujeres Alteradas”.  En este último caso la protagonista de turno de la tira, hacia el planteo en el globo de su texto y la coprotagonista daba el remate en su propio globo, mientras el resto de la gráfica completaba el ambiente, generalmente mostrando la acción que desarrollaban mientras hablaban. 


La “Presentación” o “Primer Acto” como también se le dice, abarca, la situación inicial, el lugar donde se hallan los personajes, desarrollando sus acciones autónomas y donde se producirá el evento que genere el conflicto.  Todos los personajes de la historia deben estar planteados aquí, aunque aparezcan con posterioridad, de manera que no haya situaciones que obliguen al espectador a “recalcular” la historia.  Se supone que aquí, ya hay pistas del desenlace.

La preceptiva establece que antes del principio no hay nada que interese a la historia que se va a exponer.  Dando por descontado una unidad de objeto, de manera que ninguna situación puede ser suprimida ni agregada para contar lo que se pretende contar.

El principio termina cuando se revela "el conflicto", "la amenaza" o "la carencia", que da inicio a la peripecia del personaje, en su derrotero por reponer la historia a su momento original o para revertirla a su favor. De esta manera empieza el nudo, en donde se construirá la trama: el relato de todos los sucesos que atravesarán los protagonistas para llevar adelante sus deseos y también las situaciones que llevaran adelante la persona o el grupo que desee impedirles que lo cumplan. 
Luego de llegar al punto de climax, o momento de mayor intensidad de las emociones, sobreviene el final en donde se cierran todas las historias abiertas, sin dejar cabos sueltos.

Se sugiere entonces que quienes deseen escibir bajo esta modalidad, planteen en un párrafo breve, de que trata la historia que se pretende contar.  Plantear el conflicto, luego plantear el final, después pensar como empezaría y unir esa acción o imagen inicial con la final, escribiendo en tiempo presente y en tercera persona.  Es muy importante plantear el final, porque cuando se deja avanzar la historia, después se torna complicado encontrárselo.  El tiempo verbal va a obligar a que las acciones de los personajes aparezcan.

En cine se utiliza lo que llaman ESCALETA o PLOT.
Esto es el establecimiento de una ruta de los acontecimientos de la Fábula.  Es una lista de las escenas, previamente ordenadas en forma cronológica, y muchas veces en forma de fichas, en donde cada ficha esta numerada y tiene un título y un pequeño desarrollo de lo que sucede en la escena, los personajes que participan y cuáles son las acciones o textos críticos que deben ejecutarse o decirse.  Estas fichas luego pueden reordenarse, alterando el orden inicial, para mejorar el ritmo, otorgar suspenso o beneficiar de alguna manera el relato.  Puede tener también algunos detalles técnicos para ser utilizados a la hora de filmar, como puesta de cámaras, objetos indispensables o si la escena se desarrolla en interior o exterior de día o de noche.

Equivaldría a establecer los pasos del cuento, tal como lo explicamos cuando hacemos narraciones.

Para ver en detalle, los consejos para escribir una historia exitosa, sugerimos leer alguno de los libros escritos por Syd Field, un funcionario de una productora de cine en Hollywood cuya trabajo era seleccionar buenos guiones para llevarlos a la pantalla grande.  Seguramente será el tema de algún próximo artículo.